Llave de bronce romana

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Cerradura y llave: historial de llaves y cerraduras

La historia de las cerraduras y llaves se remonta a varios miles de años, llegando a los primeros momentos en que la civilización humana moderna estableció su reinado y comenzó a desarrollar ciencias y tecnologías que permiten el nacimiento y el crecimiento de nuestra forma de vida moderna. Incluso en aquellos tiempos antiguos, hace unos 4000 años, la gente quería tener la capacidad de salvaguardar sus posesiones y almacenarlas en lugares donde nadie más pudiera tener acceso a ellas. Para ello, ingenieros, diseñadores y científicos crearon los primeros ejemplos de cerraduras y llaves. Creadas originalmente con madera y otros materiales naturales de fácil acceso, las cerraduras y las llaves ofrecían una pequeña forma de protección contra el robo o la intrusión, pero (así como los complicados nudos de cuerda) al menos proporcionaban un indicador claro si alguien manipulaba la cerradura.

Los primeros modelos de llaves y cerraduras de madera tienen su origen en el Antiguo Egipto, donde por primera vez lograron aprovechar la técnica de los pasadores descendentes para controlar el movimiento del pestillo de seguridad. El cerrojo podría liberarse de la posición de bloqueo insertando una llave de madera grande y engorrosa en la cerradura y levantándola manualmente hacia arriba, desplazando los pasadores que estaban sujetos por la gravedad. La edad romana introducida trajo muchas mejoras a los diseños egipcios originales, pero la naturaleza cara de las cerraduras, su incapacidad para sostener grandes fuerzas externas y su fácil apertura las convirtieron en un símbolo de riqueza, influencia y nobleza. Las llaves pequeñas hechas de metales (hierro, bronce, plata, oro) a menudo se consideraban una de las formas más efectivas de mostrar públicamente su riqueza (solo las personas muy ricas podían permitirse tener cajas fuertes personales o puertas con mecanismos de cierre).


¡Galería de llaves romanas antiguas y una breve lección de historia!

La imagen de la izquierda es de un antiguo candado egipcio de madera tipo vaso. La imagen de la derecha muestra cómo las partes de la llave encajan directamente con el cerrojo en una antigua cerradura de tipo romano.

En general, se reconoce que las cerraduras antiguas no han sobrevivido bien y son extremadamente raras intactas porque generalmente estaban hechas de hierro o madera y el hierro y la madera se han corroído a lo largo de los siglos. Por lo tanto, es una suerte para nosotros que las llaves y los pestillos de las cerraduras estuvieran generalmente hechos de bronce o bronce y hierro y, aunque de ninguna manera son comunes, se pueden encontrar en cantidades y condiciones suficientes para ser un objeto de colección muy popular. Tenga en cuenta que las llaves antiguas están disponibles solo cuando se desenterran y, a menudo, incluso cuando se encuentran, por ley, no siempre se permite venderlas o salir del país. Hoy en día, muchos países tratan estos artículos como tesoros nacionales y tratan de evitar que se vendan.

También se reconoce en general que las llaves y las cerraduras se inventaron alrededor del 4000 a. C., probablemente por los egipcios, aunque algunos expertos piensan que los chinos de la misma época también usaban cerraduras y llaves. También sabemos que en el año 712 a. C. se usaban comúnmente cerraduras y llaves. Esto del libro de Isaías capítulo xxii, versículo 22: "Y pondré la llave de la casa de David sobre su hombro"..

Para obtener información sobre las claves al final de esta página, puede consultar nuestra sección de libros.

Tenga en cuenta: acerca de Falsificación artículos si eres un coleccionista. Recientemente, hemos notado una gran cantidad de artículos antiguos falsos que ingresan al mercado. Tenga especial cuidado al comprar los siguientes artículos: cualquier candado o llave asiáticos supuestamente antiguos. Casi todos los que hemos visto se han fabricado recientemente en Asia. El siguiente es casi cualquier clave de Europa del Este en forma de animal o humano. Al menos por ahora, parece que lo malo, en este caso las claves falsas, han expulsado a las buenas, las auténticas claves antiguas del mercado. Aunque he visto algunos que son reales, la mayoría son falsificaciones hechas recientemente en Europa del Este. Desafortunadamente, estos falsificadores (en su mayoría, parece ser de Bulgaria) pueden haber matado el antiguo pasatiempo de coleccionar llaves. De nuevo, al menos por ahora. Nota: a partir del 01/01/2012, la situación de las falsificaciones parece haber empeorado aún más. Casi todas las claves que hemos examinado últimamente que no son de hierro y están profundamente incrustadas han sido falsas, por lo que hasta que las cosas cambien, sugerimos que se mantengan claras. Si nadie compra esta basura, tal vez se vaya.

-El siguiente es un extracto de la Enciclopedia de Cerraduras y Hardware de Constructores de Chubb. Publicado por primera vez en 1958-

De los medios anteriores y distintos de las cerraduras y las llaves para proteger los objetos de valor, baste mencionar sólo algunos. Los tesoros del hombre primitivo a menudo estaban enterrados o escondidos en cavernas, en los troncos huecos de los árboles o en otros lugares. Se utilizaron cordones y cordeleros de diversas formas para sujetar puertas y para otras medidas de seguridad. Me viene a la mente el nudo gordiano. Luego estaba el pestillo de madera en la cara interior de una puerta que se levantaba o retiraba desde el exterior mediante un cordón que pasaba a través de un agujero en la puerta. Para evitar la apertura desde el exterior, no se necesitó más que tirar del cordón.

En una historia de cerraduras es interesante e importante rastrear los medios adoptados para asegurar la cerradura, a medida que la edad sucedió a la edad. Ha habido y ha habido a lo largo de los siglos, solo dos principios mecánicos mediante los cuales se obtiene la seguridad en las cerraduras con llave. Una es mediante obstrucciones fijas para evitar que las llaves incorrectas entren o giren en las cerraduras. El otro, que es superior, emplea uno o más retenedores móviles que deben colocarse en posiciones preseleccionadas por la llave antes de que se mueva el cerrojo. Las primeras cerraduras, aunque toscas, desgarbadas y poco artísticas, exigen que se preste atención a los admirables medios adoptados por sus creadores para proporcionar la seguridad. Después de éstos, a lo largo de otro largo período, aparecieron cerraduras que, según las ideas actuales, eran inferiores en cuanto a seguridad a las formas primitivas. Por otro lado, muchas de estas cerraduras posteriores estaban tan bellamente diseñadas que el trabajo del artista superpuso y, a veces, oscureció la intención mecánica. Esto es tan cierto en la época romana como cuando los herreros franceses y alemanes de la Edad Media incrustaban sus placas de cerradura con molduras góticas y tallaban sus delicadas formas de arcos de llaves. A medida que los estilos de la arquitectura y sus artes afines se sucedieron, la decoración y el tratamiento de las cerraduras y las llaves se vieron afectados por los mismos cambios. También se alteraron mecánicamente, aunque no siempre para mejor. En una época mucho más tardía, que se mostró más utilitaria que artística, las características mecánicas de las cerraduras y la necesidad de brindar mayor seguridad cobraron una nueva importancia.

Es bastante razonable suponer que el primer barrido de una puerta se hizo por medio de una viga transversal, o bien se dejó caer en zócalos deslizantes en grapas fijadas en la puerta y es igualmente razonable suponer que si se deslizaba, un pasador vertical caía en un agujero a través de la grapa y la viga juntos, mantuvo la viga en su lugar. Si la viga estaba en el exterior de la puerta, el pasador de bloqueo debe estar oculto y llegar a través de un orificio en la viga o de otro modo a través de un orificio en la grapa. Este es el tipo de candado primitivo que hicieron los egipcios.


Cerradura y llave romanas a la izquierda y cerrajeros romanos trabajando a la derecha

Acortaron la viga con un perno largo y la hicieron hueca en parte de su longitud, para alcanzar el pasador oculto en la viga y grapar a través de la viga misma. La llave, que se empujó hacia arriba del hueco, tenía clavijas que coincidían con las clavijas que sujetaban el cerrojo, porque la clavija ahora estaba mutilada. Cuando la llave estuvo bien en casa, se levantó, por lo que sus clavijas levantaron los pasadores y dejaron el cerrojo libre. Luego, el perno fue retirado por la llave, las clavijas se están llenando y enganchando con los agujeros hasta que luego se llenan con las clavijas. Se notará que la caña de la llave es el brazo y las clavijas son los dedos de la mano. Los alfileres son los verdaderos vasos. La cerradura egipcia fue descrita por primera vez por Eton en su Estudio del Imperio Turco, 1798. Denon, el francés, dio más información al respecto a principios del siglo XIX, quien dijo que había encontrado las cerraduras esculpidas en uno de los grandes y antiguos templos de Karnac, lo que demuestra que el mismo tipo de cerradura ha servido a Egipto durante 40 siglos. Cerraduras casi idénticas o con muy poca diferencia y todavía de madera se han visto recientemente en Irak y Zanzíbar. En otra clase de cerraduras primitivas, los pasadores se alcanzaban a través de un orificio en la grapa y no a través del perno. Hay buenas razones para creer que alguna vez estuvieron muy extendidas. Se han visto comparativamente recientemente en algunas partes de Escandinavia, en las Hébridas y las Islas Feroe. También se han observado en la costa occidental de África y en las partes menos frecuentadas de ciertos Estados balcánicos. El orificio de la grapa por el que se accede a los pasadores es horizontal por encima del perno. Los pasadores son de sección cuadrada y tienen muescas en los lados para que la llave pase y se coloque en su posición antes de levantarla. La llave suele ser plana, con pequeñas proyecciones laterales que enganchan los pasadores. Una vez levantadas, es necesario retirar el cerrojo con la mano, marcando así una marcada y esencial diferencia entre este y el de Egipto, en el que el cerrojo se retira con la propia llave. Estos candados varían en detalle, algunos tienen dos juegos de pines, la llave pasa entre los juegos, en otros los pines tienen agujeros para la llave, no simplemente muescas laterales.

Las siguientes dos clases de cerraduras primitivas son aquellas en las que la viga o el cerrojo se montaron en la superficie interior de la puerta. En este caso, si se sujeta con el pasador de seguridad, no sería tan necesario ocultarlo como cuando el perno y el pasador estuvieran fuera de la puerta. Hay algunas piezas de hierro curiosas en forma de hoz que se encuentran de vez en cuando, como se muestra en la ilustración, que parecen haber sido hechas con el propósito de hacer un agujero en la puerta y tirar hacia arriba o empujar hacia arriba el pasador. Quizás simplemente engancharon el cerrojo de manera directa y, al girarlo desde el exterior, lo movieron de un lado a otro, pero varían demasiado en sus contornos para que esta suposición sea probable, algunos tienen grilletes completos en forma de hoz y otros solo un poco. manivela o doblada, y en algunos ejemplares bien conservados sus extremos se han moldeado cuidadosamente, para que encaje exactamente en un agujero. Se han encontrado en muchos lugares de Francia y Alemania. El general Pitt-Rivers atribuye algunas que él mismo encontró cerca de Lewes, al período celta tardío. Por fin llegamos al cuarto tipo primitivo de cerradura, el cerrojo o viga todavía está dentro de la puerta. En este tipo, el cerrojo se mantenía fuera mediante la proyección de un resorte o resortes, que se extendían contra los lados de la grapa de la misma manera que un niño involuntario extiende sus brazos y piernas contra las jambas de una puerta a través de la cual su escuela los compañeros tratan de empujarlo. La primera función de la tecla es comprimir los resortes. Es plano, con puntas de retorno o ganchos en su extremo. Primero se pasa a través de una hendidura horizontal en la puerta y el cerrojo, luego se gira un cuarto de círculo y se tira. El tirón hace que las púas se apoyen en los resortes del cerrojo haciéndolos descansar planos, y así libres de las obstrucciones fijas en sus extremos. El perno queda libre para deslizarse hacia atrás, y esto se efectúa simplemente deslizando hacia atrás la llave, ya que sus dientes ahora están incrustados en el perno. Las llaves de estas cerraduras se han encontrado en numerosas ocasiones entre los restos romanos, y no hace mucho se dijo que todavía se utilizaban cerraduras de este tipo en Noruega.

Algunas referencias y citas de escritores antiguos y de otro tipo sobre cerraduras primitivas y sus llaves son de interés. Arato, en su descripción de la constelación de Casiopea, dice que por su forma se parece a una llave. Huetius está de acuerdo, y agrega que las estrellas del norte componen la parte curva y las del sur el mango de las llaves torcidas o curvas pertenecientes a esos primeros días. De acuerdo con el Hebrew Lexicon de Parkhurst (1807), las llaves de este tipo con mangos de madera o marfil se colocaban a través de agujeros en las puertas y se giraban hacia un lado u otro para mover el cerrojo. Homero en la Odisea dice que Penélope, que deseaba abrir un almacén, recogió una llave de cobre bien hecha que tenía un mango de marfil. Esa es la traducción de un erudito moderno. La versión del Papa es: -

Una llave de bronce que sostenía, el mango girado, con acero y un elefante pulido adornado

El poeta Arison en la Anthologia aplica a una clave un epíteto que significa mucho más. Eustacio, un comentarista griego de Homero alrededor del año 1170 d.C., dice que las claves de este tipo eran muy antiguas, pero todavía se usaban en su época. Como tenían forma de hoz y eran difíciles de llevar de otra manera, se ataron y se llevaron al hombro. Calímaco confirma esta costumbre en su Himno a Ceres. Eustathius atribuye la invención de las llaves a los lacedemonians mientras que Pliny y Polydore Virgil dan crédito a Theodorus de Samos. Sin embargo, esto es refutado por otros autores que sostienen que las claves estaban en uso antes del Asedio de Troya.

Se ha dicho que la cerradura más antigua que se ha descubierto es la que describió el señor Joseph Bonomi en Nínive y sus palacios como haber asegurado la puerta de un apartamento en uno de los palacios de Khorsabad. Dice que la puerta estaba cerrada con una gran cerradura de madera como las que todavía se usan en Oriente, la llave de madera con clavijas de hierro en un extremo para levantar las clavijas de hierro en la cerradura, es todo lo que un hombre puede llevar. El Sr. Bonomi agrega que la longitud de tales teclas variaba de trece a catorce pulgadas a dos pies o más. En una carta que apareció en una revista comercial en 1850, el Sr. W C Trevelyan dijo que era notable que las cerraduras que se habían utilizado en las Islas Feroe, probablemente durante siglos, fueran idénticas en sus construcciones a las de los egipcios. Eran, cerradura y llave, en todas sus partes hechas de madera de cuyo material, él creía, eran otros que se habían encontrado en las catacumbas egipcias, haciendo así que los egipcios se parecieran tanto a las Islas Feroe en estructura y apariencia, que no sería fácil para distinguir uno del otro.

La mención frecuente de cerraduras y llaves en el Antiguo Testamento es una prueba más de su gran antigüedad. En el libro de los Jueces (Capítulo III), se registra que después de que Aod apuñaló a Eglón, rey de Moab, cerró las puertas de la sala y las cerró, y cuando los sirvientes llegaron y encontraron las puertas cerradas, ellos tomó una llave y las abrió. Esto probablemente sería en el siglo XII o XIII a.C., y no hay razón para dudar de que en ese momento se usaban cerraduras y llaves en Palestina. En el Cantar de los Cantares (capítulo, v, v. 5) hay una referencia poética a las manos que caen con mirra en las manijas de la cerradura. Luego, en el libro de Nehemías (capítulo iii, v.6) 445 a.C., se declara que en el momento de reparar la puerta vieja de Jerusalén, levantaron sus puertas, sus cerraduras y sus cerrojos. En confirmación de otros registros de que las llaves en los primeros días eran muy grandes, hay en la profecía de Isaías (Capítulo. Xxii, v.22) alrededor del 712 aC, este pasaje: Y la llave de la casa de David pondré sobre su hombro. (Ver ilustración).

Los candados romanos en metal se construyeron muy a la moda del cuarto tipo primitivo de cerradura para puertas mencionado anteriormente. El grillete o pestillo, que estaba separado del cuerpo, llevaba en su lado inferior un par de resortes que se extendían, que entraban por un orificio en el extremo del cuerpo cuando se ensamblaban las dos piezas. Cuando el grillete se presionó completamente, los resortes que durante la operación se habían cerrado gradualmente, se extendieron dentro del cuerpo y mantuvieron las dos piezas juntas. Para desarmarlos, los resortes, que eran simplemente púas flexibles, tenían que comprimirse. Esto se hacía en algunas cerraduras con una llave que se giraba después de haber sido empujada a través de un agujero en el cuerpo.

Muchos romanos fueron operados de esta manera. Otro tipo de cerradura es una alemana del siglo XVIII que tenía un mecanismo similar. Su ojo de cerradura está oculto por una tapa con bisagras secreta que se libera usando la proyección en el arco de la llave para presionar el extremo de un resorte que se alcanza a través del orificio en el costado del grillete. En cerraduras como esa, la llave cuando se inserta simplemente se desliza a lo largo de los resortes para comprimirlos y luego empuja el grillete hacia afuera. Se encuentra que este estilo de candado es el tipo nativo casi universal en China en este día, por lo que uno se pregunta quién fue el primer y verdadero inventor, romano o celestial. Siendo cerraduras portátiles sueltas de un tipo conveniente para asegurar el equipaje de todo tipo en tránsito, podrían fácilmente llegar a ser muy conocidas, especialmente a lo largo de las antiguas rutas comerciales. Estos candados, ya sean de origen romano o chino, se ven en todo Oriente, con formas y decoraciones propias de sus propios países. Algunos tienen forma de dragones, otros de caballos o perros, y las colas forman los pestillos. Los romanos también tenían otro tipo de candados, en los que las partes de seguridad estaban hechas como las de sus cerraduras fijas. El candado siempre ha estado a favor como cierre con los griegos y romanos, y los nativos de Oriente. Con toda probabilidad, la cerradura móvil sucedió a la primitiva. Parece formar el vínculo de conexión entre las cerraduras más antiguas y las de fecha más reciente.

También se han encontrado llaves romanas en varias partes de Inglaterra, y en el Museo Británico se pueden ver muestras, algunas de las cuales están fijadas rígidamente a los anillos de los dedos. Price declara que los agujeros y cortes en las llaves descubiertas en Herculano y Pompeya, de las cuales se ilustran tres, son distintos de las antiguas llaves romanas encontradas en este país, e indican que no realizaron una revolución completa en las cerraduras, que , en consecuencia, eran el equivalente a las cerraduras de resorte de los tiempos modernos. Las llaves romanas se encuentran con mucha más frecuencia que las cerraduras romanas, y algunas tienen formas tales que no siempre es fácil decir cómo eran sus cerraduras. Un tipo de llave tiene su forma de ángulo de punta, un ángulo se corta para pasadores de pernos operados de la manera ya descrita, el otro se perfora con agujeros como para pasar obstrucciones o barreras fijas. Sin duda, muchas de las llaves estaban hechas para girar, y sus vástagos eran pasadores o tubos, a la manera de las llaves modernas. Algunas de las tuberías se perforaron hacia arriba para que la suciedad u otras obstrucciones pudieran pasar. Esta vieja idea es presentada de vez en cuando como novedad por uno u otro en estos días. Gran parte de las llaves de la antigüedad se han encontrado en diferentes épocas, la mayoría de ellas son de bronce, pero algunas están hechas de hierro muchas de estas llaves tienen numerosos pabellones de forma peculiar, que se extienden considerablemente hasta la caña y pertenecen sin duda a cerraduras protegidas. , que, a juzgar por la intrincada disposición de los bits de protección de sus llaves, debe haber sido elaboradamente ideada.Lipsius, en sus comentarios sobre el segundo libro de Tácito, es el primero en aludir a las claves del uso antiguo, que en algunos casos, afirma, tenían un anillo adaptado en tamaño con el propósito de llevarlo en el dedo meñique, y grabado para responder al propósito de un sello. A partir de la evidencia de varios escritores tempranos, parece seguro concluir que los griegos y romanos aprendieron el uso y la construcción de cerraduras de los egipcios. Desde el comienzo del período medieval, las formas de las llaves se parecen más a las nuestras y funcionan más como ellas que los tipos anteriores. El deslizamiento y el empuje han dado lugar por completo a los movimientos de giro, las llaves se hicieron en forma de tubo para deslizarse sobre un pasador fijo en la cerradura, o bien se solidificaron y terminaron en un pasador saliente, que encajaba en un casquillo o agujero en la cerradura. placa trasera de la cerradura. Más tarde, la sección de la tubería no siempre era circular, a veces era triangular, y el pasador sobre el que se empujaba tenía la forma adecuada. Por supuesto, se hizo la disposición para que el pasador girara con la llave. El exterior de la llave también fue estriado en el período del Renacimiento y el pasador de la cerradura se convirtió en un barril, girando en cojinetes en ambos extremos. Algunos de los ejemplares más bellos de cayos son los pertenecientes al siglo XV y principios del XVI que se pueden ver en varios museos. Están representados por la ilustración. Por una proporción perfecta en todos sus detalles y mano de obra minuciosa, nunca se han destacado. Sus cuatro lados y su amplitud les da un aspecto fuerte y robusto, pero esto se ve aligerado por la gracia de sus partes superiores y lados perforados. Las imágenes planas a lo largo no muestran su belleza.

Desde la época romana hasta finales del siglo XVII, la seguridad en la gran mayoría de las cerraduras se colocó en obstrucciones fijas. Las clavijas que caían habían quedado casi en desuso. Con este fin, se utilizaron ampliamente salas y cerraduras de formas peculiares. Las salas se volvieron progresivamente intrincadas, de modo que en las mejores cerraduras, la forma de las mismas y las llaves a juego, con numerosas hendiduras y perforaciones finas, era realmente un oficio que requería un largo aprendizaje. El exterior de tales cerraduras estaba en consonancia con el interior y como resultado se produjeron muchísimos hermosos ejemplares con delicada forja, trabajo abierto y finas tracerías, especialmente en los siglos XV, XVI y XVII. La habilidad y la imaginación de los herreros que las fabricaron, como rama del arte del herrero, se evidenciaron en estas cerraduras de las que se conservan muchos buenos ejemplos en los museos y otros edificios de este país, Francia, Alemania, Italia y otros lugares. A menudo se trataba de cerraduras muy grandes y caras que, en su fabricación, debieron haber llevado tantas semanas como minutos se requieren ahora para la fabricación de algunas cerraduras. Para mantener el pestillo de estas primeras cerraduras en la posición bloqueada o desbloqueada, comúnmente se instalaba un resorte o, alternativamente, una secadora de acción simple que no era más que un simple pestillo o gancho, sin ningún valor de seguridad, para ser levantado por el llave mientras se giraba. En las cerraduras protegidas con pernos de resorte, la secadora no era necesaria. La gran diversidad de diseño de las cerraduras medievales, que nunca parece repetirse, es una de sus características más llamativas. Se podrían cubrir decenas de páginas con ilustraciones y relatos de estas cerraduras, pero aquí solo unas pocas deben ser suficientes.

Se ilustra una cerradura interesante, conocida como cerradura Beddington. Es una cerradura de borde dorado de hierro forjado que mide aproximadamente 14 x 8 pulgadas con las armas reales y los partidarios utilizados por Enrique VII y Enrique VIII. Se dice que Enrique VIII se lo llevó cuando viajaba y lo atornilló a la puerta de su dormitorio dondequiera que se quedara. A continuación se muestra una cerradura del siglo XVII con su llave. Esto estaba anteriormente en la puerta de hierro del Tesoro en Aix-la-Chapelle, pero ahora está en South Kensington. La cerradura, que tenía cinco pernos, mide 171/4 x 91/2 pulgadas y la llave mide 7 3/4 pulgadas de largo. Entre las cerraduras medievales encontramos las cerraduras de pecho que ocupan un lugar importante. Los cofres de madera, a menudo reforzados con bandas de hierro, eran las cajas fuertes en las que nuestros antepasados ​​guardaban sus tesoros. Las cerraduras de algunos de estos tenían un elaborado sistema de cerrojos dispuestos alrededor de la tapa del cofre. A continuación se ilustran dos variedades de cerraduras de pecho relativamente simples.

Se ha dicho que las cerraduras de combinación sin llave eran comunes en China en la antigüedad remota. Otros atribuyen la invención a los holandeses, pero la historia de estas cerraduras sigue siendo oscura. De dos citas dadas aquí en inglés moderno se desprende claramente que estaban en uso a principios del siglo XVII, probablemente en forma de candados con letras. En la obra de Beaumont y Fletcher The Noble Gentleman, escrita antes de 1615, estaban las líneas:

Un estuche para tu ropa y tu plato, con un extraño candado que se abre con A.M.E.N.

Posteriormente, M. Regnier, director del Musee d'Artillerie, en París, hizo mejoras, y fue un hombre de considerable ingenio. Produjo algunas cerraduras de combinación sin llave que se tenían en alta estima en ese momento. Eran de excelente mano de obra y estaban construidos de tal manera que la combinación se podía cambiar. En algunos versos de Carew dirigidos a Thomas May sobre su Comedia del heredero, actuada en 1620, se encuentra el siguiente pasaje:

Como una cerradura, eso va con letras para, hasta que todos sean conocidos. La cerradura es tan rápida, como si no hubieras encontrado ninguna.

Robert Barron, nacido en Gran Bretaña, hizo una valiosa contribución al desarrollo de las cerraduras con su invención en 1778. Reconoció los puntos débiles de las salas y la inseguridad de las cerraduras que dependían de ellas. Barron ideó una cerradura con dos volteadores pivotantes descritos como de doble acción, los cuales debían levantarse correctamente, ni demasiado ni muy poco, antes de que el cerrojo pudiera moverse. Seis años después, Joseph Bramah, un hombre de Yorkshire, patentó la famosa cerradura que se conoce por su nombre. Esto es técnicamente muy importante aunque, como producto comercial, la cerradura en gran medida ha caído en desuso. Se cree que es la primera cerradura que tiene el mecanismo de seguridad en una boquilla o cilindro y una pequeña llave que no alcanzó el cerrojo pero actuó a través de elementos intermedios. El mecanismo constaba de un conjunto de placas deslizantes que la llave empujaba hacia adentro de manera diferente a ciertas posiciones para permitir el movimiento del cerrojo.

El nombre de Chubb es famoso en el mundo de las cerraduras por la invención de la cerradura con detector y por la producción de cerraduras de palanca de alta calidad de excelente seguridad durante un período de 140 años. La cerradura del detector, que se describe en otra parte de este trabajo, fue patentada en 1818 por Jeremiah Chubb de Portsmouth, Inglaterra, quien ganó la recompensa ofrecida por el Gobierno por una cerradura que no podía abrirse con ninguna otra llave que no fuera su propia llave. Se registra que, después de la aparición de esta cerradura con detector, un preso a bordo de uno de los barcos prisión en Portsmouth Dockyard, que era de profesión fabricante de cerraduras, había sido empleado en Londres para fabricar y reparar cerraduras, afirmó que había escogió con facilidad algunas de las mejores cerraduras, y que podía abrir la cerradura de Chubb con la misma facilidad. Uno de ellos le fue entregado al convicto junto con todas las herramientas que declaró necesarias, así como llaves en blanco colocadas en el perno de la cerradura y una cerradura hecha exactamente con el mismo principio, para que él mismo se hiciera dueño. de la construcción. Se le hicieron promesas de una recompensa de 100 libras esterlinas por parte del señor Chubb y un perdón gratuito por parte del gobierno en caso de éxito. Después de intentar abrir la cerradura durante dos o tres meses, tiempo durante el cual repitió que levantaba el detector, que a menudo no se detectaba o reajustaba para sus intentos posteriores, se rindió y dijo que las cerraduras de Chubb eran las más seguras que había conocido. con, y que era imposible para cualquier hombre recogerlos o abrirlos con instrumentos falsos. Posteriormente, Jeremiah Chubb y su hermano Charles realizaron mejoras en la cerradura bajo varias patentes.

A partir de las cerraduras Barron y Chubb, que demostraron los valores protectores de sus retenedores de doble efecto, ya sean palancas o palancas, fue un proceso lógico desarrollar una cerradura de palanca en su forma más simple, es decir, sin detectores u otra característica adicional. Así nació lo que se conoce como cerradura de palanca inglesa. A pesar de su larga historia, que se extiende a lo largo de casi 150 años, y el advenimiento de otros mecanismos, sigue siendo el mejor tipo para cerraduras que se operan con una llave con una broca saliente diseñada para actuar directamente sobre el cerrojo. Las palancas, en esencia, son placas de metal delgadas de las cuales se puede superponer cualquier número razonable para girar sobre el mismo pivote. Colectiva y simultáneamente deben ser levantadas correctamente a posiciones preseleccionadas, que pueden ser diferentes para cada palanca, antes de que la llave, al girar, pueda mover el cerrojo. Los cierres de palanca con estas características fundamentales, aunque diferentes en los detalles, ahora se fabrican en todas partes del mundo. El interés suscitado por los inventos de Barron, Bramah y Chubb, todo por dar más seguridad a las cerraduras, y sus pretensiones de altos logros, creó el deseo en otras personas de las cerraduras de idear algo tan bueno o mejor. Así que durante la primera mitad y mediados del siglo XIX se diseñaron inteligentemente muchas cerraduras finas. La mayoría de ellos eran costosos de producir y por esa y otras razones han caído en el limbo del olvido.

La rivalidad entre algunos de los fabricantes era aguda y la fe en sus propios inventos era fuerte. Se rechazaron los desafíos y se ofrecieron recompensas a los aspirantes a recolectores de cerraduras, si tenían éxito. Se cree que Bramah lo inició en 1817 o antes al ofrecer 200 libras esterlinas a cualquiera que pudiera hacer un instrumento para abrir un candado que se exhibía en el escaparate de Bramah en Piccadilly. Se dice que un ingenioso mecánico después de pasar una semana en el intento lo abandonó desesperado. En 1832, el Sr. Chubb desafió a un Sr. Hart a abrir una cerradura de Chubb. Más de este tipo de cosas continuaron intermitentemente, con frecuencia ante paneles de jueces y testigos, hasta el año 1851 de la Gran Exposición. Todo el asunto se conoció como la controversia de las cerraduras porque hubo un gran intercambio de correspondencia y cartas a la prensa. En 1851 Alfred Charles Hobbs vino de América para vender cerraduras en este país. Primero ganó fama aquí al elegir algunas de las mejores cerraduras del día después de haber dominado previamente todas las cerraduras estadounidenses que se le impuso el desafío de elegir. Este señor Hobbs, que inventó el candado protector, fue uno de los fundadores de la firma Hobbs Hart & Co Ltd.

El mérito de producir cerraduras de tambor, tal como las conocemos, pertenece a los Yales, padre e hijo. En 1848, Linus Yale senior, que nació en Middleton, Connecticut, durante un tiempo dedicó su atención a las cerraduras de banco y luego aplicó el mecanismo de pestillo de la cerradura del antiguo Egipto a las condiciones modernas. Los primeros modelos tenían los vasos integrados en la caja de la cerradura, que tenía una llave estriada redonda. Linus Yale junior desarrolló el cilindro de pestillo, reduciéndolo a sus dimensiones actuales, con diferentes tipos de llaves, siendo estas en un momento planas y luego corrugadas, lo que finalmente dio lugar al patrón paracéntrico ahora utilizado. En muchos países de todo el mundo, se fabrican ahora grandes cantidades de cerraduras de tambor de pines muy similares en tamaño y construcción.

La cerradura de Thomas Parson de 1833 fue la primera cerradura de cambio patentada en Inglaterra, pero se han visto cerraduras antiguas que encarnan la misma idea, lo que demuestra que Parsons no fue el inventor original. Para una de estas primeras cerraduras, la broca de la llave estaba hecha de varias piezas que podían enroscarse en el vástago en cualquier orden y asegurarse allí con una tuerca y un pasador. Las palancas de la cerradura se reorganizaron para adaptarse. Una cerradura de combinación sin llave superior a cualquiera de las nombradas hasta ahora, es del tipo hecho para cajas fuertes y cuartos fuertes. Este se desarrolló en los Estados Unidos de América durante la segunda mitad del siglo XIX, por lo que se cree. Tales cerraduras se utilizan ampliamente en los Estados y en menor medida en este y otros países. Algunos de ellos son capaces de cien millones de cambios de combinación. Las cerraduras sin llave de construcción más simple, aunque se manipulan de manera similar a las que se nombran, están hechas para cajones, cajas y otros receptáculos.

Hasta donde se sabe, la cerradura patentada en 1831 por Williams Rutherford, un agente bancario de Jedburgh en Escocia, fue la primera cerradura de tiempo que se hizo. Se trataba de una cerradura que requería una llave para abrirla después de un período de tiempo determinado. El inventor introdujo en el extremo trasero del cerrojo una placa de tope circular, que impedía la extracción del cerrojo por la llave hasta que la placa había girado una cantidad definida para hacer una muesca en ella opuesta al extremo del cerrojo. La rotación de la placa circular fue causada por un mecanismo de relojería. Como la muesca podía colocarse a voluntad a cualquier distancia del extremo del cerrojo, el tiempo podía variarse, pero la cerradura no podía abrirse por sí misma ni por ninguna otra llave hasta que hubiera transcurrido el número de horas designado. La cerradura de tiempo moderna utilizada para cajas fuertes y cuartos fuertes es una pieza de mecanismo mucho más elaborada que la de Rutherford. Puede utilizarse como único cierre de los pestillos de la puerta, o junto con cerraduras de otro tipo. Se cree que el Sr. James Sargent, de Rochester, NY hizo el primer modelo de esta variedad alrededor de 1865 y posteriormente lo mejoró. En la actualidad, se utilizan grandes cantidades de estos candados en diferentes partes del mundo. La necesidad de cierres de tiempo surgió en Estados Unidos cuando los robos enmascarados aumentaron a un grado tan alarmante. Al descubrir que abrir a la fuerza o intentar abrir cajas fuertes y cuartos fuertes era demasiado lento y peligroso, los ladrones adoptaron otro plan. Una pandilla de hombres enmascarados y armados en la noche apresaría a un funcionario del banco y lo obligaría mediante tortura, si era necesario, a revelar las combinaciones de las cerraduras o entregar sus llaves. Este procedimiento tuvo tanto éxito que el método pronto se hizo común y se les dijo a los banqueros que ni los propios funcionarios del banco ni nadie más podía abrir las puertas de la caja fuerte antes de un tiempo determinado.

En 1890 se patentó en Gran Bretaña un primer modelo de cerradura de tambor plano o de disco, del que se fabrican enormes cantidades en la actualidad.

Durante el primer cuarto de este siglo se produjeron en Estados Unidos los primeros modelos de pomos o cerraduras cilíndricas. En 1919, W R Schlage, cuyo nombre en los Estados Unidos es famoso a este respecto, obtuvo una patente británica y unos años más tarde otras patentes británicas que se aplicaban a conjuntos de perillas. Aunque ganaron popularidad lentamente al principio, los juegos de perillas tuvieron un rápido aumento de popularidad más tarde y ahora muchos fabricantes en Estados Unidos y algunos en otras partes del mundo producen grandes cantidades. Se cree que en Inglaterra solo la firma Josiah Parkes & Sons Ltd, los fabrica.

Se cree que la fabricación de cerraduras en este país comenzó con ejemplares en bruto antes del reinado de Alfred. Los productos mejoraron mucho en el siglo XII. La fabricación de cerraduras fue importante en la época de la reina Isabel y siguió siendo el comercio básico de Wolverhampton y Willenhall en Staffordshire durante varios siglos. Sigue siendo la industria principal de Willenhall, que es la ciudad de fabricación de cerraduras más importante de Gran Bretaña. El desarrollo durante los últimos 50 años se ha mostrado en la producción de numerosos patrones nuevos, entre los que se encuentran muchos para vehículos de motor, en la estandarización de ciertos fundamentos, en métodos de fabricación que se han transformado por el mayor uso de maquinaria y la aplicación de nuevos materiales y tratamiento para abaratar y hacer más atractivos los productos.

Cultura romana en general:
Casas, Aduanas, Instituciones, Etc.
Las casas particulares de los romanos fueron un asunto pobre hasta después de la conquista de Oriente, cuando el dinero comenzó a llegar a la ciudad. Luego se erigieron muchas casas de inmenso tamaño, adornadas con columnas, pinturas, estatuas y costosas obras de arte. Se dice que algunas de estas casas han costado hasta dos millones de dólares.

Las partes principales de una casa romana eran el _Vestibulum_, _Ostium_, _Atrium_, _Alae_, _Tabl num_, _Fauces_ y _Peristylium_. El VESTÍBULO era un patio rodeado por la casa por tres lados, y abierto por el cuarto a la calle. El OSTIUM correspondía en general a nuestro vestíbulo. Desde allí se abría una puerta al ATRIUM, que era una habitación grande con una abertura en el centro de su techo, a través de la cual se llevaba el agua de lluvia a una cisterna colocada en el piso debajo de la abertura. A la derecha e izquierda del Atrio estaban las habitaciones laterales llamadas ALAE, y el TABLÉNUM era un balcón adjunto. Los pasajes del Atrio al interior de la casa se denominaron GRIFOS. El PERISTILIO, hacia donde discurrían estos pasajes, era un patio abierto rodeado de columnas, decorado con flores y arbustos. Era algo más grande que el Atrium.

Los pisos estaban cubiertos de piedra, mármol o mosaicos. Las paredes estaban revestidas con losas de mármol o pintadas con frescos, mientras que los techos estaban desnudos, dejando al descubierto las vigas, o, en las casas más finas, cubiertos con marfil, oro y frescos.

Las habitaciones principales se iluminaban desde arriba, las habitaciones laterales recibían su luz de estas, y no a través de ventanas que daban a la calle. Las ventanas de las habitaciones de los pisos superiores no se suministraron con vidrio hasta la época del Imperio. Eran simplemente aberturas en la pared, cubiertas con celosías. Para calentar una habitación, generalmente se usaban estufas portátiles, en las que se quemaba carbón. No había chimeneas y el humo se filtraba por las ventanas o las aberturas de los techos.

Las habitaciones de los ricos estaban amuebladas con gran esplendor. Las paredes estaban pintadas al fresco con escenas de la mitología griega, paisajes, etc. En los vestíbulos había bellas esculturas, costosas paredes de mármol y puertas adornadas con oro, plata y conchas raras. Había alfombras caras de Oriente y, de hecho, todo lo que se pudiera obtener probablemente aumentaría el atractivo de la habitación.

Las velas se usaron en los primeros tiempos, pero más tarde los ricos usaron lámparas, que estaban hechas de terracota o bronce. En su mayoría eran ovalados, planos en la parte superior, a menudo con figuras en relieve. En ellos había uno o más agujeros redondos para admitir la mecha. O descansaban sobre mesas o colgaban del techo con cadenas.

Comidas:
Las comidas fueron el JENTACULUM, PRANDIUM y COENA. El primero fue nuestro desayuno, aunque servido a una hora temprana, a veces a las cuatro de la tarde. Consistía en pan, queso y frutos secos. El prandium fue un almuerzo que se sirvió alrededor del mediodía. La coena, o cena, servida entre las tres y la puesta del sol, solía ser de tres platos. El primer plato consistía en estimulantes, huevos o lechuga y aceitunas el segundo, que era el plato principal, consistía en carnes, aves o pescado, con condimentos el tercer plato estaba compuesto por frutas, nueces, dulces y tortas.

En elaboradas cenas los invitados se reunieron, cada uno con su servilleta y su vestido de colores vivos. Se quitaron los zapatos para no ensuciar los sofás.Estos sofás generalmente estaban adaptados para tres invitados, quienes se reclinaban, apoyando la cabeza en la mano izquierda, con el codo apoyado en almohadas. Los romanos tomaron la comida con los dedos. La cena se sirvió en una sala llamada TRICLINIUM. En la "Casa Dorada" de Nerón, el comedor estaba construido como un teatro, con escenas cambiantes que cambiaban con cada plato.

Vestirse y bañarse:
Los hombres romanos solían llevar dos prendas, la TUNICA y la TOGA. El primero era una prenda interior corta de lana con mangas cortas. Tener una túnica larga con mangas largas se consideraba una marca de afeminamiento. La túnica estaba ceñida a la cintura con un cinturón. La toga era peculiarmente una prenda romana, y solo los ciudadanos podían usarla. También era la prenda de la paz, a diferencia del SAGUM, que usaban los soldados. La toga era de lana blanca y era casi semicircular, pero al ser una prenda engorrosa, en épocas posteriores se hizo costumbre usarla solo en ocasiones estatales. Los pobres vestían solo la túnica, otros vestían, en lugar de la toga, la LACERNA, que era un manto abierto, sujeto al hombro derecho con una hebilla. Los niños, hasta los dieciséis años, usaban una toga con un dobladillo morado.

Las mujeres vestían TÚNICA, STOLA y PULLA. La estola era una prenda holgada, fruncida y ceñida a la cintura con un profundo volante que se extendía hasta los pies. La pulla era una especie de chal para cubrir toda la figura y para llevar al aire libre. Las damas se complacían en su fantasía de adornos con tanta libertad como se lo permitían sus carteras.

El calzado era principalmente de dos tipos, el CALCEUS y el SOLEAE. El primero se parecía mucho a nuestro zapato y se usaba en la calle. Estos últimos eran sandalias, atadas al pie descalzo y usadas en la casa. Los pobres usaban zapatos de madera.

El baño era popular entre los ricos. Se erigieron bellos edificios, con elegantes decoraciones y todas las comodidades para baños fríos, tibios, calientes y de vapor. Estas casas de baños eran muy numerosas y eran lugares de popular destino. Adosadas a muchas de ellas había salas de ejercicio, con asientos para espectadores. La hora habitual para bañarse era justo antes de la cena. Al salir del baño, se acostumbraba ungir el cuerpo con aceite.

Festivales y juegos, etc.:
La SATURNALIA fue la fiesta de Saturno, a quien los habitantes del Lacio atribuyeron la introducción de la agricultura y las artes de la vida civilizada. Se celebró a finales de diciembre, correspondiente a nuestras vacaciones de Navidad, y bajo el Imperio duró siete días. Durante su continuación, no se tramitó ningún asunto público, los tribunales de justicia estaban cerrados, las escuelas tenían vacaciones y los esclavos eran relevados de todo trabajo ordinario. Todas las clases se dedicaron al placer y se intercambiaron regalos entre amigos.

El 15 de febrero se celebró la LUPERCALIA, fiesta en honor a Lupercus, dios de la fertilidad. Era una de las fiestas más antiguas y se celebraba en el Lupercal, donde se decía que Rómulo y Remo habían sido amamantados por la loba (lupa). Los sacerdotes de Lupercus se llamaban LUPERCI. Formaron un colegio universitario, pero se desconoce su mandato. El día de la fiesta, estos sacerdotes se reunieron en el Lupercal, ofrecieron sacrificios de cabras y comieron con abundante vino. Luego cortaron las pieles de las cabras que habían sacrificado. Con algunos de estos cubrieron partes de sus cuerpos, y con otros, hicieron correas y, sosteniéndolos en sus manos, corrieron por las calles de Roma, golpeando con ellos a todos los que encontraban, especialmente a las mujeres, ya que se creía esto. los haría fructíferos.

La QUIRINALIA se celebró el 17 de febrero, cuando se decía que Quirón (Rómulo) había sido llevado al cielo.

Los gladiadores eran hombres que luchaban con espadas en el anfiteatro y otros lugares, para diversión de la gente. Estos espectáculos se exhibieron por primera vez en Roma en 264 a. C. y se limitaron a los funerales públicos, pero luego se vieron gladiadores en los funerales de la mayoría de los hombres de rango. Bajo el Imperio, la pasión por este tipo de diversión aumentó hasta tal punto, que los gladiadores se mantuvieron y entrenaron en escuelas (_ludi_) y sus entrenadores se llamaron _Lanistae_. La persona que ofreció una exposición se llamó EDITOR. Publicó (_edere_), algún tiempo antes del espectáculo, una lista de los combatientes. En el espectáculo las peleas comenzaban con espadas de madera, pero al sonido de la trompeta se cambiaban por armas de acero. Cuando un combatiente resultó herido, si los espectadores deseaban que se perdonara, mantuvieron los pulgares hacia abajo, pero los volvieron hacia arriba si querían que lo mataran. Los gladiadores que habían servido durante mucho tiempo, a menudo eran dados de baja y se les presentaba una espada de madera (_rudis_), de ahí que se les llamara _rudiarii_.

El anfiteatro, teatro y circo:
El ANFITEATRO era un lugar para la exhibición de espectáculos de gladiadores, combates de fieras y enfrentamientos navales. Su forma era la de una elipse, rodeada de asientos para los espectadores. La palabra anfiteatro se aplicó por primera vez a un edificio de madera erigido por César. Augusto construyó uno de piedra en el Campus Martius, pero el anfiteatro más célebre fue construido por Vespasiano y Tito, y dedicado en 80 A. D. Todavía está en pie, aunque en parte en ruinas, cubre casi seis acres y tiene capacidad para noventa mil personas. El nombre que se le da hoy es COLOSSUM. El espacio abierto en el centro se llamaba ARNA y estaba rodeado por un muro de unos quince pies de altura para proteger a los espectadores de las fieras. Antes de la época de César, los espectáculos se realizaban en el Foro y en el Circo.

El TEATRO nunca fue tan popular entre los romanos como entre los griegos. Las obras de Plauto y Terence se representaron en escenarios de madera temporales. El primer teatro de piedra fue construido por Pompeyo en el 55 a. C., cerca del Campus Martius. Era un edificio elegante, con capacidad para cuarenta mil personas. Los asientos estaban dispuestos en semicírculo, como en la actualidad, la orquesta está reservada para los senadores y otras personalidades ilustres. Luego vinieron catorce filas de asientos para los Equites, y detrás de ellos se sentó la multitud común.

El CIRCUS MAXIMUS. entre Palatine y Aventine Hills, fue construido para carreras de cuadrigas, boxeo y concursos de gimnasia. Era una estructura inmensa, con galerías de tres pisos de altura y un canal llamado Euripo, y tenía capacidad para cien mil espectadores. En el centro, César erigió un obelisco de ciento treinta y dos pies de alto, traído de Egipto. Los asientos estaban dispuestos como en el teatro. Se celebraron seis tipos de juegos: 1 °, carreras de carros 2d, una pelea simulada entre jóvenes a caballo 3d, una pelea simulada entre infantería y caballería, 4 °, deportes atléticos de todo tipo, 5 °, peleas con bestias salvajes, como leones, verracos, etc. 6º, peleas de mar. Se dejó entrar agua al canal para hacer flotar los barcos. Los combatientes eran cautivos, o criminales condenados a muerte, que luchaban hasta que uno de los bandos era asesinado, a menos que los salvara la bondad del Emperador.

Procesión triunfal:
Al Imperator, cuando regresaba de una campaña exitosa, a veces se le permitía disfrutar de una procesión triunfal, siempre que hubiera sido dictador, cónsul o pretor. Nadie que deseara un triunfo jamás entró en la ciudad hasta que el Senado decidió si se lo merecía o no. Cuando se tomó una decisión favorable, todos los templos se abrieron de par en par, guirnaldas de flores decoraron cada santuario e imagen, y se humeó incienso en cada altar. El Imperator subió al carro triunfal y entró por una puerta de la ciudad, donde fue recibido por todo el cuerpo del Senado, encabezado por los magistrados.

La procesión procedió luego en el siguiente orden:

1. El Senado, presidido por los magistrados. 2. Una tropa de trompetistas. 3. Carros cargados de despojos, a menudo muy costosos y numerosos. 4. Un cuerpo de flautistas. 5. Toros blancos y bueyes para sacrificio. 6. Elefantes y animales raros de los países conquistados. 7. Las armas e insignias de los líderes del enemigo conquistado. 8. Los propios líderes, con sus familiares y otros cautivos. 9. Los lictores del Imperator en fila india, sus fasces coronados de laurel. 10. El propio Imperator, en un carro circular tirado por cuatro caballos. Vestía una túnica bordada en oro y una túnica de flores, sostenía una rama de laurel en su mano derecha, un cetro en su izquierda y su frente estaba rodeada de una corona de laurel. 11. Los hijos adultos y oficiales del Imperator. 12. Todo el cuerpo de infantería, con lanzas adornadas con laurel.

La OVACIÓN fue una especie de triunfo menor. El comandante entró en la ciudad a pie o, posteriormente, a caballo. Estaba vestido con una túnica con bordes de púrpura. Su cabeza fue coronada con laurel, y se sacrificó una oveja (_ovis_), en lugar de un toro como en el caso de un triunfo.

Pomorium:
El Pomoerium era el recinto sagrado de la ciudad, dentro del cual no se permitía entrar a ninguna persona que tuviera el _Imperium_. No siempre corría paralelo a las murallas de la ciudad.

Nombres:
Cada hombre en Roma tenía tres nombres. El nombre de pila (_praenomen_), como Lucius, Marcus, Gaius. El nombre de la gens (_nomen_), como Cornelius, Tullius, Julius. El nombre de la familia (_cogn men_), como Escipión, Cicerón, César. A estos nombres a veces se agregaba otro, el _agnomen_, dado por alguna hazaña, o para mostrar que la persona fue adoptada de alguna otra gens. Así, Escipión, el mayor, se llamaba ÁFRICA, y todos sus descendientes tenían derecho a ese nombre. Africón el más joven fue adoptado de la gens cornalina a la gens emiliana, por lo que añadió a sus otros nombres AEMILIÑUS.

Las mujeres fueron llamadas solo por el nombre de su gens. La hija de Escipión se llamaba, por ejemplo, CORNELIA, y para distinguirla de otras gens cornalinas se la llamaba Cornelia hija de Escipión. Si había más de una hija, al nombre de la mayor se le sumaba _prima_ (primera), al de la siguiente, _secunda_ (segunda), etc.

Marrige:
Los matrimonios mixtos (_connubium_) entre patricios y plebeyos estaban prohibidos antes de 445, y después de eso, la descendencia de tales matrimonios tomó el rango de padre. Una vez que las partes habían acordado contraer matrimonio y se había dado el consentimiento de los padres o de las personas con autoridad, se redactaba y firmaba el contrato de matrimonio por ambas partes. Entonces se fijó el día de la boda. Esto no podría caer sobre las calendas, nones o idus de ningún mes, ni sobre ningún día de mayo o febrero. La novia vestía una larga túnica blanca, con velo de novia y zapatos de un color amarillo brillante. Fue conducida por la noche a la casa de su futuro esposo por tres niños, uno de los cuales llevaba una antorcha delante de ella y los otros dos la sostenían del brazo. Los acompañaban amigos de ambas partes. El novio recibió a la novia en la puerta, a la que entró con rueca y huso en mano. Luego le entregaron las llaves de la casa. El día terminó con una fiesta ofrecida por el esposo, después de la cual la novia fue conducida al lecho nupcial, en el atrio, que estaba adornado con flores. Al día siguiente, el esposo ofreció otra fiesta y la esposa realizó ciertos ritos religiosos.

La posición de la mujer romana después del matrimonio era muy diferente a la de la griega. Ella presidió toda la casa, educó a sus hijos, cuidó y preservó el honor de la casa, y compartió los honores y el respeto mostrado a su esposo.

Funerales:
Cuando un romano estaba al borde de la muerte, su pariente presente más cercano se esforzó por tomar el último aliento con la boca. El anillo fue retirado de la mano del moribundo, y tan pronto como murió, el pariente más cercano le cerró los ojos y la boca, quien llamó al difunto por su nombre y exclamó: "¡Adiós!" Luego, el cuerpo fue lavado y ungido con aceite y perfumes, por esclavos o enterradores. Se colocó una pequeña moneda en la boca del cuerpo para pagar al barquero (Caronte) en el Hades, y el cuerpo se colocó en un sofá en el vestibulum, con los pies hacia la puerta. En los primeros tiempos, todos los funerales se celebraban por la noche, pero en tiempos posteriores solo los pobres seguían esta costumbre, principalmente porque no podían permitirse la exhibición. El funeral, que se llevó a cabo el noveno día después de la muerte, estuvo encabezado por músicos que tocaron acordes tristes y mujeres de luto contratadas para lamentar y cantar la canción fúnebre. A veces les seguían jugadores y bufones, uno de los cuales representaba el personaje del difunto e imitaba sus palabras y acciones. Luego vinieron los esclavos que el difunto había liberado, cada uno con el gorro de la libertad. Ante el cuerpo se llevaron las imágenes de los muertos y de sus antepasados, y también la corona y las recompensas militares que había ganado. El lecho sobre el que se transportaba el cuerpo a veces estaba hecho de marfil y estaba cubierto de oro y púrpura. Siguieron a los familiares en duelo, a menudo profiriendo fuertes lamentos, las mujeres golpeándose los pechos y arrancándose el cabello.

La procesión de los muertos más ilustres pasó por el Foro y se detuvo ante la Rostra, donde se pronunció una oración fúnebre. Desde aquí se llevó el cuerpo a su lugar de enterramiento, que debía estar fuera de la ciudad. A veces los cuerpos eran incinerados, y en los últimos tiempos de la República esto se volvió bastante común.

Educacion:
En los primeros tiempos, la educación de los romanos se limitaba a la lectura, la escritura y la aritmética, pero cuando entraron en contacto con los griegos se adquirió el gusto por la educación superior. En las familias adineradas se empleaban esclavos griegos (_paedagogi_) para vigilar a los niños y enseñarles a conversar en griego.

Un curso completo de instrucción incluía las ramas elementales mencionadas anteriormente, y un estudio cuidadoso de los mejores escritores griegos y latinos, además de un curso de filosofía y retórica, con algún profesor conocido en el extranjero, generalmente en Atenas o Rodas.

Libros y escritura de cartas:
El material más común en el que se escribieron los libros fue la fina corteza del árbol de papiro egipcio. Además del papiro, a menudo se usaba pergamino. El papel o pergamino se unía para formar una hoja y se enrollaba sobre una vara, de ahí el nombre volumen (de _volvere_, enrollar).

La escritura de cartas era muy común entre las personas educadas. Las letras solían escribirse con el estilete, un instrumento de hierro del tamaño y la forma de un lápiz, sobre delgadas láminas de madera o marfil cubiertas de cera y dobladas con la escritura en el interior. Las tiras se ataron con una cuerda y el nudo se selló con cera y se selló con un anillo de sello. También se escribieron cartas en pergamino con tinta. Se emplearon mensajeros especiales para llevar cartas, ya que no había un servicio de correo regular. Las letras romanas se diferenciaban de las nuestras principalmente en la apertura y el cierre. El escritor siempre comenzaba enviando un "saludo" a la persona a la que se dirigía, y cerraba con un simple "adiós", sin firma alguna. Así, "Cicerón S. D. Pompeio" (S. D. = envía saludo) sería la apertura habitual de una carta de Cicerón a Pompeyo.

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2. Lorica Squamata

Lorica squamata era una armadura de escamas, que parecía la piel de un pez.

Cientos de escamas delgadas hechas de hierro o bronce se cosieron a una camisa de tela. Algunos modelos tienen escamas planas, algunos fueron curvas, se agregó estaño a la superficie de algunas escamas en algunas camisas, posiblemente como un toque decorativo.

Recreadores vistiendo la lorica squamata - vía Wikipedia.

El metal rara vez tenía más de 0,8 mm de espesor, era ligero y flexible y el efecto de escala superpuesta le daba una resistencia adicional.

Una camisa de armadura de escamas se pondría con cordones laterales o traseros y llegaría hasta la mitad del muslo.


Lecciones de historia sobresalientes

Al hablar recientemente con un profesor de historia de gran talento, dijo:

& # 8220 Realmente desearía haber tenido un sitio como este cuando comencé a enseñar & # 8221.

No le ha hecho ningún daño, debo decir, pero su opinión es sintomática de un problema más amplio. Hay muchos consejos teóricos, pero muy pocas personas están dispuestas a decir & # 8216 esto es realmente bueno, ¿por qué no probarlo y desarrollarlo & # 8221? Intercambiamos materiales, actividades e ideas, pero rara vez lecciones completas. Esto es lo que hace que el sitio sea realmente útil: fuerza en profundidad.

Lo que encontrará en esta sección son lecciones de alta calidad. Estas no son solo ideas enviadas por maestros útiles y efectivos: son lecciones reales, todas las cuales han sido aseguradas por un inspector / asesor de historia experimentado (que soy yo), o han sido consideradas sobresalientes por OFSTED. He observado miles de lecciones en Key Stage 3 y 4 y cientos en Key Stages 1 y 2. Esto debería asegurarle que la calidad de las lecciones será realmente alta, ¡aunque esto debería ser inmediatamente obvio! Pueden haber sido escritos en primera persona, por el maestro que realmente enseñó la lección, o más probablemente, en tercera persona por el maestro con quien planeé o cuya lección observé. A veces son la mejor primera parte de una lección agregada a la mejor segunda mitad de otra.

Debido a que el sitio tiene vínculos únicos y fuertes con profesionales de la más alta calidad, muchos de los cuales son maestros de habilidades avanzadas o maestros líderes de primaria, la calidad de las ideas que aparecen es excepcionalmente alta. La actualización frecuente del sitio garantiza que se mantenga en contacto con las mejores ideas. ¡Recuerde, aunque NO TODAS LAS LECCIONES SERÁN COMO ESTA! Si enseñas algunas lecciones sobresalientes en una semana, y en su mayoría buenas lecciones, ¡aún puedes ser un maestro sobresaliente!

En Key Stage1, verá que muchas de las lecciones tienen una sensación explícitamente transversal. También reflejan un trabajo considerable que se ha dedicado a las habilidades de pensamiento e indagación. ¡Apenas una hoja de trabajo a la vista!

En Key Stage 2, notará que muchas de las lecciones giran en torno a una fuerte participación de los alumnos, a menudo vinculada a la creatividad o las habilidades de pensamiento. Las lecciones son activas, los enfoques variados y los resultados imaginativos.

Una de las características más fuertes de los ejemplos de Key Stage 3 es el énfasis en la indagación. Verá ejemplificados en estas lecciones no solo las características de la estrategia Foundation Strand, sino también enfoques imaginativos para ayudar a los alumnos a comprender conceptos complejos. Encontrará un enfoque claro en los alumnos que crean su propio significado y llegan a conclusiones después de trabajar con la evidencia.

En Key Stage 4, el énfasis está firmemente puesto en mostrar formas imaginativas de ayudar a los estudiantes con diferentes estilos de aprendizaje preferidos a alcanzar objetivos desafiantes. Verá temas familiares enseñados de manera familiar, pero con esa ventaja adicional de actividad que a menudo falta en Key Stage 4. Se anima a los estudiantes a aplicar nuevos conocimientos para formar su propia comprensión, no simplemente para reproducirlos con fines de examen.


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La Edad Media abarcó más de mil años. Según los historiadores de los textos, se inició en el 476 d.C., al final del reinado de Rómulo Augusto, último emperador romano de Occidente, o en el 496 d.C., fecha del bautismo de Clovis. Terminó en 1453, con la toma de Constantinopla por los turcos y el fin del Imperio Romano de Oriente, o en 1492, la fecha del desembarco de Cristóbal Colón en el continente americano, o la muerte de Luis XI en 1481.


La ola actual

El ciclo más reciente de globalización ha visto el inicio de una nueva ola de ciudades distintivas, especializadas y con aspiraciones globales. Muchas de ellas son ciudades de ingresos más altos dentro de sus respectivas regiones y buscan aprovechar su infraestructura eficiente, una mejor calidad de vida y una mejor seguridad y desempeño ambiental en comparación con las megaciudades más grandes.

Es menos probable que las ciudades de esta ola tengan funciones políticas o institucionales importantes. Más bien, están compitiendo en industrias globales más dinámicas y de rápido movimiento donde han surgido oportunidades para una mayor participación de mercado. Entre este grupo se encuentran Brisbane, San Diego, Shenzhen, Santiago de Chile y Estocolmo.

Tras la crisis financiera mundial y su impacto en las finanzas del sector público, la capacidad de las ciudades para encontrar nuevas fuentes y herramientas de inversión ha sido un factor clave para la globalización de las ciudades desde 2008. Brisbane es un ejemplo de una ciudad que ha podido globalizar con la ayuda de un gobierno municipal grande y financieramente astuto, que ha utilizado el excedente de su reciente auge de las materias primas para erigir un modelo más internacional de desarrollo económico.

Brisbane ha recibido ayuda para "globalizar" gracias al apoyo del gobierno local. Fotografía: Jeff Greenberg / UIG a través de Getty Images

El ayuntamiento de Brisbane ha emprendido una amplia gama de empresas conjuntas, ha patrocinado convenciones comerciales y eventos deportivos, y ha convencido a su gobierno estatal de que dé prioridad a Brisbane para la financiación de infraestructura vial y ferroviaria. También ha experimentado con asociaciones público-privadas y carreteras de peaje, con cierto éxito.

Gran parte del atractivo de inversión de la ciudad se debe a su reputación en Asia, donde su programa de embajadores ha impulsado las conexiones de inversión de expatriados y ha llegado con mucho más éxito a empresas de productos básicos de China, Japón y Malasia. La capacidad de atraer a una nueva generación de inmigrantes y empresarios ha sido fundamental para el éxito de muchas ciudades en esta ola.

La capacidad de transmitir oportunidades y atractivo al mundo, ya sea a talentos, inversores o visitantes, también ha sido muy importante. Londres es un ejemplo de una ciudad que ha tenido éxito en esta área desde 2008. A través de una organización unificada, London & amp Partners, ha transmitido un mensaje coherente al mundo de que está abierta a los negocios y la inversión y ha logrado avances sustanciales para convertirse en una ciudad que da la bienvenida a las nuevas industrias tecnológicas y científicas.

En la medicina, los medios de comunicación y las industrias digitales, los ingredientes de las innovaciones líderes del sector, combinados con una ciudad abierta con mercados laborales profundos y una habitabilidad cosmopolita, han creado una fórmula ganadora. Las organizaciones de defensa de la ciudad han ayudado a mantener su atractivo presionando con éxito para lograr un clima comercial y fiscal competitivo.


Llave de bronce romana - Historia


& quot¿Qué es el arte? & quot Pocas preguntas provocan un debate tan acalorado y proporcionan tan pocas respuestas satisfactorias. Si no podemos llegar a conclusiones definitivas, todavía podemos decir mucho. El arte es ante todo un palabra& # 8212 uno que reconoce tanto la idea como el hecho del arte. Sin él, bien podríamos preguntarnos si el arte existe en primer lugar. El término, después de todo, no se encuentra en todas las sociedades. Sin embargo, el arte es hecha En todas partes. El arte, por tanto, es también un objeto, pero no cualquier tipo de objeto. El arte es un objeto estético. Está destinado a ser visto y apreciado por su valor intrínseco. Sus cualidades especiales distinguen al arte, por lo que a menudo se coloca lejos de la vida cotidiana & # 8212 en museos, iglesias o cuevas.
¿Qué entendemos por estética? Por definición, la estética es "lo que concierne a lo bello". Por supuesto, no todo el arte es bello a nuestros ojos, pero es arte. No importa cuán insatisfactorio sea, el término tendrá que funcionar a falta de uno mejor. La estética es, en rigor, una rama de la filosofía que ha ocupado a los pensadores desde Platón hasta nuestros días. Como todo asunto filosófico, está sujeto a debate. Durante los últimos cien años, la estética también se ha convertido en un campo de la psicología, un campo que ha llegado a un acuerdo igualmente poco. ¿Por qué esto es así? Por un lado, la gente de todo el mundo hace los mismos juicios fundamentales. Nuestros cerebros y sistemas nerviosos son iguales porque, según la teoría reciente, todos descendemos de una mujer en África hace un cuarto de millón de años. Por otro lado, el gusto está condicionado únicamente por la cultura, que es tan variada que es imposible reducir el arte a un solo conjunto de preceptos. Parecería, por tanto, que las cualidades absolutas en el arte deben eludirnos, que no podemos evitar ver las obras de arte en el contexto del tiempo y las circunstancias, ya sean pasadas o presentes. ¿Cómo podría ser de otra manera, mientras el arte todavía se crea a nuestro alrededor, abriendo nuestros ojos casi a diario a nuevas experiencias y obligándonos así a reajustar nuestra comprensión?

Todos soñamos. Eso es imaginación en acción. Imaginar significa simplemente hacer una imagen & # 8212una imagen & # 8212 en nuestras mentes. Los seres humanos no son las únicas criaturas que tienen imaginación. Incluso los animales sueñan. Las orejas y la cola de los gatos pueden temblar mientras duermen, y los perros dormidos pueden gemir, gruñir y patear el aire, como si estuvieran peleando. Incluso cuando están despiertos, los animales "ven" cosas. Sin ninguna razón aparente, el pelaje de un gato puede levantarse sobre su espalda cuando mira dentro de un armario oscuro, del mismo modo que a usted oa mí se nos pone la piel de gallina debido a fantasmas que no vemos ni oímos. Sin embargo, es evidente que existe una profunda diferencia entre la imaginación humana y animal. Los humanos son las únicas criaturas que pueden contarse entre sí sobre la imaginación en historias o imágenes. La necesidad de hacer arte es única para nosotros. Nunca se ha observado que ningún otro animal dibuje una imagen reconocible de forma espontánea en la naturaleza. De hecho, sus únicas imágenes han sido producidas en condiciones de laboratorio cuidadosamente controladas que nos dicen más sobre el experimentador que sobre el arte. Por otra parte, no cabe duda de que las personas poseen una facultad estética. A la edad de cinco años, todos los niños normales han dibujado una cara de pastel de luna. La capacidad de hacer arte es una de nuestras características más distintivas, ya que nos separa de todas las demás criaturas a través de una brecha evolutiva que es infranqueable.

LAS ASIGNATURAS Y EL VOCABULARIO

La gente no suele yuxtaponer los términos arte e historia. Tienden a pensar en la historia como el registro y la interpretación de acciones humanas pasadas, particularmente acciones sociales y políticas. La mayoría piensa en el arte, correctamente, como parte del presente, como algo que la gente puede ver y tocar. La gente no puede, por supuesto, ver o tocar los eventos humanos desaparecidos de la historia. Pero una obra de arte visible y tangible es una especie de evento persistente. Uno o más artistas lo hicieron en un momento determinado y en un lugar específico, incluso si nadie sabe ahora quién, cuándo, dónde o por qué. Aunque se creó en el pasado, una obra de arte sigue existiendo en el presente, sobreviviendo durante mucho tiempo a su época. Los primeros pintores y escultores murieron hace 30.000 años, pero sus obras permanecen, algunas de ellas expuestas en vitrinas en museos construidos hace tan solo unos años.
Los visitantes de los museos modernos pueden admirar estas reliquias del pasado remoto y los innumerables otros objetos que la humanidad ha producido a lo largo de los milenios sin conocer las circunstancias que llevaron a la creación de esas obras. La belleza o el tamaño de un objeto puede impresionar a las personas, el virtuosismo del artista en el manejo de materiales ordinarios o costosos puede deslumbrarlos, o el sujeto representado puede conmoverlos. Los espectadores pueden reaccionar a lo que ven, interpretar el trabajo a la luz de su propia experiencia y juzgarlo como un éxito o un fracaso. Todas estas son respuestas válidas a una obra de arte. Pero el disfrute y la apreciación de las obras de arte en los entornos de los museos son fenómenos relativamente recientes, al igual que la creación de obras de arte únicamente para que las vean los espectadores que acuden a los museos.

Hoy en día, es común que los artistas trabajen en estudios privados y creen pinturas, esculturas y otros objetos que las galerías comerciales de arte ofrecerán a la venta. Por lo general, alguien que el artista nunca ha conocido comprará la obra de arte y la exhibirá en un entorno que el artista nunca ha visto. Pero aunque este no es un fenómeno nuevo en la historia del arte & # 8212 un antiguo alfarero que decora un jarrón para la venta en un puesto del mercado de un pueblo, probablemente tampoco sabía quién compraría la maceta o dónde estaría alojada & # 8212 no es nada típico . De hecho, es excepcional. A lo largo de la historia, la mayoría de los artistas crearon las pinturas, esculturas y otros objetos que se exhiben en los museos de hoy para patrocinadores y escenarios específicos y para cumplir con un propósito específico. A menudo, nadie conoce los contextos originales de esas obras de arte.
Aunque las personas pueden apreciar las cualidades visuales y táctiles de estos objetos, no pueden entender por qué fueron hechos o por qué se ven como lo hacen sin conocer las circunstancias de su creación. Apreciación artística no requiere conocimiento del contexto histórico de una obra de arte (o un edificio). Historia del Arte lo hace.
Por tanto, un objetivo central de la historia del arte es determinar el contexto original de las obras de arte. Los historiadores del arte buscan lograr una comprensión completa no solo de por qué estos "eventos persistentes" de la historia humana tienen el aspecto que tienen, sino también de por qué sucedieron los eventos artísticos. ¿Qué conjunto único de circunstancias dio lugar a la construcción de un edificio en particular o llevó a un patrón específico a encargar a un artista individual que diseñara una obra de arte singular para un lugar determinado? Por tanto, el estudio de la historia es vital para la historia del arte. Y la historia del arte suele ser muy importante para el estudio de la historia. Los objetos y edificios de arte son documentos históricos que pueden arrojar luz sobre los pueblos que los hicieron y sobre los tiempos de su creación de una manera que otros documentos históricos no pueden. Además, los artistas y arquitectos pueden influir en la historia reforzando o desafiando los valores y prácticas culturales a través de los objetos que crean y las estructuras que construyen. Así, la historia del arte y la arquitectura es inseparable del estudio de la historia, aunque las dos disciplinas no son iguales. En las páginas siguientes, describimos algunos de los temas distintivos que abordan los historiadores del arte y los tipos de preguntas que hacen, y explicamos parte de la terminología básica que utilizan los historiadores del arte al responder a sus preguntas. Armado con este arsenal de preguntas y términos, estará listo para explorar el multifacético mundo del arte a través de los siglos.


Los historiadores del arte estudian los objetos visuales y tangibles que hacen los humanos y las estructuras que construyen. Los académicos tradicionalmente han clasificado obras como arquitectura, escultura, artes pictóricas (pintura, dibujo, grabado y fotografía) y artes artesanales o artes del diseño. Las artes artesanales comprenden objetos utilitarios, como cerámica, artículos de metal, textiles, joyas y accesorios similares de la vida cotidiana. Artistas de todas las épocas han difuminado los límites entre estas categorías, pero esto es especialmente cierto hoy, cuando multimedia abundan las obras.
Desde los primeros críticos de arte grecorromanos en adelante, los académicos han estudiado objetos que sus creadores fabricaban conscientemente como & quotart & quot y a los que los artistas asignaban títulos formales. Pero los historiadores del arte de hoy también estudian una gran cantidad de objetos que sus creadores y propietarios casi con certeza no consideraron como `` obras de arte ''. Pocos antiguos romanos, por ejemplo, hubieran considerado una moneda con el retrato de su emperador como algo más que dinero. Hoy en día, un museo de arte puede exhibir esa moneda en una caja cerrada con llave en una habitación con clima controlado, y los académicos pueden someterla al mismo tipo de análisis histórico del arte que un retrato de un aclamado escultor o pintor renacentista o moderno.
La gama de objetos que estudian los historiadores del arte está en constante expansión y ahora incluye, por ejemplo, imágenes generadas por computadora, mientras que en el pasado casi cualquier cosa producida con una máquina no se habría considerado arte. La mayoría de la gente todavía considera las artes escénicas & # 8212música, drama y danza & # 8212 como fuera del ámbito de la historia del arte porque estas artes son medios fugaces e impermanentes. Pero recientemente, incluso esta distinción entre "bellas artes" y artes escénicas se ha vuelto borrosa. Los historiadores del arte, sin embargo, generalmente hacen el mismo tipo de preguntas sobre lo que estudian, ya sea que empleen una definición de arte restrictiva o expansiva.


Las preguntas que hacen los historiadores del arte


¿QUÉ EDAD TIENE?

Antes de que los historiadores del arte puedan construir una historia del arte, deben asegurarse de conocer la fecha de cada obra que estudian. Por lo tanto, un tema indispensable de la investigación histórica del arte es la cronología, la datación de objetos de arte y edificios. Si los investigadores no pueden determinar la edad de un monumento, no pueden ubicar el trabajo en su contexto histórico. Los historiadores del arte han desarrollado muchas formas de establecer, o al menos aproximar, la fecha de una obra de arte.

Evidencia física a menudo indica de forma fiable la edad de un objeto. El material utilizado para una estatua o pintura (bronce, plástico o pigmento a base de aceite, por nombrar solo algunos) puede no haber sido inventado antes de cierto tiempo, lo que indica la fecha más temprana posible que alguien podría haber creado la obra. O los artistas pueden haber dejado de usar ciertos materiales & # 8212 como tipos específicos de tintas y papeles para dibujos e impresiones & # 8212 en un momento conocido, proporcionando las últimas fechas posibles para los objetos hechos de dichos materiales. A veces, el material (o la técnica de fabricación) de un objeto o un edificio puede establecer una fecha muy precisa de producción o construcción. El estudio de los anillos de los árboles, por ejemplo, generalmente puede determinar dentro de un rango estrecho la fecha de una estatua de madera o una viga de techo de madera.

Evidencia documentada también puede ayudar a identificar la fecha de un objeto o edificio cuando un documento escrito con fecha menciona el trabajo. Por ejemplo, los registros oficiales pueden indicar cuándo los funcionarios de la iglesia encargaron un nuevo retablo y cuánto pagaron a qué artista.

Evidencia visualtambién puede desempeñar un papel importante en la datación de una obra de arte. Un pintor podría haber representado a una persona identificable o un tipo de peinado, ropa o muebles de moda solo en un momento determinado. Si es así, el historiador del arte puede asignar una fecha más precisa a esa pintura.

Evidencia estilística también es muy importante. El análisis del estilo & # 8212 la manera distintiva de un artista de producir un objeto, la forma en que se ve una obra & # 8212 es la esfera especial del historiador del arte. Desafortunadamente, debido a que es una evaluación subjetiva, la evidencia estilística es, con mucho, el criterio cronológico menos confiable. Sin embargo, los historiadores del arte a veces encuentran que el estilo es una herramienta muy útil para establecer la cronología.

¿CUÁL ES SU ESTILO?

Definir el estilo artístico es uno de los elementos clave de la investigación de la historia del arte, aunque el análisis de las obras de arte únicamente en términos de estilo ya no domina el campo como antes. Los historiadores del arte hablan de varios tipos diferentes de estilos artísticos.
Estilo de época se refiere a la forma artística característica de un tiempo específico, generalmente dentro de una cultura distinta, como el "griego arcaico" o el "bizantino tardío". Pero muchos períodos no muestran ninguna unidad estilística en absoluto. ¿Cómo definiría alguien el estilo artístico de la primera década del nuevo milenio en América del Norte? Existen demasiadas contracorrientes en el arte contemporáneo para que cualquiera pueda describir un estilo de época de principios del siglo XXI, incluso en una sola ciudad como Nueva York.

Estilo regional es el término que utilizan los historiadores del arte para describir variaciones de estilo vinculadas a la geografía. Al igual que la fecha de un objeto, su procedencia o lugar de origen puede determinar significativamente su carácter. Muy a menudo, dos obras de arte del mismo lugar realizadas con siglos de diferencia son más similares que las obras contemporáneas de dos regiones diferentes. Para citar un ejemplo, generalmente solo un experto puede distinguir entre una estatua egipcia tallada en 2500 a. C. y una hecha en 500 a. C. Pero nadie confundiría una estatua egipcia del 500 a. C. con una de la misma fecha hecha en Grecia o México.
Sin embargo, son posibles variaciones considerables en el estilo de un área determinada, incluso durante un solo período histórico. En la Europa medieval tardía durante la llamada era gótica, la arquitectura francesa se diferenciaba significativamente de la arquitectura italiana. Los interiores de Catedral de Beauvais y Santa Croce en Florencia tipifican los estilos arquitectónicos de Francia e Italia, respectivamente, a finales del siglo XIII. La reconstrucción del coro de la catedral de Beauvais comenzó en 1284. La construcción comenzó en Santa Croce solo 10 años después. Ambas estructuras emplean el característico arco de punto gótico, pero contrastan notablemente. La iglesia francesa tiene imponentes bóvedas de piedra y grandes extensiones de vidrieras, mientras que el edificio italiano tiene un techo de madera bajo y ventanas pequeñas y muy separadas. Debido a que las dos iglesias contemporáneas tenían propósitos similares, el estilo regional explica principalmente su apariencia diferente.


Coro de la Catedral de Beauvais, Beauvais, Francia, reconstruido después de 1284.


Interior de Santa Croce, Florencia, Italia, iniciado en 1294.

Estilo personal, la forma distintiva de artistas o arquitectos individuales, a menudo explica de manera decisiva las discrepancias estilísticas entre monumentos de la misma época y lugar. En 1930, la pintora estadounidense Georgia O'Keeffe realizó una serie de pinturas de plantas con flores. Uno de ellos fue Jack en el púlpito No. 4, una vista en primer plano nítidamente enfocada de pétalos y hojas. O'Keeffe capturó el movimiento lento y controlado de la planta en crecimiento mientras la convertía en una poderosa composición abstracta de líneas, formas y colores (vea la discusión sobre el vocabulario histórico del arte en la siguiente sección). Solo un año después, otro artista estadounidense, Ben Shahn, pintó La Pasión de Sacco y Vanzetti , un comentario punzante sobre la injusticia social inspirado en el juicio y ejecución de dos anarquistas italianos, Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti. Mucha gente creía que Sacco y Vanzetti habían sido injustamente condenados por matar a dos hombres en un atraco en 1920. La pintura de Shahn comprime el tiempo en una representación simbólica del juicio y sus consecuencias. Los dos hombres ejecutados yacen en sus ataúdes. Los presiden los tres miembros de la comisión (encabezada por un presidente de la universidad con toga y birrete académico) que declaró el juicio original justo y despejó el camino para las ejecuciones. Detrás, en la pared de un edificio gubernamental con columnas, cuelga el retrato enmarcado del juez que pronunció la sentencia inicial. El estilo personal, no el estilo regional o de época, distingue el lienzo de Shahn del de O'Keeffe. El contraste es extremo aquí debido a los temas muy diferentes que eligieron los artistas. Pero incluso cuando dos artistas representan el mismo tema, los resultados pueden variar ampliamente. La forma en que O'Keeffe pintó las flores y la forma en que Shahn pintó las caras son distintivas y diferentes a los estilos de sus contemporáneos.
Los diferentes tipos de estilos artísticos no son mutuamente excluyentes. Por ejemplo, el estilo personal de un artista puede cambiar drásticamente durante una carrera larga. Los historiadores del arte deben distinguir entre los diferentes estilos de época de un artista en particular, como el & quot; Período azul & quot y el & quot; Período cubista & quot del prolífico artista del siglo XX Pablo Picasso.


Georgia O'Keeffe, Jack-in-the-Pulpit No. 4, 1930.
Óleo sobre lienzo.
Galería Nacional de Arte, Washington
(Colección Alfred Stieglitz, legado de Georgia O'Keeffe).


Ben Shahn, La pasión de Sacco y Vanzetti,
1931-1932.
Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York
(regalo de Edith y Milton Lowenthal en memoria de luliana Force).

¿CUÁL ES SU OBJETO?

Otra gran preocupación de los historiadores del arte es, por supuesto, el tema, que abarca la historia, o la narrativa que presenta la escena, el tiempo y el lugar de la acción, las personas involucradas y el entorno y sus detalles. Algunas obras de arte, como las pinturas abstractas modernas, no tienen tema, ni siquiera un escenario. Pero cuando los artistas representan personas, lugares o acciones, los espectadores deben identificar estos aspectos para lograr una comprensión completa de la obra. Los historiadores del arte tradicionalmente separan los temas pictóricos en varias categorías, como religiosas, históricas, mitológicas, de género (vida cotidiana), retratos, paisaje (una representación de un lugar), naturaleza muerta (una disposición de objetos inanimados), y sus numerosas subdivisiones y combinaciones.

Iconografía& # 8212literalmente, la & quot; escritura de imágenes & quot & # 8212 se refiere tanto al contenido, o tema de una obra de arte, como al estudio del contenido en el arte. Por extensión, también incluye el estudio de simbolos, imágenes que representan otras imágenes o encapsulan ideas. En el arte cristiano, dos líneas que se cruzan de longitud desigual o una simple cruz geométrica pueden servir como emblema de la religión en su conjunto, simbolizando la cruz de la crucifixión de Jesucristo. Un símbolo también puede ser un objeto familiar que el artista imbuyó de un mayor significado. Una balanza o balanza, por ejemplo, puede simbolizar la justicia o el peso de las almas en el Día del Juicio.
Los artistas también pueden representar figuras con atributos identificarlos. En el arte cristiano, por ejemplo, cada uno de los autores de los Evangelios del Nuevo Testamento, los Cuatro Evangelistas, tiene un atributo distintivo. San Juan es conocido por su águila, Lucas por un buey, Marcos por un león y Mateo por un hombre alado.
A lo largo de la historia del arte, los artistas también utilizaron personificaciones& # 8212 ideas abstractas codificadas en forma corporal. En todo el mundo, la gente visualiza a Liberty como una mujer vestida con una antorcha debido a la mansedumbre de la colosal estatua instalada en el puerto de la ciudad de Nueva York en el siglo XIX. Los cuatro jinetes del Apocalipsis es una representación aterradora de finales del siglo XV del fatídico día al final de los tiempos cuando, según el último libro de la Biblia, Muerte, hambruna, guerra y pestilencia acabarán con la raza humana. El artista, Albrecht Durer, personificó a la Muerte como un anciano demacrado con una horquilla. Durer's Famine balancea la balanza que pesará las almas humanas, War empuña una espada y Pestilence dibuja un arco.
Incluso sin considerar el estilo y sin conocer al autor de una obra, los espectadores informados pueden determinar mucho sobre el período y la procedencia de la obra únicamente mediante el análisis iconográfico y de temas. En La pasión de Sacco y Vanzetti, por ejemplo, los dos ataúdes, el trío encabezado por un académico y el juez con túnica al fondo son pistas pictóricas que revelan el tema de la pintura. La fecha de la obra debe ser posterior al juicio y ejecución, probablemente mientras el evento aún era de interés periodístico. Y debido a que la muerte de los dos hombres causó la mayor indignación en los Estados Unidos, el pintor crítico social era probablemente estadounidense.


Gislebertus, El pesaje de las almas, detalle de Last Judgment,
tímpano occidental de Saint-Lazare, Autun, Francia, ca. 1120-1135.


Los cuatro evangelistas, verso del folio 14 del Evangelios de Aquisgrán,
California. 810.
Tinta y temple sobre vitela.
Tesoro de la catedral, vichen.


Alberto Durero, Los cuatro jinetes del Apocalipsis,
California. 1498.
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
(regalo de Junius S. Morgan, 1919).

¿QUIEN LO HIZO?

Si Ben Shahn no hubiera firmado su pintura de Sacco y Vanzetti, un historiador del arte aún podría asignar, o atributo, el trabajo para él basado en el conocimiento del estilo personal del artista. Aunque firmar (y fechar) obras es bastante común (pero de ninguna manera universal) hoy en día, en la historia del arte existen innumerables obras cuyos artistas siguen siendo desconocidos. Debido a que el estilo personal puede jugar un papel importante en la determinación del carácter de una obra de arte, los historiadores del arte a menudo intentan atribuir obras anónimas a artistas conocidos. A veces intentan reunir un grupo de obras que se cree que son de la misma persona, aunque ninguno de los objetos del grupo es obra conocida de un artista con un nombre grabado. Los historiadores del arte reconstruyen así las carreras de personajes como "el pintor Andokides", el artista griego antiguo anónimo que pintó los jarrones producidos por el alfarero Andokides. Los eruditos basan sus atribuciones en evidencia interna, como la forma distintiva en la que un artista dibuja o talla los pliegues de las cortinas, los lóbulos de las orejas o las flores. Se requiere un ojo agudo, altamente capacitado y una larga experiencia para convertirse en un conocedor, un experto en asignar obras de arte a "la mano" de un artista en lugar de otro. La atribución es, por supuesto, subjetiva y siempre abierta a dudas. En la actualidad, por ejemplo, se debate internacionalmente sobre las atribuciones al famoso pintor holandés Rembrandt.
A veces, un grupo de artistas trabaja con el mismo estilo en el mismo momento y lugar. Los historiadores del arte designan a tal grupo como colegio. "Escuela" no significa una institución educativa. El término connota solo similitud cronológica, estilística y geográfica. Los historiadores del arte hablan, por ejemplo, de la escuela holandesa del siglo XVII y, dentro de ella, de subescuelas como las de las ciudades de Haarlem, Utrecht y Leyden.


Augustus vistiendo el corona cívica (corona cívica),
principios del siglo I d.C.
Mármol.
Glyptothek, Múnich.

¿QUIÉN LO PAGÓ?

El interés que muestran muchos historiadores del arte en la atribución refleja su convicción de que la identidad del creador de una obra de arte es la principal razón por la que el objeto tiene el aspecto que tiene. Para ellos, el estilo personal es de suma importancia. Pero en muchos momentos y lugares, los artistas tenían poco que decir sobre la forma que tomaría su trabajo. Trabajaron en la oscuridad, haciendo las órdenes de sus patrocinadores, los que les pagaban por realizar trabajos individuales o los empleaban de forma continua. El papel de los mecenas a la hora de dictar el contenido y dar forma a las obras de arte también es un tema importante de investigación histórica del arte.
En el arte del retrato, por nombrar sólo una categoría de pintura y escultura, el mecenas a menudo ha jugado un papel dominante en la decisión de cómo el artista representaba al sujeto, ya sea el mecenas u otra persona, como el cónyuge, el hijo o la madre. Muchos faraones egipcios y algunos emperadores romanos, por ejemplo, insistieron en que los artistas los representaran con rostros sin líneas y cuerpos perfectos y juveniles, sin importar la edad que tuvieran cuando los retrataron. En estos casos, el estado empleó a los escultores y pintores, y los artistas no tuvieron más remedio que representar a sus mecenas de la manera oficialmente aprobada. Por eso Augustus, que vivió hasta los 76 años, parece tan joven en sus retratos. Aunque fue emperador romano durante más de 40 años, Augusto exigió que los artistas siempre lo representaran como un jefe de estado joven y divino.
Todos los modos de producción artística revelan el impacto del mecenazgo. Los monjes eruditos proporcionaron los temas para la decoración escultórica de los portales de las iglesias medievales. Los príncipes y papas del Renacimiento dictaban el tema, el tamaño y los materiales de las obras de arte destinadas, en ocasiones, a los edificios construidos según sus especificaciones. Un historiador del arte podría hacer una lista muy larga en este sentido, e indicaría que a lo largo de la historia del arte, los mecenas han tenido gustos y necesidades diversos y han demandado diferentes tipos de arte. Siempre que un mecenas contrata a un artista o arquitecto para pintar, esculpir o construir de una manera prescrita, el estilo personal a menudo se convierte en un factor muy menor en el aspecto de la pintura, la estatua o el edificio. En tales casos, la identidad del mecenas revela más a los historiadores del arte que la identidad del artista o la escuela. El retrato de Augusto ilustrado aquí fue obra de un escultor virtuoso, un maestro en el manejo del martillo y el cincel. Pero hoy existen decenas de retratos similares de ese emperador. Se diferencian en calidad pero no en especie de este. El mecenas, no el artista, determinaba el carácter de tales obras de arte. La imagen pública de Augusto nunca varió.


Las palabras que usan los historiadores del arte


Como todos los especialistas, los historiadores del arte tienen su propio vocabulario especializado. Ese vocabulario consta de cientos de palabras, pero ciertos términos básicos son indispensables para describir obras de arte y edificios de cualquier época y lugar, y usamos esos términos a lo largo de este libro. Constituyen el vocabulario esencial de análisis formal, el análisis visual de la forma artística. Aquí definimos el más importante de estos términos de historia del arte. Para obtener una lista mucho más extensa, consulte el Glosario en el material final de este libro.

FORMA Y COMPOSICIÓN

Formulario se refiere a la forma y estructura de un objeto, ya sea en dos dimensiones (por ejemplo, una figura pintada en un lienzo) o en tres dimensiones (como una estatua tallada en un bloque de mármol). Dos formas pueden tener la misma forma pero pueden diferir en su color, textura y otras cualidades. Composición se refiere a cómo un artista organiza (compone) formas en una obra de arte, ya sea colocando formas en una superficie plana o colocando formas en el espacio.

MATERIAL Y TÉCNICA

Para crear formas de arte, los artistas dan forma a materiales (pigmentos, arcilla, mármol, oro y muchos más) con herramientas (bolígrafos, pinceles, cinceles, etc.). Cada uno de los materiales y herramientas disponibles tiene sus propias potencialidades y limitaciones. Parte de la actividad creativa de todos los artistas es seleccionar el medio e instrumento más adecuado para el propósito de los artistas o ser pioneros en el uso de nuevos medios y herramientas, como el bronce y el hormigón en la antigüedad y las cámaras y las computadoras en los tiempos modernos. Los procesos que emplean los artistas, como aplicar pintura al lienzo con un pincel, y las formas distintivas y personales en que manejan los materiales constituyen su técnica. La forma, el material y la técnica se interrelacionan y son fundamentales para analizar cualquier obra de arte.

LÍNEA

Línea es uno de los elementos más importantes que definen la forma de una obra de arte. Una línea puede entenderse como la trayectoria de un punto que se mueve en el espacio, una línea de visión invisible o una eje. Pero, más comúnmente, los artistas y arquitectos hacen una línea de hormigón dibujándola (o cincelando) en un plano, una superficie plana y bidimensional. Una línea puede ser muy delgada, con forma de alambre y delicada, puede ser gruesa y pesada o puede alternar rápidamente de ancha a estrecha, con trazos irregulares o contornos quebrados. Cuando una línea continua define la forma exterior de un objeto, los historiadores del arte lo llaman un línea de contorno.
Se pueden observar todas estas cualidades de la línea en el libro de Durero. Cuatro jinetes del Apocalipsis. Las líneas de contorno definen las formas básicas de las nubes, las extremidades humanas y animales y las armas. Dentro de las formas, una serie de breves líneas discontinuas crean sombras y texturas. Un patrón general de largos trazos paralelos sugiere el cielo oscuro en el día aterrador cuando el mundo está a punto de terminar.

La luz revela todos los colores. Luz en el mundo del pintor y otros artistas se diferencia de la luz natural. La luz natural, o la luz del sol, es total o aditivo luz. Como la suma de todas las longitudes de onda que componen el visible espectro, puede desmontarse o fragmentarse en los colores individuales de la banda espectral. La luz del pintor en el arte & # 8212la luz reflejada por pigmentos y objetos & # 8212 es sustractivo luz. Los pigmentos de pintura producen sus colores individuales al reflejar un segmento del espectro mientras absorben el resto. El pigmento verde, por ejemplo, sustrae o absorbe toda la luz del espectro excepto la que se ve como verde, que refleja a los ojos.
Matiz es la propiedad que le da un color a su nombre. Aunque los colores del espectro se funden entre sí, los artistas generalmente conciben sus tonos como distintos entre sí. El color tiene dos variables básicas: la cantidad aparente de luz reflejada y la pureza aparente. Un cambio en uno debe producir un cambio en el otro. Algunos términos para estas variables son valor o tonalidad (el grado de claridad u oscuridad) y intensidad o saturación (la pureza de un color, su brillo o opacidad).
los triángulo de color Josef Albers y Sewell Sillman desarrollado muestra claramente las relaciones entre los seis colores principales. Rojo, amarillo y azul, el colores primarios, son los vértices del triángulo grande. Naranja, verde y morado, el secundario los colores resultantes de la mezcla de pares de primarios, se encuentran entre ellos. Los colores opuestos entre sí en el espectro & # 8212rojo y verde, morado y amarillo, y naranja y azul aquí & # 8212 son colores complementarios. Se "complementan" o se completan entre sí, uno absorbe los colores y el otro refleja. Cuando los pintores mezclan complementarios en las proporciones adecuadas, se obtiene un tono neutro o gris (teóricamente, negro).


Josef Albers y Sewell Sillman, triángulo de color.
Galería de arte de la Universidad de Yale, New Haven.

TEXTURA

Textura es la calidad de una superficie (como rugosa o brillante) que revela la luz.Los historiadores del arte distinguen entre la textura real, o la calidad táctil de la superficie, y la textura representada, como cuando los pintores describen un objeto con una cierta textura, aunque el pigmento sea la textura real. A veces, los artistas combinan diferentes materiales de diferentes texturas en una sola superficie, yuxtaponiendo pintura con trozos de madera, periódico, tela, etc. Los historiadores del arte se refieren a esto medios mixtos técnica como collage. La textura es, por supuesto, un determinante clave del carácter de cualquier escultura. El primer impulso de las personas suele ser manipular una pieza de escultura, a pesar de que los carteles de los museos a menudo advierten "¡No tocar!" Las texturas suelen ser intrínsecas a un material e influyen en el tipo de piedra, madera, plástico, arcilla o metal que eligen los escultores.

ESPACIO, MASA Y VOLUMEN

Espacio es el "contenedor" limitado o ilimitado de objetos. Para los historiadores del arte, el espacio puede ser real, el espacio tridimensional ocupado por una estatua o un jarrón o contenido dentro de una habitación o patio. O puede ser ilusionista, como cuando los pintores representan una imagen (o ilusión) del mundo espacial tridimensional en una superficie bidimensional.
Masa y volumen describir el espacio tridimensional. Tanto en arquitectura como en escultura, la masa es el volumen, la densidad y el peso de la materia en el espacio. Sin embargo, la masa no tiene por qué ser sólida. Puede ser la forma exterior de un espacio cerrado. & quotMass & quot puede aplicarse a una pirámide egipcia sólida o estatua de madera, a una iglesia, sinagoga o mezquita & # 8212conchas arquitectónicas que encierran espacios a veces vastos & # 8212 y a una estatua de metal hueca o una vasija de barro cocida. El volumen es el espacio que la masa organiza, divide o encierra. Pueden ser los espacios interiores de un edificio, los intervalos entre las masas de una estructura o la cantidad de espacio ocupado por objetos tridimensionales como esculturas, cerámica o muebles. El volumen y la masa describen tanto las formas exteriores como las interiores de una obra de arte, las formas de la materia que la compone y los espacios que rodean la obra e interactúan con ella.

PERSPECTIVA Y PRONÓSTICO

Perspectiva es uno de los dispositivos pictóricos más importantes para organizar formas en el espacio. A lo largo de la historia, los artistas han utilizado varios tipos de perspectiva para crear una ilusión de profundidad o espacio en una superficie bidimensional. El pintor francés Claude Lorrain empleó varios dispositivos de perspectiva en Embarque de la Reina de Saba, una pintura de un episodio bíblico ambientado en un puerto europeo del siglo XVII con una ruina romana en primer plano a la izquierda. Por ejemplo, las figuras y los barcos en la costa son mucho más grandes que los de la distancia. Disminuir el tamaño de un objeto hace que parezca más alejado de los espectadores. Además, la parte superior e inferior del edificio del puerto en el lado derecho de la pintura no son líneas horizontales paralelas, como lo son en un edificio real. En cambio, las líneas convergen más allá de la estructura, llevando los ojos de los espectadores hacia el sol brumoso e indistinto en el horizonte. Estos dispositivos de perspectiva (la reducción del tamaño de la figura, la convergencia de las líneas diagonales y la difuminación de formas distantes) han sido características familiares del arte occidental desde los antiguos griegos. Pero es importante señalar desde el principio que todo tipo de perspectiva son solo convenciones pictóricas, incluso cuando uno o más tipos de perspectiva pueden ser tan comunes en una cultura determinada que se aceptan como "naturales" o como "verdaderos" medios de representar el mundo natural. .


Claude Lorrain, Embarque de la Reina de Saba, 1648.
Óleo sobre lienzo.
Galería Nacional, Londres.

En Flores de ciruelo blancas y rojas, una pintura de paisaje japonesa en dos biombos, Ogata Korin no utilizó ninguna de estas convenciones de perspectiva occidental. Mostró los dos ciruelos como se ve desde una posición en el suelo, mientras que los espectadores miran hacia el arroyo entre ellos desde arriba. Menos preocupado por ubicar los árboles y el arroyo en el espacio que por componer formas en una superficie, el pintor jugó las curvas suavemente hinchadas del agua contra los contornos irregulares de las ramas y troncos. No se puede decir que ni la pintura francesa ni la japonesa proyecten "correctamente" lo que ven los espectadores "de hecho". Una pintura no es una imagen "mejor" del mundo que la otra. Los artistas europeos y asiáticos simplemente abordaron el problema de la creación de imágenes de manera diferente.


Ogata Korin, Flores de ciruelo blancas y rojas,
Período Edo, ca. 1710-1716.
Par de biombos. Tinta, color y oro leal sobre papel.
Museo de Arte MOA, Shizuoka-ken, Japón.

Los artistas también representan figuras individuales en el espacio de diversas formas. Cuando Peter Paul Rubens pintó Caza de leones a principios del siglo XVII, utilizó el escorzo para todos los cazadores y animales, es decir, representó sus cuerpos en ángulos con respecto al plano de la imagen. Cuando en la vida uno ve una figura en ángulo, el cuerpo parece contraerse a medida que se extiende hacia atrás en el espacio. El escorzo es una especie de perspectiva. Produce la ilusión de que una parte del cuerpo está más alejada que otra, aunque todas las formas estén en la misma superficie. Especialmente digno de mención en Caza de leones son el caballo gris a la izquierda, visto desde atrás con la parte inferior de su casco trasero izquierdo mirando a los espectadores y la mayor parte de su cabeza oculta por el escudo de su jinete, y el cazador caído en la esquina inferior derecha de la pintura, cuyas piernas y pies apenas visibles retroceden en la distancia.

El artista que talló el retrato del antiguo oficial egipcio Hesire no utilizó el escorzo. El propósito de ese artista era presentar las distintas partes del cuerpo humano con la mayor claridad posible, sin superponerse. La parte inferior del cuerpo de Hesire está de perfil para ofrecer la vista más completa de las piernas, con los talones y los dedos del pie visibles. El torso frontal, sin embargo, permite a los espectadores ver su forma completa, incluidos ambos hombros, del mismo tamaño, como en la naturaleza. (Compare los hombros del cazador en el caballo gris o los del cazador caído en el primer plano izquierdo de Lion Hunt.) El resultado, un giro "antinatural" de 90 grados en la cintura, proporciona una imagen precisa de las partes del cuerpo humano. Rubens y el escultor egipcio utilizaron medios muy diferentes para representar formas en el espacio. Una vez más, tampoco la forma & quot; correcta & quot.

Hesire,
desde su tumba en Saqqara,
Egipto, dinastía III,
California. 2650 a. C.
Madera.
Museo Egipcio, El Cairo.


PROPORCION Y ESCALA

Proporción se refiere a las relaciones (en términos de tamaño) de las partes de personas, edificios u objetos. Las "proporciones correctas" se pueden juzgar intuitivamente ("la cabeza de la estatua parece tener el tamaño adecuado para el cuerpo"). O la proporción puede formalizarse como una relación matemática entre el tamaño de una parte de una obra de arte o edificio y las otras partes dentro de la obra. La proporción en el arte implica utilizar un módulo o unidad básica de medida. Cuando un artista o arquitecto utiliza un sistema formal de proporciones, todas las partes de un edificio, cuerpo u otra entidad serán fracciones o múltiplos del módulo. Un módulo puede ser el diámetro de una columna, la altura de una cabeza humana o cualquier otro componente cuyas dimensiones se puedan multiplicar o dividir para determinar el tamaño de las otras partes de la obra.
En determinadas épocas y lugares, los artistas han formulado cánones o sistemas de proporciones "correctas" o "ideales" para representar figuras humanas, partes constituyentes de edificios, etc. En la antigua Grecia, muchos escultores formularon cánones de proporciones tan estrictas y abarcativas que calcularon el tamaño de cada parte del cuerpo de antemano, incluso los dedos de las manos y los pies, de acuerdo con proporciones matemáticas. El ideal de la belleza humana que los griegos crearon basándose en proporciones "correctas" influyó en el trabajo de innumerables artistas posteriores en el mundo occidental y perdura hasta nuestros días. Los sistemas proporcionales pueden diferir marcadamente de un período a otro, de una cultura a otra y de un artista a otro. Parte de la tarea que enfrentan los estudiantes de historia del arte es percibir y adaptarse a estas diferencias.
De hecho, muchos artistas han utilizado desproporción y distorsión deliberadamente para lograr un efecto expresivo. En la representación francesa medieval del pesaje de almas en el Día del Juicio Final, la figura diabólica que tira de la balanza tiene rasgos faciales distorsionados y extremidades estiradas y alineadas con patas de animales en lugar de patas. La desproporción y la distorsión lo hacen parecer "inhumano", precisamente como pretendía el escultor.
En otros casos, los artistas han utilizado la desproporción para centrar la atención en una parte del cuerpo (a menudo la cabeza) o para destacar a un miembro del grupo (normalmente el líder). Estas discrepancias intencionales y "antinaturales" en proporción constituyen lo que los historiadores del arte llaman jerarquía de escala, la ampliación de elementos considerados los más importantes. En una placa de bronce de Benin, Nigeria, el escultor agrandó todas las cabezas para enfatizar y también varió el tamaño de cada figura de acuerdo con su estatus social. Central, más grande y, por lo tanto, más importante es el rey de Benin, montado a caballo. El caballo ha sido un símbolo de poder y riqueza en muchas sociedades desde la prehistoria hasta la actualidad. Que el rey de Benin sea desproporcionadamente más grande que su caballo, contrariamente a la naturaleza, lo engrandece aún más. Dos grandes asistentes abanican al rey. Otras figuras de menor tamaño y estatus en la corte de Benin se encuentran a la izquierda y a la derecha del rey y en las esquinas superiores de la placa. Una pequeña figura al lado del caballo está casi oculta a la vista bajo los pies del rey.


Rey a caballo con asistentes, de Benin, Nigeria,
California. 1550-1680. Bronce.
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
(Colección Conmemorativa Michael C. Rockefeller, obsequio de Nelson A. Rockefeller).

TALLADO Y FUNDICIÓN

La técnica escultórica se divide en dos categorías básicas, sustractivo y aditivo. Tallado es una técnica sustractiva. La forma final es una reducción de la masa original de un bloque de piedra, un trozo de madera u otro material. Las estatuas de madera fueron una vez troncos de árboles, y las estatuas de piedra comenzaron como bloques extraídos de las montañas. En una estatua de mármol inacabada del siglo XVI de un esclavo atado de Michelangklo, la forma original del bloque de piedra aún es visible. Miguel Ángel pensó en la escultura como un proceso de "liberación" de la estatua dentro del bloque. Todos los escultores de piedra o madera cortan (restan) y citan el exceso de material. Cuando terminan, dejan atrás la estatua, en nuestro ejemplo, una figura masculina desnuda retorcida cuya cabeza Miguel Ángel nunca liberó del bloque de piedra.
En la escultura aditiva, el artista construye las formas, generalmente en arcilla alrededor de un marco, o armadura. O un escultor puede modelar un molde, una forma hueca para dar forma, o fundición, una sustancia fluida como el bronce. El escultor griego antiguo que hizo la estatua de bronce de un guerrero que se encuentra en el mar cerca de Riace, Italia, colocó la cabeza, las extremidades, el torso, las manos y los pies en moldes separados y luego soldado ellos (se unieron a ellos calentando). Finalmente, el artista agregó rasgos, como las pupilas de los ojos (ahora desaparecidas), en otros materiales. Los dientes del guerrero son plateados y su labio inferior es de cobre.


Miguel Angel, cautivo inacabado, 1527-1528. Mármol.
Accademia, Florencia.


Cabeza de guerrero
Detalle de una estatua del mar frente a Riace, Italia,
California. 460-450 bch.
Bronce.
Museo Arqueológico, Reggio Calabria.


ESCULTURA DE RELIEVE

Las estatuas o bustos que existen independientemente de cualquier marco o escenario arquitectónico y por los que los espectadores pueden caminar son de pie esculturas, o esculturas en la ronda, si la pieza fue tallada o fundida. En esculturas en relieve, los sujetos se proyectan desde el fondo pero siguen siendo parte de él. En gran alivio escultura, las imágenes se proyectan audazmente. En algunos casos, como el relieve del pesaje de almas en Autun, el relieve es tan alto que no solo las formas proyectan sombras en el fondo, sino que algunas partes están realmente en círculo. Los brazos de la escala están completamente separados del fondo en algunos lugares, lo que explica por qué algunas piezas se rompieron hace siglos. En Bajo relieve, o bajorrelieve, como el relieve de madera de Hesire, la proyección es leve. En una variación de ambas técnicas, alivio hundido, el escultor corta el diseño en la superficie para que las partes más altas de la imagen no estén más altas que la superficie misma. La escultura en relieve, como la escultura redonda, se puede realizar tallando o fundiendo. La placa de Benin es un ejemplo de fundición de bronce en alto relieve. Los artistas también pueden hacer relieves martillando una hoja de metal desde atrás, empujando al sujeto del fondo en una técnica llamada repousse.

DIBUJOS ARQUITECTÓNICOS

Los edificios son agrupaciones de espacios cerrados y masas cerradas. Las personas experimentan la arquitectura tanto visualmente como moviéndose a través de ella y alrededor de ella, por lo que perciben el espacio arquitectónico y la masa juntos. Estos espacios y masas se pueden representar gráficamente de varias formas, incluso como planos, secciones, elevaciones y dibujos en corte.
A plan, esencialmente un mapa de un piso, muestra la ubicación de las masas de una estructura y, por lo tanto, los espacios que delimitan y encierran. A sección, como un plano vertical, representa la ubicación de las masas como si el edificio estuviera cortado a lo largo de un plano. Los dibujos que muestran un corte teórico a lo largo del ancho de una estructura son secciones laterales. Aquellos que atraviesan la longitud de un edificio son secciones longitudinales. Aquí se ilustra el plano y la sección lateral de la catedral de Beauvais, que puede compararse con la fotografía del coro de la iglesia. El plano muestra no solo la forma del coro y la ubicación de los pilares que dividen los pasillos y sostienen las bóvedas de arriba, sino también el patrón de las nervaduras de las bóvedas entrecruzadas. La sección lateral muestra no solo el interior del coro con sus bóvedas y altas vidrieras, sino también la estructura del techo y la forma del exterior. contrafuertes que mantienen las bóvedas en su lugar.
Otros tipos de dibujos arquitectónicos aparecen a lo largo de este libro. Un dibujo en alzado es una vista frontal de una pared externa o interna. Un corte combina una vista exterior con una vista interior de parte de un edificio en un solo dibujo.
Esta descripción general del vocabulario del historiador del arte no es exhaustiva, ni los artistas han utilizado solo la pintura, el dibujo, la escultura y la arquitectura como medios a lo largo de los milenios. Cerámica, joyería, textiles, fotografía y arte por computadora son solo algunas de las muchas otras artes.


Plan (izquierda) y sección lateral (Derecha) de la Catedral de Beauvais, Beauvais, Francia, reconstruida después de 1284.


Diferentes formas de ver

La historia del arte puede ser una historia de artistas y sus obras, de estilos y cambios estilísticos, de materiales y técnicas, de imágenes y temas y sus significados, y de contextos, culturas y mecenas. Los mejores historiadores del arte analizan las obras de arte desde muchos puntos de vista. Pero ningún historiador del arte (o erudito en cualquier otro campo), por muy amplio que sea su enfoque y por muy experimentado que sea, puede ser verdaderamente objetivo. Como los artistas, los historiadores del arte son miembros de una sociedad, participantes de su cultura. ¿Cómo pueden los académicos (y visitantes de museos y viajeros a lugares extranjeros) comprender culturas diferentes a la suya? Pueden intentar reconstruir los contextos culturales originales de las obras de arte, pero seguramente estarán limitados por su distancia de los patrones de pensamiento de las culturas que estudian y por las obstrucciones para comprender & # 8212 las suposiciones, presuposiciones y prejuicios propios de su propia cultura & # 8212 # 8212 sus propios patrones de pensamiento aumentan. Los historiadores del arte pueden reconstruir una imagen distorsionada del pasado debido a la ceguera ligada a la cultura.
Un solo ejemplo subraya cuán diferente las personas de diversas culturas ven el mundo y cómo las diversas formas de ver pueden causar diferencias marcadas en la forma en que los artistas representan el mundo. Ilustramos dos retratos contemporáneos de un cacique maorí del siglo XIX uno al lado del otro: uno por un inglés, John Sylvester, y el otro por el propio cacique de Nueva Zelanda, Te Pehi Kupe. Ambos reproducen el tatuaje facial del cacique. El artista europeo incluyó la cabeza y los hombros y minimizó el tatuaje. El patrón del tatuaje es un aspecto de la semejanza entre muchos, ni más ni menos importante que la vestimenta del cacique como un europeo. Sylvester también registró la mirada momentánea de su sujeto hacia la derecha y el juego de luces en su cabello, aspectos fugaces que nada tienen que ver con la identidad de la figura.
En contraste, el autorretrato de Te Pehi Kupe & # 8212 realizado durante un viaje a Liverpool, Inglaterra, para obtener armas europeas para llevarse a Nueva Zelanda & # 8212 & # 8212; no es una imagen de un hombre situado en el espacio y bañado en luz. Más bien, es la declaración del cacique de la importancia suprema del diseño del tatuaje lo que simboliza su rango entre su gente. Sorprendentemente, Te Pehi Kupe creó los patrones del tatuaje de memoria, sin la ayuda de un espejo. La insignia espléndidamente compuesta, presentada como un diseño plano separado del cuerpo e incluso de la cabeza, es la imagen que Te Pehi Kupe tiene de sí mismo. Solo al comprender el contexto cultural de cada retrato, los espectadores pueden esperar comprender por qué ambos se ven como lo hacen.


John Sylvester (izquierda) y Te Pehi Kupe (Derecha), retratos del jefe maorí Te Pehi Kupe, 1826.
De La infancia del hombre, de Leo Frobenius
(Nueva York: J. B. Lippincott, 1909).


Arte

De Wikipedia, la enciclopedia libre

El arte es el proceso o producto de la disposición deliberada y creativa de elementos de una manera que atraiga los sentidos o las emociones, especialmente la belleza. En su sentido estricto, la palabra arte se refiere con mayor frecuencia específicamente a las artes visuales, incluidos medios como la pintura, la escultura y el grabado. Sin embargo, "las artes" también pueden abarcar una amplia gama de actividades humanas, creaciones y modos de expresión, incluida la música y la literatura. La estética es la rama de la filosofía que estudia el arte.

Tradicionalmente, el término arte se usaba para referirse a cualquier habilidad o dominio. Esta concepción cambió durante el período romántico, cuando el arte pasó a ser visto como & quota facultad especial de la mente humana para ser clasificado con religión y ciencia & quot. Generalmente, el arte es una actividad humana, realizada con la intención de estimular pensamientos y emociones. Más allá de esta descripción, no existe una definición general acordada de arte.

La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX.Richard Wollheim distingue tres enfoques: el realista, en el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier visión humana; el objetivista, en el que también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general y la posición relativista, en el que no es un valor absoluto. valora, pero depende y varía con la experiencia humana de diferentes seres humanos. Un objeto puede caracterizarse por las intenciones, o la falta de ellas, de su creador, independientemente de su finalidad aparente. Una taza, que aparentemente se puede usar como recipiente, puede considerarse arte si está destinada únicamente como adorno, mientras que una pintura puede considerarse artesanal si se produce en masa.

El arte visual se define como la disposición de colores, formas u otros elementos "de una manera que afecta el sentido de la belleza, específicamente la producción de lo bello en un medio gráfico o plástico". Wollheim ha descrito la naturaleza del arte como "uno de los problemas tradicionales más esquivos de la cultura humana". Se ha definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar los elementos formales por sí mismos, y como mimesis o representación. León Tolstoi identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. Benedetto Croce y R.G. Collingwood avanzó la visión idealista de que el arte expresa emociones y que, por lo tanto, la obra de arte existe esencialmente en la mente del creador. El arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Immanuel Kant, y fue desarrollado a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell. El arte como mimesis o representación tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles.


Uso

Se entiende que el uso más común de la palabra & quotart, que saltó a la fama después de 1750, denota la habilidad utilizada para producir un resultado estético. Britannica Online lo define como `` el uso de la habilidad y la imaginación en la creación de objetos estéticos, entornos o experiencias que se pueden compartir con otros ''. Según cualquiera de estas definiciones de la palabra, las obras artísticas han existido durante casi tanto tiempo como la humanidad: desde el arte prehistórico temprano hasta el arte contemporáneo. Se ha escrito mucho sobre el concepto de & quotart & quot. Donde Adorno dijo en 1970: "Ahora se da por sentado que nada de lo que concierne al arte ya puede darse por sentado". ], & quot El primer y más amplio sentido del arte es el que se ha mantenido más cercano al antiguo significado latino, que se traduce aproximadamente como & quotskill & quot o & quot; artesanía & quot; y también de una raíz indoeuropea que significa & quotarrangement & quot o & quot; arreglar & quot. En este sentido, el arte es todo aquello que se describe como sometido a un proceso deliberado de ordenación por parte de un agente. Algunos ejemplos en los que este significado resulta muy amplio incluyen artefacto, artificial, artificio, artillería, artes médicas y artes militares. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología.

El segundo y más reciente sentido de la palabra arte es como abreviatura de arte creativo o bellas artes. Bellas artes significa que se está utilizando una habilidad para expresar la creatividad del artista, o para atraer la sensibilidad estética de la audiencia, o para atraer a la audiencia hacia la consideración de las cosas buenas. A menudo, si la habilidad se usa de una manera común o práctica, la gente la considerará un oficio en lugar de un arte. Asimismo, si la habilidad se está utilizando de manera comercial o industrial, se considerará arte comercial en lugar de arte. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado. Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas tiene más que ver con los juicios de valor que se hacen sobre el arte que con una clara diferencia de definición. [Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos más allá de la creatividad y la autoexpresión pura. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte con motivaciones políticas, espirituales o filosóficas para crear un sentido de belleza para explorar la naturaleza de la percepción por placer o para generar emociones fuertes. El propósito también puede ser aparentemente inexistente.

El arte puede describir varias cosas: un estudio de la habilidad creativa, un proceso de uso de la habilidad creativa, un producto de la habilidad creativa o la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (arte como disciplina) son una colección de disciplinas (artes) que producen obras de arte (arte como objetos) que son impulsadas por un impulso personal (arte como actividad) y hacen eco o reflejan un mensaje, estado de ánimo o simbolismo para el espectador. interpretar (el arte como experiencia). Las obras de arte se pueden definir mediante interpretaciones creativas y con un propósito de conceptos o ideas ilimitados para comunicar algo a otra persona. Las obras de arte pueden hacerse explícitamente para este propósito o interpretarse en base a imágenes u objetos. El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. También es una expresión de una idea y puede tomar muchas formas diferentes y servir para muchos propósitos diferentes. Aunque la aplicación de teorías científicas para derivar una nueva teoría científica implica habilidad y da como resultado la "creación" de algo nuevo, esto representa solo la ciencia y no se clasifica como arte.

En el siglo XIX, los artistas se preocupaban principalmente por las ideas de verdad y belleza. El teórico de la estética John Ruskin, quien defendió el naturalismo crudo de J. M. W. Turner, vio el papel del arte como la comunicación por artificio de una verdad esencial que solo podía encontrarse en la naturaleza. La llegada del Modernismo a principios del siglo XX condujo a una ruptura radical en la concepción de la función del arte, y luego nuevamente a fines del siglo XX con el advenimiento del posmodernismo. El artículo de Clement Greenberg de 1960 "Pintura moderna" define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina en sí misma". Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y la utilizó como una forma de comprender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):

El arte realista y naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte para ocultar el arte. El modernismo utilizó el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de pintar & # 8211 la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento & # 8212 fueron tratadas por los Antiguos Maestros como factores negativos que sólo podían reconocerse implícita o indirectamente. Bajo el Modernismo, estas mismas limitaciones llegaron a ser consideradas como factores positivos y fueron reconocidas abiertamente.

Después de Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin y Griselda Pollock, entre otros. Aunque originalmente solo se concibió como una forma de entender un conjunto específico de artistas, la definición de Greenberg de Arte Moderno subyace a la mayoría de las ideas de arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del siglo XXI. El arte de Marcel Duchamp se vuelve claro cuando se ve en este contexto al presentar un urinario, titulado fuente, a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917, criticando la exposición de arte utilizando sus propios métodos.

Artistas pop como Andy Warhol se hicieron notables e influyentes al criticar la cultura popular, así como el mundo del arte, a través del lenguaje de esa cultura popular. Ciertos artistas radicales de las décadas de 1980, 1990 y 2000 llevaron esas ideas más allá al expandir esta técnica de autocrítica más allá del arte elevado a toda la creación de imágenes culturales, incluidas las imágenes de moda, los cómics, las vallas publicitarias y la pornografía.

El propósito del arte se ha discutido a lo largo de la historia de la filosofía a través del concepto de belleza. La belleza, en este contexto, se refiere a la capacidad de los seres humanos para experimentar y apreciar el objeto visible, independientemente de las diferentes visiones de lo bello. Casi todos los filósofos importantes han comentado sobre el arte, incluidos Aristóteles, Platón, Kant, Bertrand Russell y otros. Los diferentes propósitos del arte pueden agruparse según los que no están motivados y los que están motivados (Lévi-Strauss).

Funciones del arte no motivadas

Los propósitos no motivados del Arte son aquellos que son parte integral del ser humano, trascienden al individuo o no cumplen con un propósito externo específico. Aristóteles ha dicho: `` La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza ''. En este sentido, el arte, como creatividad, es algo que los humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte) y, por lo tanto, está más allá de la utilidad.

Instinto humano básico para la armonía, el equilibrio y el ritmo.. El arte en este nivel no es una acción o un objeto, sino una apreciación interna del equilibrio y la armonía (belleza) y, por lo tanto, un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.
--La ​​imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, está el instinto de "armonía" y ritmo, siendo los medidores evidentemente secciones de ritmo. Las personas, por lo tanto, a partir de este don natural desarrollaron gradualmente sus aptitudes especiales, hasta que sus groseras improvisaciones dieron origen a la poesía. '' Aristóteles

Experiencia de lo misterioso. El arte nos proporciona una forma de experimentarnos a nosotros mismos en relación con el universo. Esta experiencia a menudo puede llegar sin motivación, ya que apreciamos el arte, la música o la poesía.
"Lo más hermoso que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo el arte y la ciencia verdaderos. & Quot -Albert Einstein

Expresión de la imaginación. El arte proporciona un medio para expresar la imaginación de formas no gramaticales que no están ligadas a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de las palabras, que vienen en secuencias y cada una de las cuales tiene un significado definido, el arte proporciona una variedad de formas, símbolos e ideas con significados maleables.
"El águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como los atributos lógicos (estéticos) de un objeto, el concepto de sublimidad y majestad de la creación, sino algo más, algo que le da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre un toda una multitud de representaciones afines que provocan más pensamiento del que admite expresión en un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional anterior como un sustituto de la presentación lógica, pero con la función adecuada, sin embargo, de animar la mente abriéndole una perspectiva en un campo de representaciones afines que se extienden más allá de su alcance. -Immanuel Kant

Comunicación universal. El arte permite al individuo expresar cosas hacia el mundo en su conjunto. Los artistas de la tierra a menudo crean arte en lugares remotos que nunca serán experimentados por otra persona. La práctica de colocar un montón de piedras en la cima de una montaña es un ejemplo. (Nota: Esto no tiene por qué sugerir una visión particular de Dios o de la religión). El arte creado de esta manera es una forma de comunicación entre el individuo y el mundo en su conjunto.

Funciones ritualistas y simbólicas. En muchas culturas, el arte se utiliza en rituales, representaciones y bailes como decoración o símbolo. Si bien estos a menudo no tienen un propósito utilitario (motivado) específico, los antropólogos saben que a menudo tienen un propósito a nivel de significado dentro de una cultura particular. Este significado no lo proporciona ningún individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio y de una relación cosmológica dentro de la cultura.
"La mayoría de los estudiosos que se ocupan de pinturas rupestres u objetos recuperados de contextos prehistóricos que no pueden explicarse en términos utilitarios y, por lo tanto, se clasifican como decorativos, rituales o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el término 'arte'". -Silva Tomaskova

Funciones motivadas del arte

Los propósitos del arte motivados se refieren a acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creadores. Estos pueden ser para provocar un cambio político, para comentar sobre un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo específico, para abordar la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, para (con artes comerciales) para vender un producto, o simplemente como un producto. forma de comunicación.

Comunicacion. El arte, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen una intención u objetivo dirigido a otra persona, este es un propósito motivado. Las artes ilustrativas, como la ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no necesita ser científico. Emociones, estados de animo y sentimientos también son comunicados a través del arte.
& quot [El arte es un conjunto de] artefactos o imágenes con significados simbólicos como medio de comunicación. & quot -Steve Mithen

Arte como entretenimiento. El arte puede buscar provocar una emoción o estado de ánimo en particular, con el propósito de relajar o entretener al espectador. Esta es a menudo la función de las industrias del arte de las películas y los videojuegos.

La Avante-Garde. Arte para el cambio político. Una de las funciones definitorias del arte de principios del siglo XX ha sido utilizar imágenes visuales para generar cambios políticos. Los movimientos artísticos que tenían este objetivo (dadaísmo, surrealismo, constructivismo ruso y expresionismo abstracto, entre otros) se denominan colectivamente artes de vanguardia.

“Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino hasta Anatole France, me parece claramente hostil a cualquier avance intelectual o moral. Lo detesto, porque está hecho de mediocridad, odio y vanidad. Es esta actitud la que hoy da origen a estos libros ridículos, a estas obras insultantes. Constantemente se alimenta y obtiene fuerza de los periódicos y embrutece tanto a la ciencia como al arte al adular asiduamente el más bajo de los gustos con una claridad que bordea la estupidez, la vida de un perro. & Quot -Andre Breton (Surrealismo)

Arte con fines psicológicos y curativos. El arte también es utilizado por terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos como arteterapia. La serie de dibujos de diagnóstico, por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino que se busca un proceso de curación, a través de actos creativos. La obra de arte resultante también puede ofrecer una idea de los problemas experimentados por el sujeto y puede sugerir enfoques adecuados para ser utilizados en formas más convencionales de terapia psiquiátrica.

Arte para la investigación social, la subversión y / o la anarquía. Si bien es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede buscar cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente criticar algún aspecto de la sociedad.
El grafiti y otros tipos de arte callejero son gráficos e imágenes pintadas con aerosol o estarcidas en paredes, edificios, autobuses, trenes y puentes que se pueden ver públicamente, generalmente sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también pueden ser ilegales cuando infringen las leyes (en este caso, el vandalismo).

Arte para propaganda o comercialismo. El arte se utiliza a menudo como una forma de propaganda y, por lo tanto, se puede utilizar para influir sutilmente en las concepciones o el estado de ánimo popular. De manera similar, el arte que busca vender un producto también influye en el estado de ánimo y la emoción. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una respuesta emocional o psicológica particular hacia una idea u objeto en particular.
Las funciones de la técnica descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchas de ellas pueden superponerse. Por ejemplo, el arte con fines de entretenimiento también puede buscar vender un producto, es decir, la película o el videojuego. Uno de los desafíos centrales del arte posmoderno (después de la década de 1970) es que a medida que el mundo se vuelve cada vez más utilitario, funcional e impulsado por el mercado, la presencia de las artes no motivadas, o el arte que es ritualista o simbólico, se convierte en cada vez más raro.

Disputas de clasificación

Es común en la historia del arte que la gente discuta si una forma u obra en particular, o una obra en particular, cuenta como arte o no. De hecho, durante gran parte del siglo pasado, la idea del arte ha sido simplemente desafiar lo que es el arte. Los filósofos del arte llaman a estas disputas & # 8220 disputas clasificatorias sobre el arte & # 8221. Por ejemplo, los filósofos griegos antiguos debatieron sobre si la ética debería ser considerada la & quot; cuota de vivir bien & quot. Las disputas clasificatorias en el siglo XX incluyeron: pinturas cubistas e impresionistas, Duchamp & # 8217s Fountain, las películas, imitaciones superlativas de billetes de banco, propaganda e incluso un crucifijo sumergido en orina. El arte conceptual a menudo empuja intencionalmente los límites de lo que cuenta como arte. Los nuevos medios, como los videojuegos, son lentamente cooptados por artistas y / o reconocidos como formas de arte por derecho propio, aunque estos nuevos cambios de clasificación no se adoptan universalmente y siguen siendo objeto de disputa.

El filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición de arte rara vez es el meollo del problema. Más bien, "las preocupaciones e intereses apasionados que los seres humanos confieren a su vida social" son "una parte tan importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte" (Novitz, 1996). Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre nuestros valores y hacia dónde estamos tratando de ir con nuestra sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando: "Durante 1.000 años, el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras". Hoy, ovejas encurtidas y camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros. No están avanzando en una definición o teoría sobre el arte, sino cuestionando el valor del trabajo de Hirst & # 8217s y Emin & # 8217s. En 1998, Arthur Danto sugirió un experimento mental que mostraba que "el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, en lugar de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes". La interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es, por lo tanto, constitutiva de un objeto & # 8217s arthood. & Quot;

Arte controvertido

Theodore Gericault's & quot; Raft of the Medusa & quot (1820), fue un comentario social sobre un evento actual, sin precedentes en ese momento. Le Djeuner sur l'Herbe de Edouard Manet (1863) fue considerada escandalosa no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la ropa de la época, más que con las túnicas del mundo antiguo. & QuotMadame Pierre Gautreau (Madam X) & quot (1884) de John Singer Sargent, provocó un gran alboroto por el rosa rojizo utilizado para colorear el lóbulo de la oreja de la mujer, considerado demasiado sugerente y supuestamente arruinando la reputación de la modelo de la alta sociedad.

En el siglo XX, el Guernica de Pablo Picasso (1937) utilizó técnicas cubistas llamativas y óleos monocromáticos crudos para representar las desgarradoras consecuencias de un bombardeo contemporáneo de una pequeña y antigua ciudad vasca. Interrogación III de Leon Golub (1981), muestra a una detenida encapuchada, desnuda, atada a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeada de dos torturadores vestidos con ropa de todos los días. Piss Christ (1989) de Andrés Serrano es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa el sacrificio y el sufrimiento final de Cristo, sumergido en un vaso de la propia orina del artista. El alboroto resultante provocó comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes.

En el siglo XXI, Eric Fischl creó Tumbling Woman como un monumento a quienes saltaron o cayeron y murieron en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001. Inicialmente instalado en el Rockefeller Center en la ciudad de Nueva York, dentro de un año el trabajo se eliminó por ser demasiado perturbador.

Algunos han percibido el arte como perteneciente a determinadas clases sociales y, a menudo, excluyendo a otras. En este contexto, el arte se ve como una actividad de la clase alta asociada con la riqueza, la capacidad de comprar arte y el ocio necesario para perseguirlo o disfrutarlo. Por ejemplo, los palacios de Versalles o el Hermitage de San Petersburgo con sus vastas colecciones de arte, acumuladas por la realeza fabulosamente rica de Europa, ejemplifican este punto de vista. Coleccionar este tipo de arte es propiedad exclusiva de los ricos o de los gobiernos y las instituciones.

Los productos finos y costosos han sido marcadores populares de estatus en muchas culturas, y continúan siéndolo en la actualidad. Ha habido un impulso cultural en la otra dirección desde al menos 1793, cuando el Louvre, que había sido un palacio privado de los reyes de Francia, se abrió al público como museo de arte durante la Revolución Francesa. La mayoría de los programas de educación artística y museos públicos modernos para niños en las escuelas se remontan a este impulso de tener el arte disponible para todos. Los museos en los Estados Unidos tienden a ser obsequios de los muy ricos a las masas (el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston, un ejecutivo ferroviario cuya colección de arte personal sembró el museo). a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI sigue siendo un marcador de riqueza y estatus social.

Ha habido intentos de artistas de crear arte que los ricos no pueden comprar como un objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de los sesenta y setenta fue crear arte que no se pudiera comprar ni vender. Es "necesario presentar algo más que meros objetos", dijo el principal artista alemán de la posguerra, Joseph Beuys. Este período de tiempo vio el surgimiento de cosas como el arte de performance, el videoarte y el arte conceptual. La idea era que si la obra de arte era una actuación que no dejaría nada atrás, o era simplemente una idea, no se podía comprar ni vender. “Los preceptos democráticos en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de los sesenta y se cosechó a lo largo de los setenta. Artistas ampliamente identificados bajo el título de Arte conceptual. sustituyendo las actividades de interpretación y publicación por el compromiso con las preocupaciones materiales y materialistas de la forma pintada o escultórica. [han] tratado de socavar el objeto de arte en cuanto objeto. & quot

En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco a medida que el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras de video, invitaciones a obras de performance exclusivas y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas representaciones crean obras que solo comprenden la élite que ha sido educada en cuanto a por qué una idea, un video o una aparente basura puede considerarse arte. El marcador de estatus se convierte en comprender la obra en lugar de poseerla necesariamente, y la obra de arte sigue siendo una actividad de la clase alta. & quot Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus beneficios de la venta de obras de arte, obtuvieron un medio importante para controlar la venta de obras de arte en vídeo y por ordenador en ediciones limitadas a los coleccionistas & quot;

Formas, géneros, medios y estilos

Las artes creativas a menudo se dividen en categorías más específicas que están relacionadas con su técnica o medio, como artes decorativas, artes plásticas, artes escénicas o literatura. A diferencia de los campos científicos, el arte es una de las pocas materias que se organiza académicamente según la técnica. Un medio artístico es la sustancia o material del que está hecha la obra artística y también puede referirse a la técnica utilizada. Por ejemplo, la pintura es el medio utilizado en la pintura, el papel es un medio utilizado en el dibujo.

Un forma de arte es la forma específica o cualidad que adquiere una expresión artística. Los medios utilizados suelen influir en la forma. Por ejemplo, la forma de una escultura debe existir en el espacio en tres dimensiones y responder a la gravedad. Las restricciones y limitaciones de un medio en particular se denominan así sus cualidades formales. Para dar otro ejemplo, las cualidades formales de la pintura son la textura del lienzo, el color y la textura del pincel. Las cualidades formales de los videojuegos son la no linealidad, la interactividad y la presencia virtual. La forma de una obra de arte en particular está determinada tanto por las cualidades formales de los medios como por las intenciones del artista.

A género es un conjunto de convenciones y estilos dentro de un medio en particular. Por ejemplo, los géneros cinematográficos más reconocidos son el western, el terror y la comedia romántica. Los géneros musicales incluyen death metal y trip hop. Los géneros en pintura incluyen naturaleza muerta y paisaje pastoral. Una obra de arte en particular puede doblar o combinar géneros, pero cada género tiene un grupo reconocible de convenciones, clichés y tropos. (Una nota: la palabra género tiene un segundo significado más antiguo dentro del género pictórico pintura fue una frase utilizada en los siglos XVII al XIX para referirse específicamente a pinturas de escenas de la vida cotidiana y todavía se puede usar de esta manera).

El estilo de una obra de arte, artista o movimiento es el método y la forma distintivos que toma el arte. Cualquier pintura abstracta suelta con pincel, goteada o vertida se llama expresionista (con una & quot; cita & quot minúscula y & quot & quot; cita & quot; al final). A menudo, estos estilos están vinculados con un período histórico particular, un conjunto de ideas y un movimiento artístico particular. Así que a Jackson Pollock se le llama expresionista abstracto.

Porque un particular estilo puede tener un significado cultural específico, es importante ser sensible a las diferencias en la técnica. Las pinturas de Roy Lichtenstein (1923-1997) no son puntillistas, a pesar de su uso de puntos, porque no están alineadas con los proponentes originales del puntillismo. Lichtenstein usó puntos de Ben-Day: están espaciados uniformemente y crean áreas planas de color. Estos tipos de puntos, utilizados en la impresión de medios tonos, se utilizaron originalmente en tiras cómicas y periódicos para reproducir el color. Por tanto, Lichtenstein utiliza los puntos como estilo para cuestionar el arte & quothigh & quot de la pintura con el arte & quot; bajo & quot de los cómics, para comentar las distinciones de clase en la cultura. Por lo tanto, Lichtenstein se asocia con el movimiento de arte pop estadounidense (década de 1960). El puntillismo es una técnica del impresionismo tardío (1880), desarrollada especialmente por el artista Georges Seurat, que emplea puntos espaciados para crear variaciones de color y profundidad en un intento de pintar imágenes más cercanas a la forma en que realmente vemos. color. Ambos artistas usan puntos, pero el estilo y la técnica en particular se relacionan con el movimiento artístico del que estos artistas formaron parte.

Todas estas son formas de empezar a definir una obra de arte, de acotarla. & quotImagina que eres un crítico de arte cuya misión es comparar los significados que encuentras en una amplia gama de obras de arte individuales. ¿Cómo procedería con su tarea? Una forma de comenzar es examinar los materiales que cada artista seleccionó al hacer un objeto, una imagen, un video o un evento. La decisión de moldear una escultura en bronce, por ejemplo, inevitablemente afecta su significado, la obra se convierte en algo diferente a si hubiera sido moldeada en oro, plástico o chocolate, incluso si todo lo demás sobre la obra de arte sigue siendo el mismo. A continuación, puede examinar cómo los materiales de cada obra de arte se han convertido en una disposición de formas, colores, texturas y líneas. Estos, a su vez, se organizan en varios patrones y estructuras compositivas. En su interpretación, comentaría cómo las características destacadas de la forma contribuyen al significado general de la obra de arte terminada. [Pero al final] el significado de la mayoría de las obras de arte. no se agota con una discusión de materiales, técnicas y forma. La mayoría de las interpretaciones también incluyen una discusión de las ideas y sentimientos que genera la obra de arte. & Quot

Historia

El arte es anterior a la historia Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres y petroglifos del Paleolítico superior que comenzaron hace aproximadamente 40.000 años, pero el significado preciso de dicho arte a menudo se discute porque se sabe muy poco sobre las culturas que los produjeron. Los objetos de arte más antiguos del mundo: una serie de pequeñas conchas de caracol perforadas de unos 75.000 años de antigüedad fueron descubiertas en una cueva de Sudáfrica.

Las grandes tradiciones en el arte tienen su fundamento en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto, Mesopotamia, Persia, India, China, Antigua Grecia, Roma o Arabia (Antiguo Yemen y Omán). Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. También han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, equilibrio, belleza y proporciones anatómicamente correctas.

En el arte bizantino y gótico de la Edad Media occidental, el arte se centró en la expresión de verdades bíblicas y no materiales, y enfatizó métodos que mostrarían la gloria invisible más alta de un mundo celestial, como el uso del oro en el fondo de las pinturas, o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentaba figuras en formas idealizadas, estampadas (planas).

El Renacimiento occidental vio un retorno a la valoración del mundo material y el lugar de los humanos en él, y este cambio de paradigma se refleja en las formas de arte, que muestran la corporalidad del cuerpo humano y la realidad tridimensional del paisaje.

En el este, el rechazo de la iconografía por parte del arte islámico llevó a enfatizar los patrones geométricos, la caligrafía y la arquitectura. Más hacia el este, la religión dominó los estilos artísticos, y también las formas. La India y el Tíbet vieron énfasis en las esculturas pintadas y la danza con la pintura religiosa tomando prestadas muchas convenciones de la escultura y tendiendo a colores brillantes contrastantes con énfasis en los contornos. China vio florecer muchas formas de arte, tallas de jade, trabajos en bronce, cerámica (incluido el impresionante ejército de terracota del emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra y se denominan tradicionalmente después de la dinastía gobernante. Entonces, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, enfatizando paisajes idealizados, pero las pinturas de la dinastía Ming son ocupadas, coloridas y se enfocan en contar historias a través del escenario y la composición. Japón también nombra sus estilos según las dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión en madera se hizo importante en Japón después del siglo XVII.

La Era de la Ilustración occidental en el siglo XVIII vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo de relojería, así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Blake & # 8217 de Newton como un geómetra divino, o David & # 8217s pinturas propagandísticas. Esto llevó a que los románticos rechazaran esto a favor de imágenes del lado emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificadas en las novelas de Goethe. A finales del siglo XIX se vivieron numerosos movimientos artísticos, como el arte académico, el simbolismo, el impresionismo y el fauvismo, entre otros.

En el siglo XX, estas imágenes se estaban desmoronando, destrozadas no solo por los nuevos descubrimientos de la relatividad de Einstein y de la psicología invisible de Freud, sino también por el desarrollo tecnológico sin precedentes acelerado por la implosión de la civilización en dos guerras mundiales. La historia del arte del siglo XX es una narrativa de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno derribado sucesivamente por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, etc. no pueden mantenerse mucho más allá de la época de su invención. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como la influencia de Pablo Picasso por la escultura africana. Los grabados en madera japoneses (que habían sido influenciados por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, las esculturas africanas fueron retomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse. De manera similar, Occidente ha tenido un gran impacto en el arte oriental en los siglos XIX y XX, con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo que ejercen una poderosa influencia en los estilos artísticos.

El modernismo, la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo XX a la comprensión de su inalcanzable. La relatividad fue aceptada como una verdad ineludible, lo que condujo al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna, donde las culturas del mundo y de la historia son vistas como formas cambiantes, de las que solo se puede apreciar y extraer con ironía. Además, la separación de culturas es cada vez más borrosa y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de culturas regionales.

El arte tiende a facilitar la comprensión intuitiva más que racional, y por lo general se crea conscientemente con esta intención. Las bellas artes no sirven intencionalmente para otro propósito. Como resultado de este ímpetu, las obras de arte son esquivas, refractivas a los intentos de clasificación, porque pueden ser apreciadas de más de una manera y, a menudo, son susceptibles de muchas interpretaciones diferentes. En el caso de La balsa de la medusa de Gericault, el conocimiento especial sobre el naufragio que representa la pintura no es un requisito previo para apreciarlo, pero permite apreciar las intenciones políticas de Gericault en la pieza. Incluso el arte que representa superficialmente un evento u objeto mundano puede invitar a la reflexión sobre temas elevados.

Tradicionalmente, los logros más altos del arte demuestran un alto nivel de habilidad o fluidez dentro de un medio. Esta característica podría considerarse un punto de discordia, ya que muchos artistas modernos (sobre todo, los artistas conceptuales) no crean ellos mismos las obras que conciben, o ni siquiera crean la obra en un sentido convencional y demostrativo. El arte tiene una capacidad transformadora: confiere estructuras o formas particularmente atractivas o estéticamente satisfactorias a un conjunto original de componentes pasivos no relacionados.

El arte puede connotar un sentido de habilidad entrenada o dominio de un medio. El arte también puede referirse simplemente al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir significado con inmediatez o profundidad. El arte es un acto de expresar nuestros sentimientos, pensamientos y observaciones. Hay un entendimiento que se alcanza con el material como resultado de su manipulación, lo que facilita los procesos de pensamiento.

Una opinión común es que el epíteto & # 8220art & # 8221, en particular en su sentido elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica o una originalidad en el enfoque estilístico, como en las obras de teatro. Shakespeare, o una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por lo tanto, necesaria para su éxito para Leonardo da Vinci, el arte, ni más ni menos que sus otros esfuerzos, era una manifestación de habilidad. La obra de Rembrandt, ahora alabada por sus efímeras virtudes, fue muy admirada por sus contemporáneos por su virtuosismo. A principios del siglo XX, las hábiles interpretaciones de John Singer Sargent fueron alternativamente admiradas y vistas con escepticismo por su fluidez manual, pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el iconoclasta más reconocido y itinerante de la época, Pablo Picasso, fue completando una formación académica tradicional en la que se destacó.

Una crítica contemporánea común de algunas artes modernas se produce en la línea de objetar la aparente falta de habilidad o habilidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, & quotFountain & quot de Marcel Duchamp se encuentra entre los primeros ejemplos de piezas en las que el artista usó objetos encontrados (& quot; listos para usar & quot) y no ejerció un conjunto de habilidades tradicionalmente reconocidas. My Bed de Tracey Emin o La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Damien Hirst siguen este ejemplo y también manipulan los medios de comunicación. Emin durmió (y participó en otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. A Hirst se le ocurrió el diseño conceptual de la obra de arte, pero ha dejado la mayor parte de la creación eventual de muchas obras a artesanos empleados. La fama de Hirst se basa enteramente en su capacidad para producir conceptos impactantes. La producción real de muchas obras de arte conceptuales y contemporáneas es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan sobresaliendo en las habilidades del dibujo y la pintura y en la creación práctica de obras de arte.

Algo en relación con lo anterior, la palabra arte también se usa para aplicar juicios de valor, como en expresiones como & citar que la comida era una obra de arte & quot (el cocinero es un artista), o & quot; el arte del engaño & quot (el altamente logrado se alaba el nivel de habilidad del engañador). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor lo que le da al término su sabor de subjetividad.

El hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte, es si se percibe como atractivo o repulsivo.Aunque la percepción siempre está coloreada por la experiencia y es necesariamente subjetiva, comúnmente se considera que lo que no es estéticamente satisfactorio de alguna manera no puede ser arte. Sin embargo, el arte "bueno" no siempre, ni siquiera con regularidad, es estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la motivación principal de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo representa imágenes terribles creadas por razones sociales, morales o que invitan a la reflexión. Por ejemplo, la pintura de Francisco Goya que representa los tiroteos españoles del 3 de mayo de 1808, es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecutando a varios civiles suplicantes. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes horribles demuestran la aguda capacidad artística de Goya en la composición y ejecución y producen una adecuada indignación social y política. Por tanto, continúa el debate sobre qué modo de satisfacción estética, si es que hay alguno, se requiere para definir el "arte".

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no tiene por qué ocurrir al mismo tiempo que un abandono completo de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, a menudo ocurre lo contrario, que en la revisión de lo que se concibe popularmente como atractivo estéticamente, permite revitalizar la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias formas de definir la calidad, pero todas parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez aceptadas sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinado por su capacidad para trascender los límites del medio elegido. con el fin de tocar una cuerda universal por la rareza de la habilidad del artista o en su fiel reflejo en lo que se denomina el zeitgeist.

Comunicación

El arte a menudo tiene la intención de atraer y conectar con las emociones humanas. Puede despertar sentimientos estéticos o morales, y puede entenderse como una forma de comunicar estos sentimientos. Los artistas expresan algo para que su audiencia se excite hasta cierto punto, pero no tienen que hacerlo conscientemente. El arte explora lo que comúnmente se denomina la condición humana que es esencialmente lo que es ser humano. El arte efectivo a menudo trae consigo una nueva percepción sobre la condición humana, ya sea individualmente o en masa, que no siempre es necesariamente positiva, o necesariamente amplía los límites de la capacidad humana colectiva. El grado de habilidad que tenga el artista afectará su capacidad para desencadenar una respuesta emocional y, por lo tanto, proporcionar nuevos conocimientos, la capacidad de manipularlos a voluntad muestra una habilidad y determinación ejemplares.

Esquema del tema del arte

De Wikipedia, la enciclopedia libre

El arte es una habilidad que se utiliza para producir un resultado estético. Las artes o las artes abarcan las artes visuales, las artes escénicas, las artes del lenguaje y las artes culinarias. Muchas disciplinas artísticas involucran aspectos de las diversas artes, por lo que las definiciones de estos términos se superponen hasta cierto punto. El término arte también se refiere a las formas físicas producidas o ejecutadas usando esas habilidades, como una figura esculpida, un poema o una pieza musical.

El siguiente esquema del tema se proporciona como una descripción general y una introducción al arte:

Tipos de arte
Arte aplicado
Arte conceptual
Arte decorativa
Arte fino
Arte publico

Formas de arte
Arte de instalación
Instalación de video
Arte literario
Poesía
Ficción
Arte de nuevos medios
Arte Ascii
Bio arte
Arte de la computadora
Arte digital
Poesía digital
Arte electronico
Arte evolutivo
Arte generativo
Hacktivismo
Arte de la información
Arte interactivo
Arte de Internet
Matemáticas y arte
Arte neto
Arte de radio
Arte robótico
Arte de software
Arte sonoro
Arte de sistemas
Video arte
Instalación de video
Arte virtual
Las artes escénicas
Arte de performance
Danza
Música:
Una breve historia de la música clásica
Una breve historia del jazz
Arte de performance
Teatro
Artes visuales
Cinematografía
Fotografía:
Una breve historia de la fotografía
Fotografía de bellas artes:
Fotografía de bellas artes
Artes plásticas
Arquitectura
Dibujo
Cuadro
Escultura

Géneros de arte
Arte abstracto
Arte erótico:
Erótica en el arte
Arte figurativo

Géneros de ficción
Ficción histórica
Historia alternativa
Pieza de período
Disfraz de drama
Jidaigeki
Aventuras
Acción
Superhéroe
Militar
Ficción de espías
Bravucón
Pelicula de artes marciales
Kung fu
Ciencia ficción
Ciencia ficción militar
Ópera espacial
Punk
Cyberpunk
Postcyberpunk
Dieselpunk
Steampunk
Clockpunk
Biopunk
Fantasía
Ciencia Fantasía
Wuxia
Romance
Crimen ficcion
Misterio
Misterio de asesinato
Comedia
Comedia de costumbres
Parodia
Comedia de humor negro
Comedia romántica
Ciencia ficción cómica
Falso documental
Horror
Monstruo
Monstruo gigante
Slasher
Horror de la supervivencia
Novela de suspenso
Desastre-Thriller
Thriller psicológico
Thriller
Tecno-Thriller
occidental

Géneros cinematográficos
Animación
Animación tradicional
Stop Motion
Imágenes generadas por computadora (CGI)
Títeres
Acción en vivo

Géneros de pintura
Pintura de historia
Obras de género
Pintura de retrato
Pintura de paisaje
Pintura de naturaleza muerta

Géneros de TV
De serie
Reality show
Comedia de enredo
Jabón
Docudrama

Historia del Arte
Historia de la arquitectura
Historia del arte de la computadora
Historia de la ficcion
Historia de la ficción criminal
Historia de la novela
Historia de la ciencia ficcion
Historia del cine
Historia de la literatura:
Breve historia de la literatura, la filosofía y las religiones
Historia de la musica:
Una breve historia de la música clásica
Historia de la pintura
Historia de la fotografía:
Una breve historia de la fotografía
Historia de la poesía
Historia de la escultura

Por período
Arte prehistórico, arte antiguo:
Del arte prehistórico al románico
Arte medieval:
Arte gótico
Renacimiento:
Arte renacentista
Arte barroco y rococó
Arte Moderno:
Neoclasicismo, Romanticismo Arte
Estilos de arte en el siglo XIX

Arte contemporáneo:
Arte del siglo XX

Movimientos artísticos

Del siglo XIV al XVIII
Gótico internacional:
Arte gótico
Renacimiento (temprano) (14):
El Renacimiento temprano
Manierismo (16o):
El alto renacimiento y el manierismo
Barroco (XVII), Rococó:
Barroco y rococó
Neoclasicismo, Romanticismo (XVIII):
Neoclasicismo y Romanticismo
Siglo 19
Realismo:
Realismo
Prerrafaelitas:
Prerrafaelitas
Académico:
Ar t oficial
Impresionismo:
El impresionismo
Post impresionismo:
Post impresionismo
Neoimpresionismo
Cromoluminarismo
Puntillismo:
Puntillismo
Cloisonismo
Les Nabis:
Nabis
Sintetismo
Simbolismo:
Simbolismo
Escuela del río Hudson

siglo 20
Modernismo
Cubismo:
Cubismo
Expresionismo:
Expresionismo
Expresionismo abstracto:
Expresionismo abstracto
Abstracto
Neue Kunstlervereinigung Munchen
Der Blaue Reiter:
Der Blaue Reiter
Die Brucke:
Die Brucke
Dada:
Dadaísmo
Fauvismo:
Futurismo
Neofauvismo
Art Nouveau:
Art Nouveau
Bauhaus:
La escuela Bauhaus
De Stijl
De Stijl
Arte deco:
Arte deco
Arte pop:
Arte pop
Futurismo:
Futurismo
Suprematismo:
Suprematismo
Surrealismo:
Surrealismo
Campo de color
Minimalismo:
Minimalismo
Arte de instalación
Abstracción lírica
Posmodernismo
Arte conceptual:
Arte conceptual
Land art:
Arte de la tierra
Arte de performance:
Happening y arte escénico
Video arte
Neoexpresionismo
Arte Forastero
De poca cultura
Arte de nuevos medios
Jóvenes artistas británicos
Stuckismo
Arte de sistemas

Siglo 21
Arte relacional
Arte de videojuegos

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Persecución en la Iglesia Primitiva: ¿Sabías?

Los primeros cristianos esperaban sufrimiento. Cristo había muerto en la cruz, por lo que no había mayor honor que imitar esa muerte aceptando el martirio (testimonio de sangre única). El legado judío retratado, en escritos como el Cuarto Libro de los Macabeos, la naturaleza gloriosa de la muerte en lugar de la renuncia a Israel, incluso sin esto, el cristianismo inevitablemente habría tenido en alta estima la muerte mártir y rsquos. Como lo expresó el escritor de 1 Pedro, "si sufres como cristiano, no te avergüences, pero alaba a Dios por llevar ese nombre" (4:16).

¿Por qué se persiguió a los cristianos?

¿Cómo fue que la iglesia sufrió tales sacrificios? La religión romana no era intolerante; Roma había aceptado en su panteón a deidades de las tribus italianas y de Asia Menor. En las provincias, los grandes dioses territoriales, como Saturno en el norte de África y Jehová entre los judíos, fueron aceptados como "religión legal" sobre la base de que sus ritos, aunque bárbaros, estaban santificados por la tradición antigua. Innumerables dioses y diosas locales, adorados por los habitantes ordinarios del mundo grecorromano, a menudo recibieron un nombre equivalente clásico y fueron adorados como deidades "romanas".

A pesar de esta tolerancia, a principios del siglo II el gobernador romano de Bitinia (en el Mar Negro) no dudó en enviar a ejecución inmediata a los que habían sido denunciados como cristianos. El nombre por sí solo era una sentencia de muerte suficiente.

Las razones de la persecución surgen del registro del cristianismo y los primeros tres siglos.

Lucha fratricida

La persecución no comenzó con las autoridades romanas. Los escritos del Nuevo Testamento hablan de luchas fratricidas entre judíos y cristianos, estos últimos.

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