Este día en la historia: 21/10/1959 - Se abre el Guggenheim

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En este videoclip "Este día en la historia" conozca los diferentes hechos ocurridos el 21 de octubre. Algunos de los eventos incluyen el lanzamiento del USS Constitution y Thomas Edison creando la primera bombilla en funcionamiento. Además, un ex presidente de Filipinas es arrestado y se abre el Museo Guggenheim.


Hoy en la historia & # 8211 28 de octubre

Hoy es miércoles 28 de octubre, el día 301 de 2009. Quedan 64 días en el año.

Hoy & # 8217s destacado en la historia

El 28 de octubre de 1886, el presidente Grover Cleveland dedicó la Estatua de la Libertad, un regalo del pueblo de Francia, en el puerto de Nueva York.

En este día

En 1636, el Tribunal General de Massachusetts aprobó un acto legislativo que estableció el Harvard College.

En 1776, la Batalla de White Plains se libró durante la Guerra Revolucionaria, lo que resultó en una victoria británica limitada.

En 1793, Eli Whitney solicitó una patente para la desmotadora de algodón.

En 1858, Rowland Hussey Macy abrió su primera tienda en Nueva York en Sixth Avenue y 14th Street en Manhattan.

En 1871, después de una búsqueda durante meses, el experto británico Sir Henry Morton Stanley encontró al explorador y misionero escocés David Livingstone en una parte remota de África. Lo saludó con las palabras que se han vuelto legendarias: & # 8220Dr. Livingstone, ¿supongo? & # 8221 Livingstone había sido enviado a África como médico y misionero en 1841. Se convirtió en el primer europeo en cruzar la parte sur de África, y en 1855 descubrió las Cataratas Victoria. Murió en el Ruhr en 1873 mientras buscaba la fuente del Nilo.

En 1914, nació el Dr. Jonas Edward Salk, el investigador médico estadounidense que desarrolló la primera vacuna contra la poliomielitis.

En 1918, la República de Checoslovaquia proclamó su independencia.

En 1919, el Congreso promulgó la Ley Volstead, que preveía la aplicación de la Prohibición, sobre el veto del presidente Woodrow Wilson.

En 1922, el fascismo llegó a Italia cuando Benito Mussolini tomó el control del gobierno.

En 1936, el presidente Franklin D. Roosevelt volvió a dedicar la Estatua de la Libertad en su 50 aniversario.

En 1940, Italia invadió Grecia durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1958, el patriarca católico de Venecia, Angelo Giuseppe Roncalli, fue elegido Papa y tomó el nombre de Juan XXIII.

En 1962, el líder soviético Nikita Khrushchev informó a Estados Unidos que había ordenado el desmantelamiento de las bases de misiles en Cuba.

En 1965, el Papa Pablo VI emitió un decreto que absolvía a los judíos de la culpa colectiva por la crucifixión de Jesucristo.

En 1976, el ex asistente de Nixon, John D. Ehrlichman, ingresó a un campo de prisioneros federal en Safford, Arizona, para comenzar a cumplir su sentencia por condenas relacionadas con Watergate.

En 1980, el presidente Jimmy Carter y el candidato presidencial republicano Ronald Reagan se enfrentaron en un debate de 90 minutos transmitido a nivel nacional en Cleveland, Ronald Reagan preguntó a los votantes durante el debate & # 8220¿Están mejor que hace cuatro años? & # 8221

En 1999, hace diez años, cinco aspirantes presidenciales republicanos debatieron temas como el aborto, la atención médica y los impuestos en su segunda reunión en menos de una semana, una vez más, el líder George W. Bush estuvo ausente de la reunión en New Hampshire.

En 1999, la Cámara aprobó, 218-211, el último proyecto de ley de gastos del año, que el presidente Bill Clinton dijo que vetaría.

En 2004, hace cinco años, los insurgentes ejecutaron a 11 soldados iraquíes y declararon en un sitio web de militantes islámicos que los combatientes iraquíes vengarían & # 8220 la sangre & # 8221 de mujeres y niños muertos en los ataques estadounidenses contra el bastión guerrillero de Faluya.

En 2004, decenas de miles de fanáticos de los Boston Red Sox se reunieron cerca del histórico Fenway Park para celebrar a su equipo campeón de la Serie Mundial, la ciudad y la primera desde 1918.

En 2005, el vicepresidente Dick Cheney & # 8217s principal asesor, I. Lewis & # 8220Scooter & # 8221 Libby, dimitió después de ser acusado de obstrucción a la justicia, perjurio y hacer declaraciones falsas en la investigación de filtración de la CIA. (Libby fue declarado culpable y sentenciado a 30 meses de prisión. El presidente George W. Bush conmutó su sentencia).

En 2006, el entrenador de baloncesto del Salón de la Fama, Red Auerbach, murió a los 89 años.

En 2007, la primera dama de Argentina, Cristina Fernández, reclamó la victoria en las elecciones presidenciales del país y se convirtió en la primera mujer elegida para el cargo.

En 2008, hace un año, el ex alcalde de Detroit Kwame Kilpatrick fue sentenciado a cuatro meses de cárcel por su participación en un escándalo de sexo y mensajes de texto. (Kilpatrick terminó cumpliendo 99 días).

Hoy & # 8217s Cumpleaños

La cantante de jazz Cleo Laine tiene 82 años. La actriz Joan Plowright tiene 80 años. El músico y compositor Charlie Daniels tiene 73 años. La actriz Jane Alexander tiene 70 años. El cantante Curtis Lee tiene 68 años. El actor Dennis Franz tiene 65 años. El cantante pop Wayne Fontana tiene 64 años. 61. El medallista de oro olímpico en pista y campo Bruce Jenner tiene 60 años. La actriz Annie Potts tiene 57 años. El cofundador de Microsoft, Bill Gates, tiene 54 años. El presidente de Irán, Mahmoud Ahmadinejad, tiene 53 años. El músico de rock Stephen Morris (New Order) tiene 52 años. El cantante y músico country / gospel Ron Hemby (The Buffalo Club) tiene 51 años. El cantante y músico de rock William Reid (The Jesus & amp Mary Chain) tiene 51 años. El actor Mark Derwin tiene 49 años. La actriz Daphne Zuniga tiene 47 años. La actriz Lauren Holly tiene 46 años. La actriz Jami Gertz tiene 44. El actor Chris Bauer tiene 43. & # 8220Tonight Show & # 8221, su compañero Andy Richter tiene 43. La actriz Julia Roberts tiene 42. La cantante y músico country Caitlin Cary tiene 41. El actor Jeremy Davies tiene 40. El cantante Ben Harper tiene 40 El cantante de country Brad Paisley tiene 37 años. El jugador retirado de la NFL Terrell Davis tiene 37 años. El actor Joa quin Phoenix tiene 35 años. El cantante Justin Guarini (& # 8220American Idol & # 8221) tiene 31 años. El cantante pop Brett Dennen tiene 30 años. El músico de rock Dave Tirio (Plain White T & # 8217s) tiene 30 años.

Hoy y # 8217s Cumpleaños históricos

Enrique III
10/28/1017 – 10/5/1056
Rey del Sacro Imperio Romam y Alemania (1046-56)

Desiderio Erasmus
10/28/1466 – 7/12/1536
Erudito holandés

Cornelius Otto Jansen
10/28/1585 – 5/6/1638
Líder de la reforma católica romana flamenca

Eliphalet Remington
10/28/1793 – 8/12/1861
Fabricante e inventor estadounidense de armas de fuego

Georges Auguste Escoffier
10/28/1846 – 2/12/1935
Artista culinario francés

Gilbert H. Grosvenor
10/28/1875 – 2/4/1966
Geógrafo estadounidense presidente de la National Geographic Society (1920-54)

Howard Hanson
10/28/1896 – 2/26/1981
Compositor y director de orquesta estadounidense

Edith Head
10/28/1897 – 10/24/1981
Diseñador de vestuario cinematográfico estadounidense

Evelyn Waugh
10/28/1903 – 4/10/1966
Escritor ingles

Francis Bacon
10/28/1909 – 4/28/1992
Pintor británico

Dr. Jonas Edward Salk
10/28/1914 – 6/23/1995
Un médico e investigador estadounidense desarrolló la vacuna contra la polio

Pensamiento para hoy

& # 8220 La verdad no se introduce en el individuo desde fuera, sino que estuvo dentro de él todo el tiempo. & # 8221 & # 8211 Soren Kierkegaard, filósofo danés (1813-1855).


Los debates Kennedy-Nixon: Ronda final

Sobre 21 de octubreEn 1960, los televidentes estadounidenses estaban fascinados con sus televisores para la transmisión del cuarto y último debate entre el vicepresidente republicano Richard M. Nixon y el senador demócrata John F. Kennedy.

El primer debate televisado entre candidatos presidenciales se llevó a cabo el 26 de septiembre de 1960. Un total estimado de sesenta a setenta millones de espectadores vieron el primero y los sucesivos debates, que se conocieron como & # 8220los Grandes Debates & # 8221.

Aquí vamos de nuevo. Edmund S. Valtman, artista publicado en: Hartford Times, 12 de septiembre de 1960. Dibujos animados. División de impresiones y fotografías

El primer debate, transmitido por CBS, se centró en temas nacionales. A cada candidato se le permitió ocho minutos para una declaración de apertura, seguida de treinta minutos de preguntas y respuestas y un total combinado de diez minutos para las declaraciones de cierre. El primer y último debate permitieron dos minutos y medio para respuestas y un minuto y medio para comentarios sobre preguntas dirigidas al oponente. El cuarto debate, transmitido por ABC, se centró en cuestiones de política exterior, en particular las relaciones de Estados Unidos con Cuba.

El segundo y tercer debate de una hora, televisados ​​desde Nueva York por NBC y ABC, respectivamente, siguieron un formato más flexible con un panel de noticias que cuestionaba a los candidatos sobre una variedad de temas. El segundo debate no contó con declaraciones de apertura ni de clausura de los candidatos. El tercer debate fue el primer & # 8220 debate electrónico & # 8221 genuino, con los dos candidatos enfrentados desde costas opuestas. Kennedy habló desde un estudio de televisión en Nueva York y Nixon de Los Ángeles.

Los debates de 1960 se han comparado con los famosos debates de 1858 en la campaña senatorial entre Abraham Lincoln y Stephen Douglas. Sin embargo, los siete debates Lincoln-Douglas se llevaron a cabo al aire libre en las ciudades de varios distritos electorales. Cada debate duró tres horas & # 8212 primero un candidato habló durante una hora, luego el segundo candidato habló durante una hora y media, y luego el primer candidato volvió a hablar durante otros treinta minutos. A los debates asistieron multitudes que iban desde 1.500 hasta 20.000 personas.

El presidente John F. Kennedy, retrato de cabeza y hombros, mirando hacia el frente. Fotografía de la Marina de los EE. UU., 1961. División de Grabados y Fotografías Richard M. Nixon, retrato de cabeza y hombros, mirando al frente. Fotografía oficial de la Casa Blanca, entre 1969-1974. División de impresiones y fotografías

En el siglo XX, la radio se convirtió en el nuevo medio político. Durante la campaña presidencial de 1924, las estaciones de radio transmitieron los discursos del actual presidente Calvin Coolidge, el candidato republicano, y John W. Davis, el candidato demócrata. Durante la Segunda Guerra Mundial, el presidente Franklin Delano Roosevelt llamó la atención del público estadounidense a través del uso de este medio en su transmisión de radio & # 8220 charlas junto al fuego & # 8221.

Un aumento en el uso de la radio por parte de los políticos provocó discusiones sobre la libertad versus la responsabilidad de la industria de la radiodifusión en la cobertura de eventos políticos. Las críticas de los partidos políticos, el Congreso y la Comisión Federal de Comunicaciones llevaron a una legislación en las áreas de igualdad de tiempo en el aire y libertad de expresión.

Lincoln Douglas Debate Centenario del condado de Du Page, 27 de agosto, West Chicago // Kreger. Illinois: Federal Art Proj., WPA, [entre 1936-1939]. Carteles: Carteles WPA. División de impresiones y fotografías

En 1952, las convenciones políticas nacionales y la campaña presidencial fueron televisadas en todo el país por primera vez. El público siguió con avidez la cobertura televisiva de la campaña y calificó a la televisión como el medio más informativo. Las transmisiones televisadas de los debates de la campaña presidencial de 1960 fueron una respuesta al entusiasmo del público por este tipo de cobertura.

Los encuestadores estimaron que aproximadamente 3,4 millones de votantes determinaron su elección de partido únicamente sobre la base de los Grandes Debates. Los hitos hicieron que los medios de difusión asumieran un papel central en la vida política estadounidense. La tendencia continúa a pesar de que los críticos culpan a los medios de comunicación por la & # 8220 comercialización & # 8221 de los candidatos, los costos crecientes de las campañas políticas y el uso de agencias de publicidad en la & # 8220 manipulación de imágenes & # 8221 de los candidatos.


Contenido

Los dos padres de Guggenheim eran de ascendencia judía asquenazí. Su madre, Florette Seligman (1870-1937), era miembro de la familia Seligman. Cuando cumplió 21 años en 1919, Guggenheim heredó US $ 2,5 millones, equivalentes a US $ 37,3 millones en 2020. El padre de Guggenheim, Benjamin Guggenheim, miembro de la familia Guggenheim, falleció en el hundimiento del Titánico, no había amasado la fortuna de sus hermanos, por lo que su herencia era mucho menor que la de sus primos.

Primero trabajó como empleada en una librería de vanguardia, Sunwise Turn, en el centro de Manhattan, donde se enamoró de los miembros de la comunidad artística bohemia. En 1920 se fue a vivir a París, Francia. Una vez allí, se hizo amiga de escritores y artistas de vanguardia, muchos de los cuales vivían en la pobreza en el barrio de Montparnasse de la ciudad. Man Ray la fotografió, [1] y fue, junto con Constantin Brâncuși y Marcel Duchamp, un amigo cuyo arte finalmente promovería.

Se hizo amiga cercana de la escritora Natalie Barney y la artista Romaine Brooks y era una habitual en el salón de Barney. Conoció a Djuna Barnes durante este tiempo, y con el tiempo se convirtió en su amiga y mecenas. Barnes escribió su novela más conocida, Nightwood, mientras se hospedaba en la casa de campo de Devon, Hayford Hall, que Guggenheim había alquilado durante dos veranos.

Guggenheim instó a Emma Goldman a escribir su autobiografía y la ayudó a conseguir fondos para vivir en Saint-Tropez, Francia, mientras escribía sus dos volúmenes. Viviendo mi vida. [2] Guggenheim escribió su propia autobiografía titulada Fuera de este siglo, posteriormente revisada y reeditada como Confesiones de un adicto al arte [3] que fue lanzado en 1946 [4] y ahora se publica con Harper Collins. [5]

En enero de 1938, Guggenheim abrió una galería de arte moderno en Londres con dibujos de Jean Cocteau en su primera muestra y comenzó a coleccionar obras de arte. Guggenheim a menudo compraba al menos un objeto de cada una de sus exposiciones en la galería. [6] Después del estallido de la Segunda Guerra Mundial, compró la mayor cantidad de arte abstracto y surrealista posible. [3]

Su primera galería se llamó Guggenheim Jeune, el nombre ingeniosamente elegido para asociar su galería con el epítome de una galería, la francesa Bernheim-Jeune, y con el nombre de su propia y conocida familia. La galería en 30 Cork Street, junto a la vitrina de Roland Penrose y E. L. T. Mesens para el movimiento surrealista, resultó ser un éxito gracias a muchos amigos que dieron consejos y que ayudaron a administrar la galería. Marcel Duchamp, a quien conocía desde principios de la década de 1920, cuando vivía en París con su primer marido Laurence Vail, había introducido a Guggenheim en el mundo del arte y fue a través de él que conoció a muchos artistas durante sus frecuentes visitas a París. Le enseñó sobre el arte y los estilos contemporáneos, y concibió varias de las exposiciones realizadas en Guggenheim Jeune.

La exposición de Cocteau fue seguida por exposiciones de Wassily Kandinsky (su primera exposición individual en Inglaterra), Yves Tanguy, Wolfgang Paalen y varios otros artistas conocidos y algunos menos conocidos. Peggy Guggenheim también realizó exposiciones colectivas de escultura y collage, con la participación de los ahora clásicos modernos Antoine Pevsner, Henry Moore, Henri Laurens, Alexander Calder, Raymond Duchamp-Villon, Constantin Brâncuși, John Ferren, Jean Arp, Max Ernst, Pablo Picasso, Georges Braque y Kurt Schwitters. También admiraba mucho el trabajo de John Tunnard (1900-1971) y se le atribuye su descubrimiento en la corriente principal del modernismo internacional.

Cuando Guggenheim se dio cuenta de que su galería, aunque bien recibida, había perdido 600 libras esterlinas durante el primer año, decidió gastar su dinero de una manera más práctica. Un museo de arte contemporáneo era exactamente la institución que podía verse apoyando. Sin duda alguna, también tenía en mente las aventuras en la ciudad de Nueva York de su tío, Solomon R. Guggenheim, quien, con la ayuda y el aliento de la artista baronesa Hilla von Rebay, había creado la Fundación Solomon R. Guggenheim dos años antes. El objetivo principal de esta fundación había sido recopilar y promover la producción de arte abstracto, lo que resultó en la apertura del Museo de Pintura No Objetiva (desde 1952: el Museo Solomon R. Guggenheim) a principios de 1939 en East 54th Street en Manhattan. Guggenheim cerrado Guggenheim Jeune con una fiesta de despedida el 22 de junio de 1939, en la que se proyectaron en las paredes retratos a color de Gisèle Freund. Comenzó a hacer planes para un Museo de Arte Moderno en Londres junto con el historiador y crítico de arte inglés Herbert Read. Ella reservó $ 40,000 para los costos de funcionamiento del museo. Sin embargo, estos fondos pronto se vieron sobrepasados ​​por las ambiciones de los organizadores.

En agosto de 1939, Guggenheim partió hacia París para negociar préstamos de obras de arte para la primera exposición. En su equipaje había una lista elaborada por Herbert Read para esta ocasión. Poco después de su partida, estalló la Segunda Guerra Mundial y los acontecimientos que siguieron al 1 de septiembre de 1939 la obligaron a abandonar el plan, voluntariamente o no. Entonces "decidió ahora comprar cuadros de todos los pintores que estaban en la lista de Herbert Read. Teniendo mucho tiempo y todos los fondos del museo a mi disposición, me puse en régimen de comprar un cuadro al día". [7] Cuando terminó, había adquirido 10 Picassos, 40 Ernsts, ocho Mirós, cuatro Magrittes, cuatro Ferrens, tres Man Rays, tres Dalís, un Klee, un Wolfgang Paalen y un Chagall, entre otros. Mientras tanto, también había hecho nuevos planes y, en abril de 1940, había alquilado un gran espacio en la Place Vendôme como nuevo hogar para su museo.

Unos días antes de que los alemanes llegaran a París, Guggenheim tuvo que abandonar sus planes para un museo en París y huyó al sur de Francia, desde donde, después de meses de salvaguardar su colección y sus amigos artistas, dejó Europa rumbo a Nueva York en el verano. de 1941. Allí, al año siguiente, abrió una nueva galería, que en realidad era en parte un museo, en el 30 West 57th Street. Se llamó El arte de este siglo. Tres de las cuatro galerías estaban dedicadas al arte cubista y abstracto, al surrealismo y al arte cinético, y solo la cuarta, la sala del frente, era una galería comercial. Guggenheim llevó a cabo otras muestras importantes, como la muestra para 31 mujeres artistas, en la galería. [8]

Su interés en el arte nuevo fue fundamental para avanzar en las carreras de varios artistas modernos importantes, incluidos los pintores estadounidenses Jackson Pollock y William Congdon, el surrealista austríaco Wolfgang Paalen, la poeta sonora Ada Verdun Howell y el pintor alemán Max Ernst, con quien se casó en diciembre. 1941. [9] Había reunido su colección en solo siete años. [3]

Después de la Segunda Guerra Mundial, y su divorcio de Max Ernst en 1946, cerró la Galería El arte de este siglo en 1947 y regresó a Europa, decidiendo vivir en Venecia, Italia. En 1948, fue invitada a exhibir su colección en el pabellón griego en desuso de la Bienal de Venecia y en 1949 se estableció en el Palazzo Venier dei Leoni ('palacio inacabado de los leones') en el Gran Canal. [3]

Su colección se convirtió en una de las pocas colecciones europeas de arte moderno en promover un número significativo de obras de estadounidenses. En la década de 1950 promovió el arte de dos pintores locales, Edmondo Bacci y Tancredi Parmeggiani. A principios de la década de 1960, Guggenheim casi había dejado de coleccionar arte y comenzó a concentrarse en presentar lo que ya poseía. Prestó su colección a museos de Europa y, en 1969, al Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York, que lleva el nombre de su tío.Finalmente, decidió donar su casa y su colección a la Fundación Solomon R. Guggenheim, obsequio que concluyó inter vivos en 1976, antes de su muerte en 1979.

La Colección Peggy Guggenheim es uno de los museos más importantes de Italia para el arte europeo y americano de la primera mitad del siglo XX. Las piezas de su colección abarcan el cubismo, el surrealismo y el expresionismo abstracto. [10]

Guggenheim vivió en Venecia hasta su muerte en Camposampiero cerca de Padua, Italia, después de un derrame cerebral. Sus cenizas están enterradas en el jardín (más tarde el Jardín de Esculturas Nasher) de su casa, el Palazzo Venier dei Leoni (dentro de la Colección Peggy Guggenheim), junto a sus perros. [3]

Según tanto Guggenheim como su biógrafo Anton Gill, se creía que mientras vivía en Europa, se había "acostado con 1.000 hombres". [11] Ella afirmó haber tenido aventuras con numerosos artistas y escritores y, a cambio, muchos artistas y otras personas han reclamado aventuras con ella. Cuando el director de orquesta Thomas Schippers le preguntó cuántos maridos tenía, ella respondió: "¿Te refieres al mío o al de otras personas?" [12] [13] En su autobiografía, Peggy proporciona los nombres de algunos de estos amantes, incluidos Yves Tanguy, Roland Penrose y E. L. T. Mesens. [14]

Su primer matrimonio fue con Laurence Vail, un escultor y escritor dadaísta con quien tuvo dos hijos, Michael Cedric Sindbad Vail (1923-1986) y Pegeen Vail Guggenheim (1925-1967). Se divorciaron alrededor de 1928 después de su romance con la escritora Kay Boyle, con quien más tarde se casó. Poco después de la disolución de su primer matrimonio, tuvo un romance con John Ferrar Holms, un escritor con bloqueo de escritor que había sido un héroe de guerra. [3] [15] A partir de diciembre de 1939, ella y Samuel Beckett tuvieron una relación breve pero intensa, y él la animó a dedicarse exclusivamente al arte moderno. [3] Se casó con su segundo marido, el pintor Max Ernst, en 1941 y se divorció de él en 1946. [9] Entre sus ocho nietos se encuentra Karole Vail, quien fue nombrada directora de la Colección Peggy Guggenheim en 2017 [16].


Unir de nuevo
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El 4 de octubre de 1957, comenzó la Era Espacial cuando la Unión Soviética puso en órbita el Sputnik, el primer satélite creado por el hombre.

El lanzamiento exitoso del Sputnik 1 fue un logro tecnológico emocionante, que hizo que el público temiera que los soviéticos pudieran lanzar armas nucleares a través de misiles balísticos y atacar a los Estados Unidos. Los funcionarios en Estados Unidos decidieron que era hora de impulsar las capacidades tecnológicas del país y formaron la Agencia de Proyectos de Investigación Avanzada en 1958, que más tarde se convirtió en DARPA. Más tarde ese año, la Administración Nacional de Aeronáutica y del Espacio (NASA) se formó en octubre de 1958.

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El 5 de octubre de 1902 nació el empresario estadounidense Ray A. Kroc. Kroc surgió de sus humildes comienzos y convirtió a McDonald's en el restaurante de comida rápida más famoso y exitoso del mundo.

Maurice y Richard McDonald abrieron un restaurante de barbacoa llamado McDonald & # 8217s en San Bernardino, California. Posteriormente decidieron cambiar el menú para vender hamburguesas, papas fritas, empanadas y batidos. Ray Kroc era un vendedor de batidos que quedó impresionado con el restaurante y compró una franquicia, abriendo su primer McDonald's en 1955 en Des Plaines, Illinois.

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John Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, en este día de 1940. Lennon se convertiría en uno de los compositores más influyentes en la historia de la música después de ser cofundador de los Beatles.

Tras su llegada a Nueva York en 1971, el FBI abrió un expediente sobre Lennon, sospechando que intentaba influir en la juventud de la nación con políticas radicales. El alcance de su vigilancia no se descubrió hasta la década de 1990.

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El 10 de octubre de 2004, el actor Christopher Reeve murió a los 52 años después de pasar años tetrapléjico luego de un devastador accidente en el que fue arrojado de su caballo.

Superman puede haber tenido los músculos y la fuerza abultados, pero Reeve recibió una miseria por su papel en comparación con otros, y es evidente en los créditos iniciales que Marlin Brando y Gene Hackman reciben una facturación más alta. Reeve ganó solo $ 250,000 por Superman: The Movie y por protagonizar Superman II. Por otro lado, Brando terminó pagando $ 14 millones por sus 10 minutos de tiempo al aire, y Gene Hackman recibió $ 2 millones por actuar en el papel de Lex Luthor.

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El 11 de octubre de 1975, Chevy Chase cantó el primer "¡En vivo desde Nueva York, es sábado por la noche!" E inauguró uno de los programas de televisión más emblemáticos de la historia de Estados Unidos.

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Johnny Carson, el presentador de & # 8220The Tonight Show, & # 8221 le preguntó a NBC si dejaría de emitir reposiciones del programa durante el fin de semana porque quería guardarlas durante los días en que quería faltar al trabajo durante la semana. Dado que NBC terminaría con un horario vacío, le pidieron a Lorne Michaels, productor, comediante, actor y escritor que presentara una idea para un nuevo programa. & # 8220Saturday Night Live & # 8221 terminó lanzando las carreras de muchos comediantes talentosos y ha ganado 36 premios Emmy durante su historia.

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El 12 de octubre de 2007, Al Gore ganó el Premio Nobel por su libro & # 8220An Inconvenient Truth.

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Mientras asistía a su último año en Harvard, Gore asistió a una clase impartida por el oceanógrafo Roger Revelle, que aumentó el interés de Gore en el medio ambiente, particularmente en el área del calentamiento global. Mientras era miembro del Senado de los EE. UU., Gore publicó su primer libro sobre el medio ambiente, titulado & # 8220Earth in the Balance, & # 8221 y ha escrito otros, incluido & # 8220An Inconvenient Truth & # 8221. En 2007, Gore ganó el Premio Nobel de la Paz por su trabajo, que fue compartido con el Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático, por su trabajo sobre cambio climático.

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El 21 de octubre de 1959, se inauguró en la ciudad de Nueva York el Museo Guggenheim, que alberga una de las mayores colecciones del mundo de obras de arte contemporáneas.

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Frank Lloyd Wright, el aclamado arquitecto, recibió el encargo de construir el Guggenheim en 1943. A Wright no le gustaban los entornos urbanos, por lo que pedirle que construyera el museo puede haber parecido una elección interesante pero inesperada. Wright creó más de 700 bocetos para el diseño del Museo Guggenheim. El edificio terminado se consideró una obra de arte en sí mismo con su rampa en espiral y su concha marina con habitaciones que se abrían entre sí.

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Los autos reales tienen dos asientos. Todo lo demás es un autobús.

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El 22 de octubre de 1746, la Universidad de Princeton recibió su estatuto como una de las nueve universidades fundadas antes de la Revolución Americana.

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La Universidad de Princeton fue fundada por New Light Presbyterians para capacitar ministros. Fue considerada la capital religiosa y educativa para aquellos en Estados Unidos de ascendencia escocesa e irlandesa. El seminario teológico se separó del resto de la universidad en 1812. Cuando la escuela fue autorizada por Nueva Jersey en 1746, era inusual porque la admisión no se limitaba a una denominación religiosa.

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El 23 de octubre de 2001, Apple anunció uno de sus diseños más nuevos, un reproductor de música de bolsillo que podía contener muchas canciones en MP3 y otros formatos: el iPod.

Y eso se consideró fantástico. Ahora, un dispositivo de Apple que ofreciera solo 5GB de almacenamiento se consideraría un lindo juguete. El iPod Touch actual permite hasta 256GB de almacenamiento dependiendo de las actualizaciones. Pero en ese momento, poder cargar 1,000 canciones en un reproductor portátil que ofrecía más almacenamiento que muchos discos duros de computadora normales era una hazaña asombrosa, especialmente dada la rapidez con la que se podía cargar un CD en el reproductor. En el momento en que se presentó el iPod, otros reproductores MP3 hacían que la gente esperara cinco minutos para copiar solo una C

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¿Por qué es icónico el Museo Guggenheim?

Guggenheim y Rebay le pidieron mucho a Wright, y él estaba listo para la tarea. Su portafolio demostró que podía diseñar fuera de la caja, y su filosofía para la arquitectura era igualmente progresista. Creía que un edificio no debería estar limitado por "preconcepciones o estilos históricos".

Wright articuló su visión de lo que debería contener un museo, y no eran pilares ni mucho hormigón (aunque un material importante para Wright). Sus ideas eran más abstractas que eso. & ldquoUn museo debería tener, sobre todo, una atmósfera clara de luz y una superficie simpática, & rdquo, explicó en una carta a Rebay en 1944. & ldquoUn museo debería ser un espacio de piso extenso, expansivo y bien proporcionado de abajo hacia arriba, una gran calma y el aliento impregna todo el lugar. Todo esto te hará perder la guardia por completo o se convertirá en lo que has estado soñando. & Rdquo


Historia del Arte

    El Museo Metropolitano de Arte se forma en Nueva York La Asociación de Arte de San Francisco realiza una recepción abierta en 430 Pine Se abre el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Evento de Interesar

1886-02-13 El pintor Thomas Eakins renuncia a la Academia de Arte de Filadelfia después de una controversia sobre el uso de desnudos masculinos en una clase de arte mixta

    La Exposition Universelle (Feria Mundial) en París cierra después de 50 millones de visitantes: domina el estilo Art Nouveau

Evento de Interesar

1901-01-31 Se inaugura & quotThree Sisters & quot de Chéjov en el Teatro de Arte de Moscú

    La obra de Anton Chejov & quotCherry Orchard & quot se abre en el Teatro de Arte de Moscú Se abre la Escuela de Arte Bezalel en Jerusalén Se abre la primera exhibición de arte de vanguardia en Estados Unidos en Nueva York Se abre el Museo de Arte Moderno en el Edificio Hecksher en Nueva York Se crea la Escuela de Arte Walt Disney Se abre la Galería del Proyecto de Arte Federal WPA en La Galería Nacional de Arte de Nueva York establecida por el Congreso Entartete Art Fair abre en Múnich

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1961-10-17 El Museo de Arte Moderno de Nueva York cuelga el & quotLe Bateau & quot de Henri Matisse al revés No se corrigió hasta el 3 de diciembre

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1963-01-07 La ruptura entre el propietario de los Cleveland Browns, Art Modell, y el entrenador en jefe Paul Brown, llega a un punto de ebullición y Brown es despedido.

    1er festival mundial de arte negro (Dakar Senegal) La inundación del río Arno (Florencia, Italia) destruye innumerables obras de arte, mata a 113

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1966-11-09 John Lennon se encuentra con Yoko Ono en una exposición de arte de vanguardia en la Indica Gallery de Londres

Evento de Interesar

1967-10-11 Se abre la exposición de arte Yoko Plus Me en Londres (el yo es John Lennon)

Feria de música y arte de Woodstock

1969-08-15 El Festival de Woodstock se abre en Bethel, Nueva York, con artistas de la granja lechera de Max Yasgur, incluidos Richie Havens, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie y Joan Baez.

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1975-04-08 47 Premios de la Academia: & quot El padrino II & quot, Ellen Burstyn y Art Carney ganan

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La historia del parque de atracciones Knott & aposs Berry Farm

Janey Ellis |

Este año marca el centenario de Knott's Berry Farm y es un momento perfecto para reflexionar sobre la historia única de la granja. Es una historia increíble de trabajo duro y accidentes felices que resultó en el primer parque temático de Estados Unidos.

En diciembre de 1920, la familia Knott condujo su Ford Modelo T desde el centro de California hasta Buena Park para comenzar de nuevo con el primo de Walter Knott, Jim Preston, un experimentado productor de bayas. Juntos, alquilaron tierras a William H. Coughran y Walter comenzaron a cultivar bayas.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

A pesar de que una helada acabó con la primera cosecha de Walter, él persistió y en 1923 pudo construir un puesto al borde de la carretera en Grand Avenue, vendiendo sus bayas. Gracias a un arduo trabajo, la familia Knott pudo comprar su terreno en 1927 y construir una casa al año siguiente junto con un Berry Market permanente que reemplazó al simple puesto al lado de la carretera. Junto con el mercado había un vivero para vender plantas e incluso un pequeño salón de té donde la esposa de Walter, Cordelia, vendía sándwiches, mermeladas y pasteles hechos con las bayas de la granja. Lo llamaron Knott's Berry Place.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

La Gran Depresión se apoderó de Estados Unidos en 1929, lo que provocó que los precios de la tierra cayeran, y aunque la familia Knott apenas llegaba a fin de mes, Walter se duplicó y compró más tierra para expandir su granja.

En medio de la Gran Depresión, Walter se estaba haciendo un nombre con sus berries, y en 1932 un hombre llamado George M. Darrow se enteró de una baya superior que se decía que había sido creada por un “Sr. Boysen ". Darrow supuso que Walter conocería al Sr. Boysen debido a su interés mutuo en las bayas, sin embargo Walter admitió que no, pero sugirió que buscaran a Boysen en la guía telefónica. Esto los llevó a Rudolph Boysen en Anaheim. Boysen admitió haber experimentado con bayas, pero las dejó en su propiedad anterior. Juntos, los tres hombres encontraron la planta de bayas olvidada de Boysen en una zanja cubierta de malezas y sin bayas. Boysen dijo que la planta era un cruce entre frambuesa roja, mora y loganberry. Después de obtener el permiso de los nuevos propietarios, Walter llevó esquejes a Buena Park para plantarlos y cultivarlos. Un año después, Walter tuvo una grata sorpresa: ¡bayas enormes! En 1934, Walter tenía suficientes esquejes y bayas para presentar el nuevo boysenberry como un producto comercial y Cordelia incorporó el nuevo berry en el menú de su salón de té. ¡Las bayas, las mermeladas y los pasteles fueron un éxito instantáneo! Esta nueva baya no tenía nombre y, aunque los amigos de Walter dijeron que debería ponerle su nombre, él optó en su lugar por honrar al creador de la baya y la apodó boysenberry.

La familia Knott luchó durante la Gran Depresión, pero en 1934 Cordelia tuvo una idea que lo cambiaría todo. Una noche de junio, Cordelia preparó ocho cenas de pollo frito para sus invitados al salón de té. La cena, servida junto con ensalada con ruibarbo, galletas, verduras, puré de papas con salsa y pastel de bayas en la vajilla de boda de la familia, costó 65 centavos. Walter recordó que el momento fue "el punto de inflexión en nuestra vida económica". Realmente fue el punto de inflexión que transformaría una granja en un parque temático.

Se corrió la voz de este delicioso pollo frito y pronto la gente acudió en masa a la pequeña granja y salón de té en Buena Park. El pequeño comedor originalmente tenía 20 asientos, y en 1935 lo expandieron a 40, solo para tener que expandirlo nuevamente al año siguiente para acomodar a 70.El pequeño salón de té de Cordelia se había convertido en un restaurante en toda regla y cuando se expandieron a 350 asientos pensaron que la gente ya no tendría que esperar, ¡pero lo hicieron!

En 1939, en un intento de darles a las personas que esperaban algo que hacer, la hija de Walter y Cordelia, Virginia, instaló una mesa de juego con pequeños artículos de regalo para la venta. A medida que el restaurante creció, también lo hizo la empresa de Virginia, recibiendo su propia tienda de regalos que todavía está allí hoy.

No era extraño que los invitados hambrientos esperaran más de tres horas por una mesa y pronto se instaló un altavoz. Pero además de examinar las ofertas de Virginia, ¿qué podía hacer durante la larga espera? Walter se dispuso a pensar en algunas ideas. Comenzó con algunas cajas de música antiguas, luego construyó un jardín de rocas con una cascada usando roca volcánica del Valle de la Muerte. Construyó una pequeña escena con una histórica piedra de molino y una rueda hidráulica con un letrero que animaba a los que esperaban a cantar "Down by the Old Mill Stream". Junto a él, agregó una recreación de la chimenea de George Washington de Mount Vernon. La cascada, la escena de la piedra de molino y la chimenea todavía están en la granja, ubicada detrás del mercado de Berry. Continuó construyendo un pequeño volcán para obstruir una tubería que fue "corrida" por un pequeño diablo haciendo girar una manivela. Agregó una colmena de abejas, madera petrificada, rocas fluorescentes que brillaban bajo la luz negra; cualquier cosa que encontrara entretenido, pensó que otros también lo harían.

Foto cortesía de jericl Flickr

Inspirado por su madre y su viaje a California en un carro cubierto en 1868, Walter decidió ir aún más lejos con sus ideas. Esta vez construiría un Pueblo Fantasma para entretener a los clientes ansiosos por las aves de corral. En 1940, comenzó la construcción de lo que se convertiría en Main Street. Walter estaba a la caza de todo lo relacionado con el viejo oeste, comprando trozos y piezas de edificios antiguos, carritos, herramientas y más. ¡Los usó para construir un salón, una oficina del alguacil, una oficina de análisis, una barbería y más! La pieza central fue el Gold Trails Hotel, que se construyó con piezas de un antiguo hotel de Arizona. El Gold Trails Hotel no era un hotel en absoluto, sino que albergaba un ciclorama de un vagón cubierto y contaba la historia de los pioneros hacia el oeste. Las personas que esperaban sus mesas estaban tan encantadas con la ciudad fantasma de Walter que hubo que ampliar el sistema de altavoces para que volvieran a llamar para reservar la mesa.

Antes de que se diera cuenta, el Pueblo Fantasma de Walter había cobrado vida propia y la gente venía solo para visitar el Pueblo Fantasma. Walter contrató a una variedad de actores para poblar su falsa ciudad occidental y divertir a los invitados. Con la ayuda creativa del diseñador y pintor Paul Von Klieben, Ghost Town se expandió con edificios coloridos y divertidos. El escultor Claude Bell también ayudó a poblar Ghost Town con estatuas de hormigón, incluidos Handsome Brady y Whiskey Bill, así como las encantadoras bailarinas Marilyn y Cecelia. Ambas parejas se convirtieron en un lugar de moda para las fotos para cualquiera que los visitara y continúan siéndolo hoy en día.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

En 1947, Walter nombró a su empresa en expansión Knott's Berry Farm y, ese mismo año, llegó Pan for Gold. Aún siendo una atracción popular hoy en día, los visitantes podían tomar una sartén como los mineros en 1849 para tamizar y llevarse a casa oro real. El Wagon Camp pronto siguió y se convirtió en un lugar de estreno para el entretenimiento gratuito de artistas del país y del oeste.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

La década de 1950 vio una expansión masiva de Ghost Town con la adición de Calico Saloon, Ghost Town y Calico Railroad (el último ferrocarril de vía estrecha en funcionamiento en Estados Unidos) y la escuela. Si bien se crearon muchos de los edificios de Ghost Town, la escuela era real construida en 1879 y se trasladó a Farm from Kansas. También se añadió el cementerio Boot Hill y el Bird Cage Theatre, cuya fachada es una réplica de la de Tombstone, Arizona. En 1954, The Bird Cage abrió para actuaciones de vodevil y melodrama donde empezaron artistas como Steve Martin y Dean Jones. Y antes de que terminara la década, se agregó la Haunted Shack al parque.

Foto cortesía de jericl Flickr

Las cosas realmente se movieron cuando Wendell “Bud” Hurlbut llegó a la Granja. Hurlbut diseñó y construyó atracciones y fue invitado a convertirse en concesionario de The Farm con su carrusel histórico Dentzel y, más tarde, un pequeño paseo en automóvil. La amistad de Hurlbut con Walter Knott creció y, con mucha confianza y un trato de apretón de manos, Hurlbut construyó dos atracciones que elevarían la granja a nuevas alturas, Calico Mine Ride y Timber Mountain Log Ride. Hurlbut y un equipo increíble crearon Calico Mine Ride con maravillosas cavernas de belleza junto con mineros rudos y turbulentos de días pasados, que se inauguró en noviembre de 1960. El viaje también fue el primero en presentar una cola oculta en zigzag, que tiene pasó a convertirse en estándar en el diseño de parques temáticos.

Foto cortesía de jericl Flickr

A medida que Ghost Town continuaba expandiéndose, Walter nunca flaqueó de su pasión por las atracciones basadas en la historia y la educación. Trajo el enorme Museo Western Trails de Marion Speer, el museo de miniaturas de la familia Mott, un museo de boxeo dentro del granero del pugilista Jim Jeffries, y pronto agregaría otro elemento educativo masivo, una réplica exacta del Independence Hall. Hurlbut junto con otros de la Granja fueron a Filadelfia a fotografiar, medir y tomar abundantes notas de cada detalle. Hurlbut incluso se afeitó del interior de Liberty Bell para que Walter pudiera recrear la campana hasta el material. Independence Hall abrió sus puertas el 4 de julio de 1966 con gran fanfarria y todavía hoy es una fuente de inspiración y educación.

En 1967, la hija menor de Walter y Cordelia, Marion, comenzó a ayudar a su padre en las operaciones de Ghost Town. Desde 1941, los huéspedes podían entrar y salir de Ghost Town, caminar por la zona de forma gratuita, pagando solo si deseaban viajar o comprar algo. Sin embargo, en 1968 se decidió cerrar el parque y cobrar una tarifa de entrada de un dólar.

Al año siguiente, Marion anunció que Knott's Berry Farm se expandiría, pero dejó atrás la idea de una ciudad fantasma. Inspirado en los días de principios de California, el nuevo terreno temático de Knott recibió el nombre de Fiesta Village. Mientras la planificación de Fiesta Village estaba en marcha, el 11 de julio de 1969 se inauguró el Calico Log Ride (ahora Timber Mountain Log Ride), el primer paseo en canal de troncos en los Estados Unidos, con la estrella de vaqueros John Wayne como maestro de ceremonias.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

Con el éxito de Fiesta Village y Calico Log Ride, Marion buscó agregar otra área temática para expandir el parque y se decidió por un tema gitano, llamando a la nueva área Gypsy Camp. Gypsy Camp abrió el 28 de mayo de 1971 y los invitados exploraron cuevas para encontrar una tienda de magia, una sala de juegos, conocer su fortuna y disfrutar de la música de músicos vestidos de colores desde un escenario al aire libre construido sobre las cuevas. El Wagon Camp al aire libre de Ghost Town resultó ser demasiado pequeño y rústico para atraer a grandes artistas, por lo que Marion agregó el Teatro John Wayne al Gypsy Camp. El nuevo teatro de 2150 asientos proporcionó un lugar interior maravilloso e incluso fue el anfitrión del estreno de la película de Wayne Big Jake el 19 de junio de 1971. A lo largo de los años, innumerables artistas subieron al escenario y los espectáculos de hielo utilizaron su , pista de patinaje sobre hielo. Con estrellas más grandes llenando el nuevo John Wayne Theatre, el Wagon Camp se convirtió en el hogar de un espectáculo de acrobacias, que continúa emocionando a los invitados hasta el día de hoy.

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Octubre siempre había sido un período lento en el parque, y en septiembre de 1973 a la gente de marketing y entretenimiento se le ocurrió una idea que cambiaría a Knott's para siempre: un evento de Halloween de tres noches llamado Knott's Halloween Haunt. A los empleados con disfraces y maquillajes de monstruos se les dijo que corrieran por la Ciudad Fantasma y asustaran a los invitados. The Haunted Shack se transformó en el "Monster Maze". Calico Mine Ride y Log Ride también recibieron un tratamiento espantoso. Un éxito instantáneo, el evento regresó al año siguiente y se agotó cada noche. En su tercer año, el evento recibió el sobrenombre de "Knott's Scary Farm". Desde entonces, Scary Farm, el evento de Halloween de mayor duración en un parque temático, se ha expandido para abarcar todo el parque con 1,000 monstruos y múltiples laberintos.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

En medio del éxito de Scary Farm, la Granja perdió a su matriarca, la mujer responsable de convertir una pequeña granja de bayas en un ícono del sur de California. El 23 de abril de 1974 Cordelia falleció a los 84 años.

Entre el éxito de Scary Farm y el duelo por Cordelia, Gypsy Camp se tambaleaba. A fines de 1974, Marion anunció que Gypsy Camp sería renovado y convertido en un área llamada Roaring 20's. Si bien la década de 1920 puede haber parecido inicialmente una elección extraña, fue un reflejo de la decisión de Walter de construir una ciudad fantasma del viejo oeste. Marion lo describió: “Así como el Pueblo Fantasma de mi padre era un monumento a sus padres, queríamos que nuestra área más nueva fuera un monumento a mamá y papá. Después de todo, los locos años veinte fueron su época ".

El área de los Roaring 20s se inauguró el 6 de junio de 1975. Como parte del nuevo tema, el Teatro John Wayne pasó a llamarse Good Time Theatre. La nueva área también fue la primera incursión de la granja en el mundo de las montañas rusas con el sacacorchos, la primera montaña rusa moderna de 360 ​​grados del mundo. Le seguirían atracciones únicas como Knott's Bear-y Tales, Sky Cabin y Wacky Soap Box Racers. Antes de que terminara la década de 1970, se agregó una segunda montaña rusa, esta vez en Fiesta Village, con Montezooma's Revenge.

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En 1981, después de 61 años de control familiar total, la familia Knott contrató a Terry Van Gorder, el primer miembro que no pertenecía a la familia en ser presidente y director ejecutivo, sin embargo, Marion y otros miembros de la familia Knott siguieron involucrados. A finales de año, la Granja abandonó sus boletos de viaje con cupones por un viaje con todo incluido y un boleto de entrada. El año tuvo otro momento importante el 3 de diciembre cuando, solo una semana antes de su 92 cumpleaños, Walter falleció.

Los 80 verían otra gran adición a Farm, Snoopy y Peanuts Gang. Sin embargo, su llegada al parque se remonta a 1960, cuando el ilustrador Pete Winters tuvo la tarea de crear un ícono de personaje para Knott's. El resultado fue un viejo prospector feliz con una barba blanca llamado simplemente "The Old Timer" y apareció en varios documentos de empleados, libretas de boletos, señalización del parque y más. En 1973, Farm decidió convertir "The Old Timer" en un personaje de paseo y lo llamó Whittles. De proporciones incómodas, Whittles simplemente se adaptaba mejor a la página y no como un personaje de la vida real. "No funcionó ... Asustó a los niños", señaló Russell Knott. Este paso en falso no acabó con el deseo de la granja de tener un ícono y un personaje de paseo, y decidieron que tal vez deberían intentar conseguir un ícono familiar, bien conocido y ya establecido.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

Ron Mizaker tenía la tarea de encontrar y asegurar el nuevo ícono y, como los personajes de la tira cómica Peanuts de Charles M. Schulz ya estaban haciendo un trabajo de patrocinio, Mizaker sabía que existía la posibilidad de que se unieran a la Granja. Mizaker se reunió con Schulz en Santa Rosa y, a mitad de la reunión, Schulz dijo que tenía que ir al ensayo de patinaje sobre hielo de su hija en la pista de hielo que tenía la familia Schulz, que estaba al otro lado de la calle. Schulz invitó a Mizaker a unirse a él. Durante el ensayo, Mizaker le informó a Schulz de la pista de hielo dentro del escenario del Good Time Theatre y dijo: "¿No sería genial si hiciéramos un espectáculo de hielo con Snoopy?" A Schulz le gustó la idea y preguntó: "¿Podría ser mi hija Snoopy?". Mizaker dijo que podían solucionarlo y eso se convirtió en la base del trato para que la pandilla Peanuts se uniera a la Granja. Pronto Snoopy y compañía llegaron para encontrarse con los invitados y, en 1983, Knott's decidió darles a los Peanuts su propia área en la Granja, expandiendo Knott's una vez más, para crear Camp Snoopy.

Foto cortesía de los Archivos del Condado de Orange

A medida que avanzaban los 80, llegaron dos nuevas atracciones. La familia Bear-y Tales abandonó el área de los Roaring 20 y fue reemplazada por criaturas prehistóricas en el Reino de los Dinosaurios en 1987. Al año siguiente, las historias de una criatura peluda llevaron a la gente a explorar y empaparse en Bigfoot Rapids.

La emoción, el misterio y la diversión continuaron hasta los noventa. La montaña rusa Boomerang reemplazó al sacacorchos, lo único, llegó el intrigante Mystery Lodge y Jaguar entró rugiendo en Fiesta Village. The Roaring 20s recibió una renovación y pasó a llamarse Boardwalk, rindiendo homenaje al sol, la arena y el mar de las playas del sur de California. Los invitados corrieron unos contra otros en otra nueva montaña rusa, Windjammer, que reemplazó a Wacky Soap Box Racers en 1997. El mismo año también marcó el cambio más grande en la granja desde que Cordelia sirvió su pollo frito, después de 78 años de propiedad familiar, Walter y Cordelia's hijos y nietos vendieron Knott's Berry Farm a Cedar Fair.

Sin embargo, antes del milenio, se agregarían atracciones más emocionantes al horizonte creciente de la granja, con las montañas rusas Supreme Scream, GhostRider y Pony Express, la primera "montaña rusa ciclista" en los Estados Unidos.

En 2000, para honrar al creador de los amados Peanuts, el Good Time Theatre pasó a llamarse Charles M. Schulz Theatre y continúa presentando espectáculos increíblemente divertidos, que a menudo incluyen a miembros de la pandilla Peanuts.

Las montañas rusas continuaron llegando a la Granja con Windjammer siendo reemplazado por Xcelerator y las adiciones de Silver Bullet y Sierra Sidewinder. Pero los viejos favoritos no fueron olvidados. En 2013, el Log Ride de Ghost Town fue renovado y reabierto con nuevos personajes animatrónicos. El Calico Mine Ride siguió su ejemplo en 2014 y Camp Snoopy recibió muchas adiciones nuevas para la familia.

Vacante desde 2004, el espacio que alguna vez albergó Knott's Bear-y Tales y Kingdom of the Dinosaurs dio la bienvenida a una nueva atracción interactiva, Voyage to the Iron Reef, en 2015. Al año siguiente, otra adición increíblemente única e interactiva llegó a la Granja, Ghost ¡Ciudad viva! Originalmente, la historia impulsada por los personajes y sus muchos actores estaba destinada a durar un verano para celebrar el 75 aniversario de Ghost Town, pero el resultado es una maravillosa tradición anual. Por primera vez desde su construcción, podías entrar en los encantadores miradores que Walter había desarrollado para entretener a los que esperaban sus mesas en el restaurante Chicken Dinner de Mrs. Knott y participar en tu propia historia del salvaje oeste con los diversos ciudadanos de Ciudad muerta. ¡Pueblo fantasma vivo! ha regresado cada verano y continúa encantando a los huéspedes, jóvenes y mayores, convirtiéndose en una atracción encantadora en sí misma.

Más recientemente, llegaron nuevas emociones con Sol Spin y Hang Time, la primera montaña rusa de buceo en California. Ghost Town continuó recibiendo actualizaciones y renovaciones también cuando Big Foot Rapids se transformó en Calico River Rapids vinculando su historia con el resto de Ghost Town. Y este verano, la familia Bear-y regresa a la granja con Bear-y Tales: Return to the Fair de Knott.

Es sorprendente que en cien años, una pequeña granja de bayas alquilada se haya transformado en uno de los parques temáticos más populares de los Estados Unidos, recibiendo premios y ganándose el corazón de todos. Debido a su edad, Knott's Berry Farm tiene un maravilloso sentimiento generacional, donde las personas pueden caminar y disfrutar de las mismas vistas que disfrutaron sus padres e incluso sus abuelos, mientras continúan experimentando cosas nuevas y emocionantes. Ciertamente, hay algo para todos y ¿quién sabe lo que nos depara los próximos 100 años en Knott's Berry Farm? ¡Feliz aniversario, Knott's!

Para obtener más información sobre la increíble historia de Knott's Berry Farm, asegúrese de leer Knott's Preserved.

Embajador del aniversario de Knott

Janey Ellis es la escritora detrás del blog Atomic Redhead. Allí comparte una historia interesante, lugares para explorar en el sur de California y más allá, así como su visión de la moda y el hogar vintage. Ella está muy agradecida de tener también la maravillosa oportunidad de compartir su pasión por los parques de atracciones y la historia en el Blog de Knott's Berry.


Hoy en la historia: nacido el 21 de octubre

Katsushika Hokusai, grabadora japonesa.

Samuel Taylor Coleridge, poeta inglés ("La escarcha del antiguo marinero", "Kubla Khan").

Alfred Nobel, inventor de la dinamita y fundador de los premios Nobel.

Dizzy Gillespie, trompetista de jazz.

Ursula K. Le Guin, escritora de ciencia ficción (La mano izquierda de la oscuridad)

Carl Brewer, jugador de hockey canadiense ganó tres Copas Stanley (1962-64) como miembro de los Toronto Maple Leafs.

Ronald McNair, astronauta murió cuando el transbordador espacial Desafiador explotó poco después del lanzamiento el 2 de enero de 1986.

Patti Davis, actriz, hija autora del ex presidente de Estados Unidos. Ronald Reagan.

Carrie Fisher, actriz, autora, guionista mejor conocida como Prince Leia en el original Guerra de las Galaxias trilogía y la novela más vendida Postcards from the Edge, hija del cantante Eddie Fisher y la actriz Debbie Reynolds.

El príncipe Salman bin Hamad bin Isa Al Khalifa, príncipe heredero de Bahrein en la actualidad (2013), primer viceprimer ministro y vicecomandante supremo, es el heredero evidente del reino de Bahrein.


Contenido

Primeros años y Hilla Rebay Editar

Solomon R. Guggenheim, miembro de una rica familia minera, había estado recopilando obras de los viejos maestros desde la década de 1890. En 1926, conoció a la artista Hilla von Rebay, [7] quien lo introdujo en el arte de vanguardia europeo, en particular el arte abstracto que ella sentía tenía un aspecto espiritual y utópico (arte no objetivo). [7] Guggenheim cambió por completo su estrategia de recolección, recurriendo al trabajo de Wassily Kandinsky, entre otros. Comenzó a mostrar su colección al público en su apartamento del Plaza Hotel en la ciudad de Nueva York. [7] [8] A medida que la colección crecía, estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim, en 1937, para fomentar la apreciación del arte moderno. [8]

El Museo de Pintura No Objetiva Editar

El primer lugar de la fundación para la exhibición de arte, el "Museo de Pintura No Objetiva", inaugurado en 1939 bajo la dirección de Rebay, en el centro de Manhattan. [9] Bajo la dirección de Rebay, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento por los primeros modernistas como Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger. , Amedeo Modigliani y Pablo Picasso. [7] [8] [10]

A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que se hizo evidente la necesidad de un edificio de museo permanente.[11] En 1943, Rebay y Guggenheim escribieron una carta a Frank Lloyd Wright pidiéndole que diseñara una estructura para albergar y exhibir la colección. [12] Wright aceptó la oportunidad de experimentar con su estilo orgánico en un entorno urbano. Le tomó 15 años, 700 bocetos y seis conjuntos de dibujos de trabajo para crear el museo. [13]

En 1948, la colección se amplió enormemente mediante la compra de la propiedad del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas. [10] En ese momento, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas, incluidas pinturas de Paul Klee, Oskar Kokoschka y Joan Miró. [10] [14] Después de la muerte de Guggenheim en 1949, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte de la junta directiva de la fundación tenían diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella renunció como directora del museo. [15] Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluidas obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian y Kurt Schwitters. [14] El museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. [15]

Diseño Editar

Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de mirar las piezas modernas de la colección. Le escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debe organizarse en el espacio, y solo usted. Probaría las posibilidades de hacerlo ... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" [16] [17] El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que, antes del edificio modernista de Wright, "solo había dos modelos comunes para el diseño de museos: el Palacio de Bellas Artes y el Pabellón de Estilo Internacional". [18] Goldberger pensó que el edificio era un catalizador para el cambio, por lo que era "social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo muy expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". [18]

Desde 1943 hasta principios de 1944, Wright produjo cuatro bocetos diferentes para el diseño inicial. Mientras que uno de los planos (esquema C) tenía una forma hexagonal y pisos nivelados para las galerías, todos los demás tenían esquemas circulares y usaban una rampa que continuaba alrededor del edificio. Había experimentado con el diseño de la rampa en 1948 en la tienda de regalos V. C. Morris en San Francisco y en la casa que completó para su hijo en 1952, la casa David y Gladys Wright en Arizona. [19] El concepto original de Wright se llamaba "zigurat" invertido, porque se parecía a los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia. [20] Su diseño prescindió del enfoque convencional del diseño del museo, en el que los visitantes son guiados a través de una serie de salas interconectadas y obligados a volver sobre sus pasos al salir. [21] El plan de Wright era que los visitantes del museo subieran a la parte superior del edificio en ascensor, descendieran a paso lento por la suave pendiente de la rampa continua y vieran el atrio del edificio como la última obra de arte. . La rotonda abierta brindó a los espectadores la posibilidad única de ver varias áreas de trabajo en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con invitados en otros niveles. [22]

Al mismo tiempo, antes de instalarse en el sitio para el museo en la esquina de 89th Street y la sección de Museum Mile de la Quinta Avenida, con vista a Central Park, Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en la sección de Riverdale. del Bronx, con vistas al río Hudson. [23] Guggenheim consideró que la proximidad del sitio a Central Park era importante, ya que el parque ofrecía alivio del ruido, la congestión y el hormigón de la ciudad. [20] La naturaleza también inspiró al museo. [23] El edificio encarna los intentos de Wright de "interpretar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". [21] El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación de la ciudad requirió que Wright diseñara el edificio en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus trabajos rurales anteriores. [20] [24]

El diseño en espiral recordaba una concha de nautilus, con espacios continuos que fluían libremente entre sí. [25] Incluso cuando abrazó la naturaleza, el diseño de Wright también expresa su visión de la rígida geometría de la arquitectura modernista. [25] Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó, "estas formas geométricas sugieren ciertas ideas humanas, estados de ánimo, sentimientos, como por ejemplo: el círculo, el infinito el triángulo, la unidad estructural la espiral, el progreso orgánico el cuadrado, la integridad". [26] Las formas se repiten en todas partes: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el hilo conductor, desde la rotonda hasta el diseño con incrustaciones de los suelos de terrazo. [23] Varios profesores de arquitectura han especulado que la escalera de caracol doble diseñada por Giuseppe Momo en 1932 en los Museos Vaticanos fue una inspiración para la rampa y el atrio de Wright. [27] [28] [29] Jaroslav Josef Polívka ayudó a Wright con el diseño estructural y logró diseñar la rampa de la galería sin columnas perimetrales. [30]

La superficie del Guggenheim estaba hecha de hormigón para reducir el costo, inferior al acabado de piedra que Wright había querido. [31] Wright propuso un exterior de color rojo, que nunca se realizó. [32] La pequeña rotonda (o "edificio Monitor", como lo llamó Wright) junto a la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en su lugar se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. [33] En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para exhibir la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se entregó por completo al espacio de exhibición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor a uno de los legados más importantes del museo. [34] El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras, hasta la renovación y expansión. [22] [35] También en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wright. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [31]

Años de Sweeney y finalización de la construcción Editar

En 1953, los criterios de recolección de la fundación se expandieron bajo su nuevo director, James Johnson Sweeney. Sweeney rechazó el rechazo de Rebay de la pintura y la escultura "objetivas", y pronto adquirió la de Constantin Brâncuși. Adán y Eva (1921), seguida de obras de otros escultores modernistas, como Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti y David Smith. [10] Sweeney llegó más allá del siglo XX para adquirir Paul Cézanne's Hombre con brazos cruzados (hacia 1899). [10] El mismo año, la fundación también recibió un obsequio de 28 obras importantes de la finca de Katherine S. Dreier, fundadora de la primera colección de Estados Unidos que se denominó museo de arte moderno, la Société Anonyme. Dreier había sido colega de Rebay. Las obras incluidas Niña francesa (1914–18) de Brâncuși, un bodegón sin título (1916) de Juan Gris, una escultura en bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919–21) del dadaísta alemán Hannoveriano Schwitters. También incluyó obras de Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky y Mondrian. [14] Entre otros, Sweeney también adquirió las obras de Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning y Jackson Pollock. [36]

Sweeney supervisó la última media docena de años de la construcción del edificio del museo, tiempo durante el cual tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente con respecto a los problemas de iluminación del edificio. [37] [38] El distintivo edificio cilíndrico resultó ser la última obra importante de Wright, ya que el arquitecto murió seis meses antes de su inauguración. [39] Desde la calle, el edificio parece una cinta blanca enrollada en una pila cilíndrica, más ancha en la parte superior que en la inferior, mostrando casi todas las superficies curvas. Su apariencia contrasta fuertemente con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, un hecho que disfrutaba Wright, quien afirmó que su museo haría que el cercano Museo Metropolitano de Arte "pareciera un granero protestante". [39] Internamente, la galería de observación forma una rampa en espiral helicoidal que sube suavemente desde el nivel del suelo hasta el tragaluz en la parte superior. [39]

Crítica y apertura del edificio Editar

Incluso antes de su inauguración, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura. [39] [40] Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. [41] [42] "Al contrario", escribió el arquitecto, el diseño hace que "el edificio y la pintura sean una sinfonía ininterrumpida y hermosa como nunca antes existió en el mundo del arte". [41] Otros críticos, y muchos artistas, sintieron que es incómodo colgar pinturas correctamente en los nichos de exhibición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. [39] Antes de la inauguración del museo, veintiún artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su trabajo en tal espacio. [39] El historiador Lewis Mumford resumió el oprobio:

Wright ha asignado a las pinturas y esculturas a la vista solo el espacio que no infringiría en su composición abstracta. . [Él] creó un caparazón cuya forma no tiene relación con su función y no ofreció ninguna posibilidad de alejarse en el futuro de sus rígidos preconceptos. [El paseo] tiene, para un museo, un techo bajo: nueve pies y ocho pulgadas [295 cm] [tamaño límite de la pintura. La pared] se inclinaba hacia afuera, siguiendo la inclinación hacia afuera de la pared exterior, y se suponía que las pinturas no debían colgarse verticalmente o mostrarse en su verdadero plano, sino que debían inclinarse hacia atrás contra ella. . Tampoco [puede un visitante] escapar de la luz que brilla en sus ojos por las estrechas ranuras de la pared. [43]

El 21 de octubre de 1959, diez años después de la muerte de Solomon Guggenheim y seis meses después de la muerte de Frank Lloyd Wright, el Museo abrió sus puertas por primera vez a grandes multitudes. [44] [11] El edificio fue ampliamente elogiado [45] [46] [47] e inspiró a muchos otros arquitectos. [20]

Messer años Editar

Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció durante 27 años, el mandato más largo de cualquiera de los directores de las principales instituciones artísticas de la ciudad. [48] ​​Cuando Messer asumió el control, la capacidad del museo para presentar arte todavía estaba en duda debido a los desafíos que presentaba la galería de rampas en espiral continua que está inclinada y tiene paredes curvas no verticales. [49] Es difícil colgar cuadros correctamente en los nichos de exposición poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central: los lienzos deben montarse elevados desde la superficie de la pared. Las pinturas colgadas inclinadas hacia atrás aparecerían "como en el caballete del artista". Hay un espacio limitado dentro de los nichos para la escultura. [39]

Casi de inmediato, en 1962, Messer se arriesgó a realizar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas de la colección Hirshhorn. [49] La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar una muestra de este tipo en un museo que se parezca tanto a la geografía circular del infierno", donde cualquier objeto vertical aparece inclinado en una "sacudida de borrachera" porque el La pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podrían combinarse para producir molestas ilusiones ópticas. [50] Resultó que la combinación podría funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero Messer recordó que en ese momento "tenía miedo. Sentí a medias que esta sería mi última exposición". [49] Messer tuvo la previsión de prepararse organizando una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio mediante la construcción de zócalos especiales en un ángulo particular, por lo que las piezas aún no estaban en una verdadera vertical. parecía ser así. [50] En la muestra de esculturas anterior, este truco resultó imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo cable colgaba inevitablemente en una verdadera vertical, "sugiriendo una alucinación" en el contexto desorientador del piso inclinado. [50]

Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del marchante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente del museo. [51] Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas, posimpresionistas y modernas francesas, incluidas obras importantes de Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso. [14] [52] "Works and Process" es una serie de actuaciones en el Guggenheim que comenzó en 1984. [53] La primera temporada consistió en Philip Glass con Christopher Keene en Akhnaten y Steve Reich y Michael Tilson Thomas en La música del desierto.

Krens y expansión Editar

Thomas Krens, director de la fundación de 1988 a 2008, dirigió una rápida expansión de las colecciones del museo. [54] En 1991, amplió sus fondos adquiriendo la Colección Panza. Reunida por el Conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre, Dan Flavin y Donald Judd, y pinturas minimalistas de Robert Mangold, Brice Marden y Robert Ryman, así como una variedad de postminimalistas. , arte conceptual y perceptual de Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner y otros, sobre todo ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. [14] [55] En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe regaló 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaron toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids, retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También contó con construcciones de medios mixtos e incluyó su conocido 1998 Auto retrato. La adquisición inició el programa de exhibición fotográfica de la fundación. [14]

También en 1992, la exposición del edificio del museo de Nueva York y otros espacios se ampliaron con la adición de una torre rectangular contigua que se encuentra detrás y es más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. [35] La nueva torre fue diseñada por el estudio de arquitectura de Gwathmey Siegel & amp Associates Architects, [56] quienes analizaron los bocetos originales de Wright cuando diseñaron la torre de piedra caliza de 10 pisos, que reemplazó una estructura mucho más pequeña. Tiene cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". [22] [35] En la construcción original del edificio, el tragaluz de la galería principal estaba cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wright. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [31]

Para financiar estos movimientos, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar $ 47 millones, lo que generó críticas considerables por el intercambio de maestros por los recién llegados "de moda". En Los New York Times, el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "estiraron las reglas aceptadas de la baja más de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". [31] [57] Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo, incluida la ampliación de su colección internacional y la construcción de su "colección de posguerra a la fuerza de nuestras existencias de antes de la guerra" [55] y señaló que tales ventas son un habitual práctica por museos. [57] Al mismo tiempo, se movió para expandir la presencia internacional de la fundación abriendo museos en el extranjero. [58] Krens también fue criticado por su estilo empresarial y su percepción de populismo y comercialización. [59] [60] Un escritor comentó: "Krens ha sido elogiado y vilipendiado por convertir lo que una vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional. Krens transformó el Guggenheim en uno de los marca más conocida en las artes ". [61]

Bajo la dirección de Krens, el museo organizó algunas de sus exposiciones más populares: "África: el arte de un continente" en 1996, "China: 5.000 años" en 1998, "Brasil: cuerpo y alma" en 2001 y "El imperio azteca" en 2004. [62] En ocasiones ha mostrado exposiciones inusuales, por ejemplo, instalaciones de arte comercial de motocicletas. El nuevo criterio 's Hilton Kramer condenó "El arte de la motocicleta" [59] [63] Una retrospectiva de 2009 de Frank Lloyd Wright mostró al arquitecto en el 50 aniversario de la inauguración del edificio y fue la exhibición más popular del museo desde que comenzó a tener tal asistencia registros en 1992. [64]

En 2001, el museo abrió el Sackler Center for Arts Education. Las instalaciones de 8,200 pies cuadrados (760 m 2) brindan clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y exhibiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exhibición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis de 266 asientos. [65] [66] Se encuentra en el nivel inferior del museo, debajo de la gran rotonda y fue un regalo de la familia Mortimer D. Sackler. [67] También en 2001, la fundación recibió un obsequio de la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección son Pierre Huyghe y Sophie Calle. [7]

Restauración exterior Editar

Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y [68] modernizar sistemas y detalles exteriores. [69] En la primera fase de este proyecto, un equipo de arquitectos de restauración, ingenieros estructurales y conservadores arquitectónicos trabajaron juntos para crear una evaluación integral de la condición del edificio que determinó que la estructura era fundamentalmente sólida. Esta evaluación inicial de la condición incluyó:

  • la eliminación de pintura de la superficie original, revelando cientos de grietas causadas a lo largo de los años, principalmente por fluctuaciones estacionales de temperatura [68]
  • seguimiento detallado del movimiento de grietas seleccionadas durante 17 meses
  • Tecnología de eco de impacto, en la que se envían ondas de sonido al hormigón y se mide el rebote para localizar huecos dentro de las paredes.
  • Estudios láser de las superficies exteriores e interiores, que se cree que es el modelo láser más grande jamás compilado.
  • perforación de núcleo para recolectar muestras del hormigón original y otros materiales de construcción y
  • prueba de posibles materiales de reparación. [70]

Gran parte del interior del edificio fue restaurado durante la renovación y adición de 1992 por Gwathmey Siegel and Associates Architects. La restauración de 2005-2008 abordó principalmente el exterior del edificio original y la infraestructura. Esto incluyó los tragaluces, ventanas, puertas, fachadas de concreto y gunita y acera exterior, así como el control de clima.El objetivo era preservar tanto tejido histórico significativo del museo como fuera posible, mientras se realizaban las reparaciones necesarias y se lograba un entorno adecuado para el uso continuo del edificio como museo. [71]

El 22 de septiembre de 2008, el Guggenheim celebró la finalización de un proyecto de restauración de tres años. El alcalde de la ciudad de Nueva York, Michael Bloomberg, ofició la celebración que culminó con el estreno del tributo de la artista Jenny Holzer. Para el Guggenheim, [72] una obra encargada en honor a Peter B. Lewis, quien fue un importante benefactor en el proyecto de restauración del Museo. Otros partidarios de la restauración de $ 29 millones incluyeron la Junta de Síndicos de la Fundación Solomon R. Guggenheim y el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad. El estado de Nueva York y MAPEI Corporation proporcionaron apoyo adicional. [73]

Años recientes Editar

En 2005, Krens ganó una disputa con el filántropo multimillonario Peter B. Lewis, presidente de la Junta Directiva de la fundación y el mayor contribuyente a la fundación en su historia. Lewis renunció a la Junta, expresando su oposición a los planes de Krens para una mayor expansión global de los museos Guggenheim. [74] También en 2005, Lisa Dennison, curadora del Guggenheim desde hace mucho tiempo, fue nombrada directora del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Dennison renunció en julio de 2007 para trabajar en la casa de subastas Sotheby's. [75] Continuaron las tensiones entre Krens y la Junta, y en febrero de 2008 Krens dejó el cargo de Director de la fundación, aunque sigue siendo asesor de asuntos internacionales. [76]

Richard Armstrong se convirtió en el quinto director del museo el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh, Pensilvania durante 12 años, donde también se había desempeñado como curador en jefe y curador de arte contemporáneo. [77] La ​​curadora en jefe y subdirectora del museo es Nancy Spector. [78]

Además de sus colecciones permanentes, que continúan creciendo, [7] la fundación administra exhibiciones en préstamo y coorganiza exhibiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. [79] En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo, y su exposición de James Turrell fue la más popular en la ciudad de Nueva York en términos de asistencia diaria. [6]

En 2019, Chaédria LaBouvier se convirtió en la primera curadora mujer negra en crear una exposición individual y la primera persona negra en escribir un texto publicado por el museo. [80] [81] Ella acusó al museo de racismo después de que se negó a permitirle contribuir a la audioguía de su exposición y supuestamente le retuvo recursos y la excluyó de un panel organizado sobre la exposición. Un mes después de que LaBouvier hiciera estas críticas, el museo contrató a su primera curadora negra a tiempo completo, Ashley James. [82]

El 14 de agosto de 1990, el museo y su interior fueron designados por separado como Monumentos históricos de la ciudad de Nueva York. [4] [5] El museo se agregó al Registro Nacional de Lugares Históricos el 19 de mayo de 2005, [2] y se registró como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. [3] En julio de 2019, el Guggenheim fue entre las ocho propiedades de Wright incluidas en la Lista del Patrimonio Mundial bajo el título "La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright". [83] [84] [85]


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